Natures mortes légères. Comment dessiner un vase ? Comment dessiner le vase des fleurs et les fruits avec le crayon progressivement ? Exemples de solutions de couleurs

Comment dessiner une nature morte - commençons par une nature simple, disons, dès la phase préparatoire et abordons progressivement le dessin de la nature morte elle-même. A ce stade, pour une meilleure compréhension de ce que nous faisons, je vous propose les quelques exercices suivants. Vous n'êtes pas le seul à dessiner des natures mortes, et surtout pas à toute vitesse ? Il faut de bonnes connaissances qui peuvent fournir une bonne base pratique, n’est-ce pas ? Examinons ensuite le sujet : comment dessiner une nature morte à l'aide de ces exercices.

Développement des capacités de vision proportionnelle grâce à l'analyse comparative des volumes :

Trouvez des bouteilles ou des canettes - peu importe, mais ce n'est pas très compliqué. Vous les alignez peut-être quatre ou six fois et entraînez vos yeux. Essayez d'analyser la hauteur et la largeur de chaque objet et leurs relations les uns avec les autres. Au début, vous ne pouvez dessiner que des contours. Nous dessinons tous les objets sur le plan objet. Comme ça:

Autre tâche :

Réaliser un dessin d'une feuille de papier froissée, carton, avec analyse des plans de fracture. Notez que chaque face ressemble à la face d’un cube. Quand on comprend cela, la tâche ne semble pas difficile. Cet exercice est très utile pour développer l’œil. Comme ça:

Tâche plus difficile :

Comment dessiner une nature morte

Nous sommes donc passés en douceur au dessin de la nature morte elle-même. Mais maintenant, vous êtes mieux préparé à bien percevoir le matériel. On dessine une nature morte en tenant compte du placement de la composition dans la feuille (voir composition sur la figure). On saisit le caractère de la nature morte - qu'elle soit allongée en longueur ou en largeur. Il est nécessaire de prendre en compte le plan objet, car tous les objets reposent dessus et ne pendent pas dans les airs. On retrouve les limites de la nature morte dans la feuille, en retrait de 10 centimètres du haut de la feuille, de 7 centimètres sur les côtés et de 3 cm du bas. Ne vous précipitez pas, l'essentiel est de démarrer correctement pour ne pas « gâcher » tout le travail plus tard. Ne vous précipitez pas, car nous retrouvons désormais les relations proportionnelles de base d’une nature morte :

Lorsque, en tenant compte des proportions, vous avez déterminé les limites de la nature morte sur la feuille, il est temps de trouver les limites et les relations proportionnelles de chaque objet séparément. Nous établissons des proportions basées sur trois points. Vous ne devez en aucun cas commencer à dessiner les détails de la nature morte ou à ajouter des ombres. Si plus tard vous remarquez que quelque part vous n’avez pas saisi les proportions, vous devrez effacer tout ce que vous y avez dessiné. En conséquence, l'œuvre du tout début sera écrasée et on ne sait pas à quoi elle ressemblera à la fin :

Si vous avez tout fait correctement, reposez-vous, buvez du thé, en un mot, faites quelque chose pour ne pas regarder le travail et reposer vos yeux. Croyez-moi, dans 20 à 30 minutes, vous verrez quelque chose que vous n'avez jamais vu auparavant. Si vous trouvez une erreur quelque part, corrigez-la, il n’est pas trop tard. Si tout est en ordre, nous passons à autre chose.

Lorsque vous avez trouvé une place sur la feuille pour chaque objet de votre nature morte, regardez la composition : chaque objet contient des formes géométriques ou une combinaison de celles-ci. Dessinez chaque objet plus clairement, en comprenant que chaque objet contient la base d'une forme géométrique. Dessinez avec la perspective. Il n’est pas nécessaire d’en faire trop avec la pression du crayon. Dessinez avec un crayon graphite T, TM pour que le dessin soit transparent et propre.

Disposez l'ombrage :

Ensuite, commençons à ombrer. Déterminons où nous avons la lumière et l'ombre dans notre nature morte. Désormais, nous n'avons plus besoin de demi-teintes. Nous ne touchons pas la lumière, mais ombrageons l'ombre avec toutes les demi-teintes avec un crayon. N'encrez pas, sinon vous n'aurez pas assez de force de crayon pour les dernières ombres tombantes les plus sombres.

