Dessiner une nature morte de légumes étape par étape. Comment dessiner une nature morte avec un crayon

1 photo. Ainsi, dans cette master class, vous changerez complètement votre attitude envers les crayons de couleur ! Les crayons de couleur sont un matériau très pratique à utiliser, car vous pouvez avoir de très un grand nombre de nuances, y compris celles qui apparaissent en superposant les couleurs les unes sur les autres. Mais lorsque vous utilisez des crayons, vous devez connaître leurs caractéristiques, par exemple, vous ne devez pas exercer de pression sur le crayon au début du travail, sinon vous ne l'effacerez pas ou ne le recouvrirez pas d'une couleur différente. Avec ce matériau, vous devez utiliser le principe - du clair au foncé. Mais d’abord, composons la nature morte. Commençons par la ligne d'horizon. Puis en utilisant la ligne formes géométriques Décrivons la forme approximative de nos objets de composition. Commençons par le plat.

2 fig. Bien joué! Maintenant, il est important pour nous de construire un plat pour les fruits de la bonne forme. On trouve l'axe central, il doit être droit et régulier, on trouve un point dessus au niveau du col attendu du plat et on trace une ligne horizontale passant par ce point, on fait de même à la base du pied du plat plat. Très bien! Nous prenons une règle et mesurons des parties égales à partir de l'axe horizontalement. Nous créons des ellipses et connectons des lignes. Voir l'image. Effacez les lignes auxiliaires et délimitez le plat.

3 fig. Trouvez la direction du fruit à l'aide de l'axe diagonal et affinez les formes et les détails de la pomme, de la poire et de la prune. Et commencez à dessiner des raisins avec un pinceau, selon sa forme, en ajoutant des raisins ovales de haut en bas, certains d'entre eux se chevauchent pour plus de réalisme. Dessinez les queues.

4 fig. Avant de commencer à travailler avec la couleur, permettez-moi de vous rappeler qu'il ne s'agit pas d'un livre de coloriage et que vous devez appliquer des traits, pas colorier ! À ce stade, vous devez appliquer une demi-pression sur les crayons. Il vous suffit d'ombrer en fonction de la forme de l'objet. Nous prenons des crayons et appliquons les nuances de base des objets, regardons le dessin.

5 fig.À ce stade, vous devez ajouter de la densité aux objets de nature morte en introduisant de nouvelles nuances. Votre trait compte désormais davantage car il est important de rendre la nature morte plus réelle. Il est nécessaire d'approfondir les ombres en utilisant du bleu, du violet, du vert et marron. Montrez l'ombre tombante des objets et du tableau avec des traits. Travaillez sur les détails.

Tout d’abord, une très courte histoire de l’art.
Nature morte du fr. nature morte se traduit par « nature morte » ou goll. stilleven, allemand stilleben, anglais nature morte - "vie gelée". Il s'agit d'un genre d'art dédié à la représentation d'objets inanimés.
Le genre a commencé à prendre forme aux XVe-XVIe siècles (dans le cadre d'une composition), et s'est finalement formé au XVIIe siècle dans la peinture hollandaise et flamande. Il s'est développé aux XVIIIe et XXe siècles dans la peinture européenne, russe et américaine.
Il est intéressant de noter que dans la peinture des maîtres anciens, il y avait 2 types de natures mortes :
- « choses d'une personne » (personnelles, caractérisant une personne, par exemple « vanité des vanités ») ;
- « choses pour les gens » (par exemple, « fleurs et fruits » ou « gibier tué »).

F. Snyders "Pantry", vers 1930. 1620

Mais à la fin du XIXe siècle, les choses commencent à être représentées pour leurs propriétés : « une chose indépendante avec sa propre vie » ou « une chose en soi et pour soi ». De telles natures mortes portent :
- plus émotionnel que matériel ;
- plus associatif que spécifique.