Une fois que nous avons défini la lumière et l'ombre, il est temps de revoir tous les exercices que nous avons appris dans la section sur les bases du dessin. Nous plaçons un ombrage sur l'objet, où le clair-obscur sera réparti selon la forme de l'objet. Les objets passant en perspective seront dessinés plus doucement. Le premier plan est mis en valeur. Si c'est difficile, revenez à la page des bases du dessin et répétez tout à nouveau. En gros, vous devriez obtenir quelque chose comme ceci :

Nature morte - Bon choixétudier les bases du dessin et de la peinture. Il y a un peu règles importantes, qui vous dira comment dessiner une nature morte. Ces règles sont simples et tout à fait réalisables, mais peu d’endroits les écrivent ou en parlent. Les artistes expérimentés utilisent ces règles de manière intuitive. Les débutants devinent et se réjouissent d'une image créée avec succès, ou vice versa - ils s'inquiètent d'une mauvaise expérience lors de la création d'une intrigue simple.

Les conseils suivants vous aideront à créer diverses natures mortes harmonieuses, en utilisant presque toutes les techniques, et à éviter des erreurs gênantes.

Comment dessiner une nature morte - règles pour les débutants

Naturellement, les natures mortes sont très différentes, elles portent des objectifs différents et les exécutent dans une variété de styles. Aujourd'hui, nous allons parler des règles de base pour représenter des objets inanimés sur toile ou sur papier.

Pour créer une image harmonieuse, vous devez connaître au moins les bases de la composition et de la couleur.

Comment dessiner une fleur de jonquille

Que doit faire un débutant qui souhaite créer quelque chose de beau de ses propres mains dès maintenant ? Allez-vous vous lancer dans la lecture de livres sur la peinture et le dessin ?

Il vous suffira de connaître quelques règles importantes pour éviter les erreurs et obtenir un excellent résultat.

Emplacement des articles

La nature morte est toujours plus belle, harmonieuse et intéressante, en trois dimensions :

• C’est bien de combiner ces deux types d’agencement : chevauchement et distance.

Exemples de placement d'éléments

Tous les objets se chevauchent ou sont situés à une grande distance les uns des autres.

Illustration vectorielle. Ici aussi, tous les objets se croisent, se chevauchent ou sont situés à une grande distance.

Disposition des objets ennuyeux et non ennuyeux

Même les rectangles peuvent être disposés de manière intéressante.

Composition avec des rectangles

Lorsque vous placez un objet derrière un autre, en superposant certaines parties, vous créez une certaine profondeur dans votre travail. Plus les formes se croisent, plus votre nature morte paraîtra « profonde et volumineuse ».

Espace

Si vous dessinez simplement un vase de fleurs et qu'il semble n'y avoir rien pour le recouvrir, pensez-y !

• Peut-être qu'une feuille est tombée devant le vase, ou peut-être une fleur, peut-être devriez-vous poser une serviette ou une nappe, ou peut-être disperser des baies sur la table.

Par exemple, le travail d'Alexandre Sergeev :

Au premier plan se trouvent des feuilles et une fleur. Ces éléments apparemment insignifiants conduisent le regard du spectateur depuis le premier plan de la photo, d'abord vers la fleur tombée, puis vers le verre et le vase, créant ainsi de l'espace et rendant l'œuvre plus intéressante.

Coloristique

Lors de la création d’une nature morte, il est simplement important de ne pas en faire trop avec le nombre de couleurs utilisées.

Règle de 2-3 couleurs

Choisissez 2-3 couleurs primaires, n'hésitez pas à utiliser des nuances proches d'elles et ne vous inquiétez pas d'avoir des problèmes avec la couleur. J'utilise habituellement 2 couleurs principales- et un peu de couleur en plus.

Exemples de solutions de couleurs

Ici, j'ai utilisé uniquement des nuances jaune-orange (chaud) et bleu (froid). Le vert est facultatif.

"Bottes" de Van Gogh. Ici aussi, deux couleurs prédominent.

Le vert et le blanc dominent ici clairement ; des touches de bleu et de rose complètent l'œuvre.

Nature morte au poisson. Les nuances principales sont le rouge-brun (chaud) et le bleu (froid).

La règle des 2-3 couleurs n’est pas toujours possible. Héros fréquents des natures mortes - les fleurs ou les fruits se déclinent dans une variété de couleurs et de nuances. Dans de tels cas, vous devez utiliser les conseils suivants : L'image ne doit pas avoir toutes les couleurs de la même manière

Rapport de couleur

Même dans une image bigarrée, il y a une ou deux couleurs dominantes.