V. Van Gogh "Nature morte aux quatre tournesols", 1887

Mise en scène.
Les natures mortes peuvent être mises en scène (celles placées à dessein) et non mises en scène (spontanées, naturelles). Dans la pratique pédagogique, les natures mortes sont souvent mises en place, et ce dans le but précis d'apprendre à dessiner. Bien placer les objets n’est pas facile. Les débutants ne réfléchissent généralement pas beaucoup à leurs combinaisons ; je me souviens de moi-même, je mets tout dans une rangée). Maintenant, je réfléchis davantage.

Alors, plus en détail, comment mettre en scène une nature morte.

Commençons par le fait que tous les objets doivent être sélectionnés en fonction de leur signification sémantique.
Il n'est pas souhaitable de combiner des choses incompatibles. Par exemple, des chaussures sales et un narguilé oriental. Quelques exemples de thèmes de natures mortes : fleurs et fruits, chasse, national, verre, petit déjeuner, enfant/femme/homme, vin, nature morte d'artiste, mer, bibliothèque, thé/café, maison de campagne, etc.

Composition.
Il faut disposer les objets simplement, en recherchant le naturel. Ne les alignez pas, essayez de créer un plan et de montrer la profondeur de l’espace. Évitez également de ratisser les objets ensemble ou de les placer trop loin les uns des autres. Les lignes d'objets doivent avoir une inclinaison différente, créant du rythme et du mouvement. De plus, les objets ne doivent pas « s'embrasser ».

P. Gauguin "Nature morte aux pommes et aux fleurs."
Le vert montre les directions des lignes principales de l’image. Plus la pente de ces lignes est variée, plus la composition est intéressante.

Il est nécessaire de combiner des objets de différentes tailles et formes.
Plus la nature morte sera variée, plus intéressante. Il doit y avoir un sujet principal auquel tout le reste correspond habituellement. Les objets de même hauteur doivent avoir des formes très différentes et doivent être placés à des niveaux différents.

Les natures mortes peuvent être divisées en graphiques et picturales.
Pour le graphisme et le dessin, il est important de sélectionner les objets en fonction du ton et de la texture. La couleur n'a pas d'importance.
Aussi, chaque matériau graphique a sa propre nature. Par exemple, le charbon se caractérise par son velouté et sa profondeur ; les objets mats et rugueux lui conviennent. Bons tutoriels pour le charbon et un exemple de dessin tutoriel au stade de détail :

Pour un dessin linéaire, une ligne intéressante est importante. Natures mortes pédagogiques adaptées à solution linéaire(les deux derniers conviennent également à la peinture à l'aquarelle) :

Pour la craie ou les pastels sur papier clair, une nature morte dans le style « blanc sur blanc » ou clair convient. La même nature morte peut être peinte sur une toile légèrement teintée (beige, gris clair). J. Morandi aimait écrire de telles natures mortes, Wikipédia, Morandi

Dans une nature morte, non seulement le ton des objets est important, mais aussi la couleur. Il y a une nature morte avec du contraste, des nuances et de l'emphase.
Contraste:

P. Cézanne "Draperie, pichet et coupe de fruits", 1893-1894.
Contraste de rouge et vert, orange et bleu, clair et foncé.

Nuancer:

V. Van Gogh "Bol aux marguerites".
Une nuance dans les tons verts.

Accent:

P. Konchalovsky "Le Plateau Rouge et Rowan", 1947
Une nuance de rouge avec un accent lumineux tache jaune fruit. L'accent sert à diversifier l'image pour ne pas être ennuyeux

Il est important de prendre en compte des qualités de couleur telles que « chaude » et « froide ». Je n'accrocherai jamais un arrière-plan derrière des objets plus chauds que les objets eux-mêmes, car une couleur chaude semble plus proche qu'une couleur froide et une perspective inversée en couleur apparaîtra. Une telle nature morte sera difficile à résoudre correctement.
SEULS les objets très clairs et très sombres sont lisibles sur fond rouge. Vous pouvez mettre quelque chose de blanc ou de noir. Vous pouvez également placer sur un fond rouge des objets de couleur plus rouge et plus active que l'arrière-plan. Mais veillez à ce que la nature morte ne soit pas trop agressive ; dans de tels cas, la présence du blanc, du gris et du noir est toujours bonne (exemple : P. Konchalovsky « Plateau rouge et sorbier », voir ci-dessus).