Par exemple, si votre bouquet contient des fleurs rouges, bleues, blanches et fleurs jaunes, et plus de feuillage vert. Certaines fleurs et couleurs devraient prévaloir, d’autres devraient être minoritaires.

Voici des exemples :

Peinture de A. Sergeev. Le bouquet est dominé par des fleurs blanches et rouges. Le bleu, le vert, le jaune sont complémentaires.

Nature morte de Vincent van Gogh. Les coquelicots rouges dominent.

Soulignons l'essentiel

Ayant une certaine idée, lorsque vous dessinez une nature morte d'après nature ou d'après une idée (de tête), vous devez :

• mettre en évidence ce qui est le plus important dans cette intrigue, quel sujet domine ?

Cette règle n’est pas toujours utilisée, mais votre travail ne fera que bénéficier de son application.

Posez-vous une question : sur quel sujet souhaiteriez-vous garder le focus, l’attention du spectateur ?

L'élément principal doit se démarquer d'une manière ou d'une autre : forme, taille, couleur, position par rapport aux autres.

Travail de A. Sergeev. Les fleurs « principales » sont identifiées sans équivoque.

Même au stade de l'esquisse, lorsque vous regardez le croquis, vous devez clairement déterminer - Quelle est la chose la plus importante dans votre travail ?

• Si intuitivement, il est possible de déterminer l'essentiel est excellent.
• Si le regard passe de l'un à l'autre, ne sachant pas à quoi s'accrocher- cela signifie que vous devez encore travailler sur votre composition. réduire quelque chose ou agrandir, faire pivoter, réorganiser etc. Choisissez ce qui vous convient le mieux.

Beaucoup de gens se posent probablement une question maintenant : Et si je dessinais un vase de fleurs ?

Ici, cette règle n'a pas besoin d'être appliquée ? Après tout, notre personnage le plus important et principal est « un vase de fleurs » ?

Et ici il est nécessaire et tout à fait possible d'appliquer cette règle.

Il y a toujours une fleur principale dans un bouquet de fleurs.

S'il s'agit d'un bouquet de nombreuses fleurs, il convient de souligner un petit groupe de fleurs qui réussit le mieux. illuminé, ou la plupart regarder de manière expressive pour le spectateur, diffèrent par couleur, taille ou formulaire.

Description de la présentation par diapositives individuelles :

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Description de la diapositive :

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STILL LIFE est une « nature morte » immobile (c'est ainsi qu'on traduit ce mot), elle est constituée d'objets qui font partie de la réalité vivante qui nous entoure. Les objets que nous utilisons dans une nature morte forment leur propre environnement, comme transférés dans une autre dimension. Leur importance dans la composition, leur charge sémantique augmente. Les combinaisons d’objets simples peuvent exprimer des sentiments très différents et complexes.

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NATURE MORTE DANS LES GRAPHIQUES Le dessin est le principal type de graphisme. Tous les artistes sont impliqués dans le graphisme, qu'ils soient peintres ou sculpteurs, ils ont besoin du dessin comme étape de leur travail. Cependant, un dessin peut être une œuvre graphique indépendante. Pour un graphiste, des outils simples suffisent - crayon, feutre, encre, stylo gel pour créer une magnifique composition graphique.

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Dessiner une nature morte au crayon (étape par étape). Avant de dessiner une nature morte au crayon, on va progressivement placer les objets les uns à côté des autres, sans oublier la source lumineuse. Les objets peuvent être situés à une certaine distance, mais ce sera plus intéressant s'ils se chevauchent légèrement. Le flux de lumière de la lampe vous permettra de souligner de manière plus expressive le contraste des nuances et des reflets. C'est mieux s'il tombe sur le côté. S'appuyer non pas sur l'artificiel, mais sur lumière du soleil, vous devez vous rappeler que le luminaire ne reste pas immobile, donc les angles de lumière et d'ombre changeront. Les dessins au crayon ont leurs propres spécificités - pour maîtriser la technique, vous devrez dessiner plus d'un croquis ou d'une nature morte. Ligne, point, trait, tache.

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Existe type particulier graphiques – GRAPHIQUES IMPRIMÉS. Dans ce cas, à partir d'un dessin réalisé avec des cutters spéciaux sur une planche en bois, en métal ou en linoléum, vous pouvez réaliser plusieurs estampes d'auteur - impressions. Ce type de graphisme est appelé GRAVURE. La gravure peut être différente : sur bois - gravure sur bois, sur métal - gravure, sur linoléum - linogravure... Dans ces cas, le graphiste utilise pour son travail des dispositifs aussi complexes qu'une presse à imprimer, des couteaux spéciaux (points), des plaques métalliques pour les graver avec de l'acide et bien d'autres. Tout cela est nécessaire pour créer des graphiques imprimés. gravure, gravure sur bois, gravure, nature morte ancienne, vieux Riga XYLOGRAPHIE - un des types de gravure, gravure sur bois. linogravure

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Technique du scratch La technique du scratch est aussi appelée « tsap-scratch » ou « graffito ». Le dessin est mis en valeur en grattant avec un stylo ou un instrument pointu sur du papier ou du carton rempli d'encre (pour éviter qu'il ne s'étale, il faut ajouter un peu de lessive ou de shampoing, quelques gouttes seulement). Le mot vient du français gratter - gratter, gratter, donc un autre nom pour la technique est la technique du grattage. J'utilise généralement du papier épais et je le peins à la gouache. Vous pouvez prendre du carton coloré avec un motif coloré prêt à l'emploi, vous pouvez alors vous limiter à l'habituel bougie de cire(pas la couleur). Ensuite, à l'aide d'un pinceau large ou d'une éponge, appliquez une couche de mascara sur la surface. Une fois sec, utilisez un objet pointu - une fourchette en plastique, un cure-dent - pour gratter un motif de fines lignes blanches ou colorées sur le fond fini.

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Les dessins selon la technique du grattage sont réalisés avec un objet pointu (un stylo, un cutter spécial, un bâton pointu, etc.) sur une surface préalablement préparée. Avant de commencer la gravure, une couche de cire ou de paraffine est appliquée sur le carton (vous pouvez utiliser une bougie), puis de l'encre ou de la peinture. Le mascara doit être appliqué en plusieurs couches, en séchant chacune d'elles, car il s'étale sur la cire et repose initialement de manière inégale. Le mascara s'applique avec un pinceau large, une éponge ou un coton-tige.

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Les artistes ont toujours aimé peindre des natures mortes. Sur leurs toiles, ils représentaient de luxueux bouquets de fleurs, de fruits exotiques, de gibier, de légumes frais et des plats très complexes. De nos jours, les natures mortes sont toujours populaires, mais les dessiner n'est pas si facile. Il est préférable de commencer par des compositions simples composées de trois ou quatre objets différents.

Vous devez d'abord préparer :

Papier;
- crayon;
- gomme;
- des crayons de couleurs vives. Par exemple, les aquarelles fonctionnent bien.

Après cela, vous pouvez commencer à travailler sur la nature morte :

1. Marquez le bord de la table avec un crayon, puis dessinez les contours de deux pommes, d'une poire et d'une tasse ;

2. Dessinez le fruit plus en détail. Dessinez un brin de fraises disposé en cercle ;

5. Appliquez une autre couche d'ombrage sur la pomme, rendant progressivement sa couleur plus saturée et expressive. N'oubliez pas que la pomme, comme la poire, doit avoir un point culminant, car dans ce cas, la lumière tombe sur les objets d'un côté. Assombrir également les zones d'ombre avec du marron et du vert marais ;

La nature morte est complètement prête. Vous pouvez progressivement compliquer la composition en ajoutant de plus en plus de nouveaux objets. Vous pouvez colorer une nature morte non seulement avec des crayons de couleur, mais aussi avec des peintures à l'huile, acryliques ou aquarelles.

Quiconque puise dans le vivant passe nécessairement par différentes étapes augmentant la complexité de l’œuvre. Le processus d'apprentissage du dessin à un certain stade est associé au dessin d'une nature morte (du français nature morte - nature morte).

Le monde de la nature et les choses qui entourent l'homme Vie courante, est un trésor inépuisable de formes et de nuances de couleurs. La simplicité et la perfection plastique des objets du quotidien, la sophistication et la délicatesse des fleurs, la structure unique et la jutosité des fruits et légumes, et bien plus encore, ont toujours été les objets d'attention des artistes. Les dessins et les peintures dans lesquels des objets ménagers, des outils, des légumes, des fruits, de la nourriture, du gibier, des bouquets de fleurs, etc. sont incarnés sous forme figurative sont appelés natures mortes.