Il est également très important de vérifier dans quelle mesure la couleur s'intègre harmonieusement dans l'article. Si un élément semble sale, soit je cherche un autre élément, soit je change l'arrière-plan.

Choisissez l'équilibre.
Comme mentionné ci-dessus dans le cas des natures mortes rouges, les objets lumineux et de couleur « flashy » peuvent être équilibrés avec des inserts monochromes : gris calme, noir ou blanc. Ils diluent, réduisent la luminosité et rendent les combinaisons de couleurs moins agressives.

Prise en charge des couleurs.
Les couleurs doivent entrer en résonance les unes avec les autres. Par exemple, une bouteille verte est soutenue par le vert des feuilles d'un bouquet, le rouge d'une pastèque est soutenu par un ornement rouge sur une serviette, les roses jaunes sont soutenues par une bordure dorée sur une cruche, etc. Faites également attention au support de ton si la nature morte est complexe et de ton contrasté.

Éclairage.
La présence de lumière et de belles ombres transparentes est très importante dans la réalisation. Ils créent du volume. Puisque la tâche principale d’un dessin réaliste est de créer l’illusion d’une image tridimensionnelle sur un plan bidimensionnel de papier/toile, c’est en transmettant les ombres et la lumière que vous créerez l’illusion de volume. De plus, sur du papier clair, il est important de transmettre de belles ombres, de les transmettre correctement, suffisamment sombres, solides et transparentes, de transmettre correctement les demi-teintes, et le volume apparaîtra immédiatement sur l'image. N. Ge l’a bien dit : « La lumière ne s’écrit pas, mais ce n’est qu’à travers les relations qu’elle peut être évoquée. Approchez-vous de votre point lumineux avec les bonnes relations et vous verrez que si la gamme de couleurs est prise correctement, la lumière brûlera. »
Sur une toile sombre, pour créer du volume, au contraire, il est important de peindre joliment la lumière et les demi-teintes.

Il est également important que les débutants apprennent à peindre à la lumière du jour. Cela crée des ombres douces et vous pouvez clairement distinguer les nuances de couleurs. Le dessin doit être dessiné avec des lumière artificielle, car alors les ombres sont plus contrastées et plus profondes, vous pouvez dessiner le soir. La transparence des ombres est importante ; si les ombres s'avèrent très noires et sombres, j'accroche toujours un réflecteur côté ombre - une feuille de papier blanc.

De beaux endroits.
Ainsi, lorsque vous créez une nature morte, vous devez imaginer comment vous allez la résoudre, avec quelle technique et sur quel papier. Dans la nature également, il devrait y avoir de « beaux endroits » que vous regardez et que vous savez comment vous allez les écrire/dessiner. Plus vous vous fixez de « beaux endroits » ou trouvez dans une nature morte déjà définie par quelqu'un d'autre, plus il vous sera agréable de dessiner. Par exemple, je place délibérément du verre foncé sur un fond clair afin que sa couleur soit visible. Dans le même but, ils placent du verre multicolore sur le rebord de la fenêtre sur le fond de la fenêtre.

Ou alors je place volontairement un bouquet sec sur un fond clair pour créer une belle silhouette ajourée.
Je recherche les trouées lumineuses du feuillage et leur forme plastique. Les « beaux lieux » ou « lieux délicieux » rendent le processus créatif intéressant et le facilitent. Si vous comprenez comment l’écrire, vous l’aimez.