Les natures mortes peuvent être « vues » directement dans le vif et « mises en scène » spécifiquement pour résoudre divers problèmes visuels. Les deux attirent l’attention, c’est pourquoi la nature morte occupe une telle place dans les beaux-arts qu’elle est à juste titre devenue un genre indépendant. Une nature morte « vue » est un regroupement naturel d'objets représentés par l'artiste, et une nature morte « mise en scène » est composée d'objets délibérément sélectionnés nécessaires à la réalisation du plan spécifique de l'auteur.

L'image d'une nature morte a son propre modèle et sa propre séquence méthodologique. Il est totalement interdit, par exemple, juste après avoir commencé un dessin, de commencer à travailler en détail sur des détails mineurs, si la forme principale n'a pas encore été déterminée et que l'idée tonale de la production n'a pas été décidée. Cela conduit immédiatement à une fragmentation du dessin, qui est alors incroyablement difficile et parfois impossible à corriger pour un dessinateur inexpérimenté. En outre, une telle précipitation conduit à des erreurs dans les rapports de proportionnalité, et donc à des échecs, à un manque de confiance en soi et à des déceptions.

Rappelons qu'en pratique visuelle il existe une méthode éprouvée de travail séquentiel sur les dessins, basée sur le principe : du général au spécifique et du spécifique encore au général enrichi de détails.

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Le travail sur une nature morte commence par la sélection et le placement de certains objets : dans notre tâche - un modèle en plâtre d'un prisme et un vase en bois pour crayons, pinceaux, etc. (Fig. 21). La sélection des composants pour une production à grande échelle doit être logiquement justifiée et remplie de connexions sémantiques. Il est conseillé de choisir des objets expressifs en forme et en volume.

Une fois la nature morte mise en scène, vous choisissez un endroit précis d'où le décor est bien visible (nous avons déjà parlé de la distance la plus optimale entre l'artiste et l'objet grandeur nature : elle doit être environ trois fois la taille de la nature morte). lui-même).

L'expressivité et la véracité d'une nature morte dépendent de votre capacité à observer, composer, construire un dessin, le modeler avec du ton, etc.

Avant de travailler réellement sur le dessin, il est conseillé de réaliser un ou deux croquis de la réalisation pour trouver une disposition rationnelle et efficace de l'image sur papier. Il est conseillé de réaliser les croquis rapidement, sur la base de la première impression encore très fraîche de la production, en essayant d'y transmettre caractéristiques la nature, la relation et les proportions de la forme de chaque objet, le rapport entre la zone de l'image et la surface du format de la feuille.

Une fois que vous avez déterminé la composition de l'image dans le croquis, vous pouvez procéder au travail direct sur le format. Compte tenu de la nature de la production, vous avez déjà choisi le format – horizontal ou vertical.

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Vous êtes maintenant confronté à la tâche de passer par plusieurs étapes pour dessiner une nature morte. De telles étapes, c'est-à-dire moments individuels - étapes ou étapes du développement de quelque chose ; lorsqu'on travaille sur un dessin, il n'y en a généralement pas plus de quatre.

Bien entendu, la première étape de toute image est sa composition sur une feuille de papier. Vous possédez déjà un croquis, utilisez-le de manière non mécanique.

Ici la place principale est donnée à la détermination à la fois de toute la largeur et de toute la hauteur des objets pour limiter le champ de l'image ; les positions de chacun des corps les uns par rapport aux autres et le plan sur lequel ils sont placés sont immédiatement délimitées par la lumière. lignes.

À l'étape suivante du dessin d'une nature morte, vous devez clarifier la place de chacun des deux objets dans l'image et déterminer leurs relations proportionnelles. Durant cette période de travail, identifiez également la base constructive de la forme. Ici, basez la solution à tous les problèmes à ce stade de l’image sur une analyse minutieuse de la production. Pour l'instant, construisez le formulaire avec uniquement des lignes, en considérant votre dessin comme un « cadre », mais suivez une certaine mesure pour qu'elles n'aient pas partout la même épaisseur (Fig. 22).