Difficulté de mise en scène.
Divisons conditionnellement toutes les natures mortes en 3 catégories : simple, moyenne et complexe.
Une nature morte simple est :
- 1 à 3 éléments (jusqu'à 3 de forme simple ou 1 complexe)
- des draperies unies
- un minimum de plis
- contraste de couleur et de ton

Une nature morte de complexité moyenne peut comprendre :
- 3 à 5 éléments, ou 1 complexe + quelques petits éléments simples
- des draperies au motif peu clair
- fleurs
- solution nuancée

Une nature morte peut être qualifiée de complexe si elle comprend :
- de nombreux objets, objets de forme complexe
- plusieurs niveaux (par exemple, des objets sur une table et une étagère juste au-dessus, ou sur une chaise et une table, ou simplement créer un niveau supplémentaire en plaçant une pile de livres ou une boîte sous la tenture de la table)
- des draperies avec un motif clair et de grande surface (par exemple des pois ou des motifs orientaux), etc.

Un exemple de complication progressive d'une production :

Un cadre pédagogique complexe et un exemple de sa solution (travail des étudiants au stade). Notez la draperie complexe et le support des couleurs de la nature morte : jaune, rouge, bleu et blanc.

Cadre complexe « oriental » et sa solution pastel, dessin sur papier brun. La couleur est arbitraire, la palette de couleurs ocre choisie est limitée.

Quoi qu’il en soit, le goût et la compréhension des avantages du choix des objets et de leur environnement ne viennent pas immédiatement. Alors n’ayez pas peur d’expérimenter, de parier beaucoup et de tirer beaucoup aussi.
Je vous souhaite de l'inspiration !

Aujourd'hui, tout le monde sans exception connaît les peintures à l'aquarelle de petite enfance. Tout le monde dessinait avec eux au moins une fois dans sa vie. Dès la maternelle, les enfants apprennent à manipuler la peinture et le pinceau, à appliquer des traits et à créer des dessins simples. Mais il n’y a pas si longtemps, jusqu’au XIXe siècle, l’aquarelle n’était pas très appréciée des artistes. On pense que le berceau de cette peinture est la Chine. Dans ce pays, on créait du papier sur lequel les maîtres représentaient leurs créations en utilisant ce type de peinture.

Peu à peu, l’aquarelle s’est fait une place au soleil et a trouvé son usage chez de nombreux artistes du monde entier. La technique de peinture avec de telles peintures vous permet d'obtenir un effet spécial d'un certain mysticisme, illusion, transparence et légèreté de composition dans l'image créée. À première vue seulement, cette méthode de dessin semble difficile. En fait, il n'y a absolument rien de difficile ici. Vous pouvez facilement vous y habituer grâce à notre tutoriel étape par étape.

Dans l'article d'aujourd'hui, vous apprendrez à peindre une nature morte à l'aquarelle. La peinture de natures mortes cet automne peut attirer presque tout le monde. Dans un premier temps, il faut choisir ce que l’on souhaite reproduire dans l’image. Pour qu'une nature morte paraisse lumineuse et belle, les fruits et légumes doivent être différents. Ils doivent varier en couleur, forme et taille. Nous prendrons des légumes, à savoir des aubergines, des concombres et des carottes. Les légumes que nous avons sélectionnés sont totalement conformes et diffèrent les uns des autres en tous points. Préparons maintenant le matériel et les outils.

Vous aurez besoin de l'ensemble le plus simple et le plus courant :

Feuille de papier blanche pour aquarelle
Pinceaux
Récipient avec de l'eau
Crayon simple
Gomme
Palette

Avant de commencer à travailler sur la nature morte, cela vaut la peine d'humidifier légèrement les peintures aquarelles dont nous aurons besoin.