Réalisez la troisième étape du travail pour affiner davantage la forme des corps qui ont du volume et du relief. Ces signes d'objets ne sont perçus que dans des conditions de lumière et d'ombre. Par conséquent, vous ne devez pas seulement décrire grande lumière et une grande ombre, mais aussi de définir par traits légers tous les principaux dégradés (dispositions graduelles) du clair-obscur. Ces modèles de répartition de la lumière, des demi-teintes, des ombres propres et tombantes ont été discutés plus d'une fois dans le manuel, et vous les connaissez. Il vous suffit de surveiller attentivement in situ et de comparer sur papier à quel point un objet est plus sombre ou plus clair qu'un autre. De plus, n'oubliez pas les différences dans les techniques de dessin liées au travail au crayon, afin que déjà à ce stade du dessin, vous puissiez identifier la différence dans les textures des objets. Tout pris ensemble et considéré du point de vue de la construction de la perspective, du volume et du relief des formes, des solutions tonales, de la matérialité vous amène à la dernière étape du travail sur le dessin de nature morte (Fig. 23).

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La dernière étape implique le processus d'achèvement du travail - une généralisation de toute la structure linéaire et tonale de l'image. Si le premier plan et l'arrière-plan sont dessinés en détail, les deux corps de production détruisent la perception intégrale du dessin, il n'y a pas de douceur des transitions dans la modélisation de la forme avec le ton, alors une telle image doit être améliorée, ce qui est un généralisation. Dans ce cas, il faut adoucir l'arrière-plan, y détruire les limites claires (pour créer une impression de profondeur), « rapprocher » un objet du premier plan et « éloigner » un autre, mettre en évidence quelque part au bon endroit, dans d'autres, au contraire, épaississent le ton et parviennent ainsi à l'intégrité du dessin (Fig. 24).

Toutes les étapes du travail sur un dessin de nature morte ne sont pas des étapes de l'image séparées les unes des autres. Ici se déroule un processus séquentiel, logiquement conditionné par l'unité et l'indivisibilité, dont le résultat devrait être un ton correctement composé, correctement construit, modérément élaboré, un dessin éducatif expressif d'une nature morte.

Examinons maintenant en détail comment se déroule le processus de création d'un dessin de nature morte, composé d'un corps géométrique en plâtre - un prisme hexagonal et un vase en bois pour ranger les outils de dessin.

Une fois le format choisi, il est déterminé quelle taille l'image sera imprimée sur papier, d'autant plus que dans les esquisses préliminaires on recherche des relations proportionnelles entre l'image et le format. Les proportions sont intégrées à la perception visuelle en fonction de la structure de l'œil et des principes de son fonctionnement. Chaque personne qui dessine détermine les rapports des quantités et, ne soyez pas surpris, distingue entre eux le rapport du « nombre d'or ». Vous voyez dans le décor qu’un vase debout verticalement semble préférable à un prisme incliné par rapport à lui. Cela signifie que dans votre dessin, vous ferez attention au vase. Attention particulière, et vous commencerez à y associer le placement de l'image sur papier. Il sera localisé dans le dessin uniquement par rapport aux proportions du « nombre d'or ».

Cette nature de la perception visuelle est confirmée par de nombreuses expériences menées en temps différent dans un certain nombre de pays à travers le monde.

Le psychologue allemand Gustav Fechner a mené en 1876 une série d'expériences, montrant des hommes et des femmes, des garçons et des filles, ainsi que des enfants, des figures de divers rectangles dessinés sur du papier, leur demandant de n'en choisir qu'un, mais faisant l'impression la plus agréable sur chaque sujet. Chacun a choisi un rectangle montrant le rapport de ses deux côtés dans la proportion du « nombre d'or » (Fig. 25). Des expériences d'un type différent ont été présentées aux étudiants par le neurophysiologiste américain Warren McCulloch dans les années 40 de notre siècle, lorsqu'il a demandé à plusieurs volontaires parmi les futurs spécialistes d'amener un objet oblong à la forme souhaitée. Les étudiants ont travaillé pendant un moment puis ont rendu les objets au professeur. Sur presque tous, les marques étaient faites exactement dans la zone du « nombre d'or », même si les jeunes ne savaient absolument rien de cette « proportion divine ». McCulloch a passé deux ans à confirmer ce phénomène, car il ne croyait pas personnellement que tout le monde choisisse cette proportion ou l'établisse dans le travail amateur sur la fabrication de toutes sortes d'artisanat.

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Un phénomène intéressant est observé lorsque les spectateurs visitent les musées et les expositions d’art. De nombreuses personnes qui ne se sont pas dessinées peuvent percevoir avec une précision étonnante même les moindres inexactitudes dans la représentation d'objets dans des images graphiques et des peintures. Ce sont probablement des signes du sens esthétique d’une personne, qui « n’est pas d’accord » avec la destruction de l’harmonie des formes et des proportions. N'est-ce pas à une telle exigence du sens du beau qu'est associé le phénomène de la « proportion d'or » (dès lors que cette proportion n'est pas dite « divine », « d'or », « nombre d'or », « nombre d'or ») ? Ce n’est apparemment pas pour rien qu’au cours de tous les siècles de la civilisation humaine, la « proportion d’or » a été élevée au rang de principe esthétique principal.

Pour vous, les principes de composition de la construction d'une nature morte ne devraient pas être une pierre d'achoppement, car une personne est dotée de la capacité de voir clairement l'environnement qui l'entoure dans un champ de vision clair (sous un angle de 36°). Ce sont les valeurs proportionnelles dans le champ de vision claire qui sont clairement distinguées par les yeux, et votre tâche est de les reconnaître afin de construire correctement le dessin. Le fait est qu’une personne qui dessine voit le monde objectif de la même manière qu’une personne qui ne dessine pas. Cependant, si vous adoptez un point de vue arbitraire pour construire un dessin, une distorsion se produira. Il faut se rappeler que dans la construction d’une image, tout est interdépendant : le point de vue, le champ de vision claire et la distance par rapport aux objets de l’image. Cela signifie que lors du processus de composition de l'image, vous devez sélectionner une partie de l'espace clos (feuille de papier), qui comprendrait des objets de nature morte et une partie environnement(arrière-plan). Les objets dans l'image ne doivent être ni trop grands ni trop petits. Sinon, la grande image « sort » du format, et la petite « s'enfonce » dedans. Pour éviter que cela ne se produise, essayez de considérer la feuille de papier et les dimensions de l'image comme un tout de la solution compositionnelle du dessin de nature morte.

Après avoir organisé le plan du papier, il faut dessiner les objets tels que l'œil les voit et tels qu'ils existent dans la réalité. Pour ce faire, vous clarifiez les changements de perspective dans la forme du vase et du prisme et en même temps essayez de comprendre immédiatement leur structure objective, leur conception et analysez les conditions d'éclairage. Le clair-obscur sur les objets est distribué selon les mêmes lois que celles que vous connaissez en dessinant des modèles en plâtre de corps géométriques.

Chaque dessin est à la fois une nouvelle connaissance du monde objectif, qui s'accompagne de la maîtrise des connaissances, de l'acquisition d'expériences, de nouvelles compétences et de la motricité des mouvements de la main. Après avoir placé le dessin sur un plan et, pour l'instant, tracé les limites de la forme de chacun des deux objets par des lignes lumineuses et délimité le volume du vase et du prisme avec les mêmes traits légers, vous continuez votre travail en passant à l'étape suivante. Vous continuez maintenant à affiner les traits caractéristiques de la forme, en comparant constamment le dessin avec la nature. Ensuite, vous commencez à travailler avec des relations qui impliquent de déterminer les proportions correctes, la relation entre les plans spatiaux, les détails et l'ensemble.

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La méthode de travail relationnel permet au dessinateur d'acquérir des connaissances et des compétences dans la mesure où elles influencent le développement d'une personne en tant qu'artiste professionnel.

Ainsi, les premières étapes de votre dessin : résoudre les problèmes de mise en page, tracer la silhouette générale de la nature morte, mettre en valeur les deux objets et montrer les proportions, en même temps ressentir le lien des formes, leur correspondance avec la structure générale du image. Lorsque l'on travaille avec des relations, le dessin est clarifié en comparant et en contrastant, c'est-à-dire comparer l'image avec le tout et les parties entre elles. Au même stade du dessin, vous devez commencer à identifier le volume et le relief des formes des objets de l'image, en les travaillant selon le principe - du général au spécifique. C’est la seule façon de voir toujours l’ensemble – dans la structure, dans les proportions et dans le ton.

Lorsque vous avez confiance dans la fidélité du dessin et l'exactitude des relations lumière-ton prévues, vous pouvez passer en toute sécurité à la modélisation de la forme avec un ton progressivement saturé de densité.

A cette étape importante du travail - transmettre une image fidèle d'une nature morte, telle que notre œil la voit et comment elle existe dans l'espace - il faut à tout moment voir toute la nature, c'est-à-dire toucher tel ou tel endroit du dessin avec un crayon, ne perdez pas de vue toute la production et tout le dessin dans son ensemble. N'oubliez jamais que vous accumulez des connaissances, des compétences et des capacités de manière progressive et cohérente et travaillez sur la nature morte en conséquence. Les relations tonales dans la nature ne peuvent pas être restituées avec précision dans un dessin en raison de la différence entre la lumière d'origine et la blancheur du papier. Ils ne peuvent être transmis qu’en suivant des rapports de lumière et d’ombre proportionnels à la nature, et vous savez que la qualité du motif tonal dépend de cette transmission.

Lors du modelage du dessin en ton, lorsque l'on effectue tout le travail du général au particulier, vient inévitablement un moment associé à une grande envie d'assumer l'élaboration finale de l'une ou l'autre partie de l'image, ce qui est très attrayant en production. C'est ici que l'on entre dans le détail, en suivant les principes du dessin.

Dans la pratique du dessin pédagogique et créatif, il existe deux méthodes techniques souvent liées pour disposer les tons sur papier avec un crayon : l'ombrage et l'ombrage.

Les hachures, contrairement à l’ombrage, ont leurs propres caractéristiques. Un dessinateur expérimenté ne peut que réaliser le transfert de toutes les propriétés tonales et matérielles de la nature. Dans le même temps, il utilise une variété de traits le long du tracé d'un crayon sur papier - droits et courbes, courts et longs, se chevauchant en plusieurs couches. Par conséquent, l'ombrage doit être compris comme une technique permettant d'appliquer le ton avec des traits. La direction de l’ombrage dans un dessin est très importante. En utilisant des traits orientés selon la forme de l'objet, on peut obtenir du volume et, à l'inverse, par des traits appliqués au hasard, la forme est détruite, l'image se couvre de taches informes.

Les maîtres du dessin utilisaient souvent l'ombrage - une technique consistant à frotter une couche de crayon, appliquée à plat avec une mine, sur la surface du papier pour obtenir un ton doux et uni à l'aide d'ombrages ou de tampons de papier et, très souvent, de coton. Cette technique a été utilisée très souvent et efficacement par Ilya Efimovich Repin.

Au cours du travail lié au transfert des relations entre la lumière et l'ombre, les endroits les plus clairs et les plus sombres du décor grandeur nature sont déterminés et, en les respectant comme lignes directrices tonales, l'ouverture nécessaire est progressivement obtenue. Et il faut tout le temps comparer et comparer à nouveau le dessin avec la nature. Pour ce faire, vous pouvez même vous éloigner un peu du dessin afin de voir votre travail d'un point de vue un peu éloigné. Il existe une autre technique de comparaison : regardez le dessin dans le miroir, à moitié tourné vers l'image. Le miroir doit également refléter l'objet naturel. Une telle comparaison peut vous aider à repérer les erreurs de ton et à les éliminer. La technique du miroir est également efficace car elle permet de voir son œuvre sous un angle inattendu. Chaque peintre non seulement s'habitue à son image, mais souvent, par inexpérience et toujours par manque de compétence, cesse de remarquer de graves erreurs dans le dessin, sans parler du ton. Un look aussi inattendu vous aidera à voir immédiatement tel ou tel défaut, auquel il s'est avéré difficile de prêter attention en raison de l'incapacité de porter un regard critique sur votre propre dessin.

La dernière étape du travail sur un dessin de nature morte est liée à la capacité du dessinateur à compléter l'image, c'est-à-dire aligner l'image sur l'impression visuelle générale avec une perception transparente de la production à grande échelle.

Questions de contrôle

1. Qu'est-ce que la nature morte ?
2. Combien d’étapes pour peindre une nature morte devez-vous passer par ?
3. Qu’entendez-vous par le terme « mise en page » ? Quel rôle joue la mise en page dans un dessin ?
4. Pourquoi une production à grande échelle devrait-elle être perçue non pas en partie, mais dans son ensemble ?
5. Que signifie appliquer des traits à un formulaire ?
6. Quelle est la séquence méthodologique du travail sur une nature morte ?
7. Comment entend-on le terme « généralisation d’un dessin » ?