Étape 1

Vous devez esquisser le dessin avec un simple crayon. Il faut des lignes simples et douces, presque imperceptibles, pour dessiner les contours des légumes. A ce stade, nous décidons de quel côté la lumière va tomber. Pour faciliter la navigation, nous avons dessiné le soleil sur le croquis, qui sera effacé plus tard avec une gomme. Vous devez également faire attention à la ligne d'ombre, que nous dessinerons plus tard.

Étape 2

Lorsque le croquis est prêt, vous pouvez commencer à travailler à l'aquarelle. Pour ce faire, nous sélectionnons un élément du motif et le mouillons avec une brosse humide. Dans notre dessin, le concombre est devenu ce premier élément de la peinture. Maintenant, nous sélectionnons une peinture vert très clair et la appliquons sur le concombre.

N'oubliez pas que nous n'utiliserons pas de solutions de couleurs pures. Pour obtenir telle ou telle couleur, il faut mélanger les couleurs entre elles sur la palette que nous avons préparée. En attendant, pendant que la surface du concombre est humide, on va l'assombrir un peu. Pensez juste à laisser une petite réflexion sur le légume.

Étape 3

Laissez le concombre et laissez sécher la peinture dessus, et passons au deuxième élément. Nous allons maintenant décorer les carottes. Nous procéderons de la même manière que dans le premier cas avec le concombre.

Nous représentons la figure progressivement, en passant des nuances claires aux nuances sombres. Lorsque vous peignez à l’aquarelle, vous devez ajuster le ton.

Étape 4

Il nous reste encore un légume qui n'a pas été tiré. C'est une aubergine. Nous le dessinerons de la même manière que dans les deux cas précédents, en suivant les mêmes principes.

N'oubliez pas non plus l'éclat du soleil. Dans le cas de l’éblouissement, tout dépend de la brillance de la surface de l’objet lui-même. Plus il brille, plus le faisceau sera visible et lumineux. La taille d'un tel point culminant dépend directement de la taille du légume et de sa couleur, de la douceur de la surface. Dans notre cas, il n'y a aucun éblouissement sur la carotte, mais sur l'aubergine, l'éblouissement est le plus important, en raison de la surface lisse. Et l'éblouissement est le plus brillant.

Étape 5

Revenons à l'étape initiale du dessin d'un concombre. La teinte sombre ressemblera simplement à un vrai légume et mettra également en valeur sa forme.

Étape 6

Nous ferons de même avec d'autres légumes. Dans ce cas, il est nécessaire de restituer correctement les caractéristiques de chaque objet : couleur, taille, structure, forme. N'oubliez pas que chaque fosse a une teinte plus foncée. Plus le trou est profond, plus sa couleur est foncée.

Les caractéristiques de chaque élément doivent être soulignées en accord avec les légumes naturels.

Étape 7

En regardant le dessin, il semble que tout soit suspendu dans les airs ; il faut ajouter les ombres tombant des légumes. Les ombres les plus sombres seront près et sous les légumes.

Nous devons finir de peindre le dessus vert de l'aubergine.

Étape 8

Étant donné que les carottes se sont avérées légèrement pâles, nous devons corriger cela et y ajouter une couleur naturelle. Pour ce faire, nous prenons une riche peinture orange et l'appliquons sur les carottes. Si la couleur n’est toujours pas suffisamment saturée, répétez la procédure.

Nous ajouterons des rainures vert foncé au concombre, ainsi que des boutons caractéristiques de ce légume. Et sur la carotte on ajoutera une encoche plus foncée que la couleur principale. Passons maintenant à l'aubergine. Nous allons assombrir le côté où la lumière ne tombe pas. Pour ce faire, prenons une teinte plus saturée. La palette doit comporter un nombre suffisant de couleurs, voire trois nuances de chaque couleur. Nous devons maintenant laisser sécher le dessin. Ensuite, nous examinons attentivement tous les détails. Si vous n’aimez pas quelque chose, vous pouvez le corriger et ajouter d’autres nuances plus foncées que celles déjà présentes dans l’image. Si tout vous convient et que vous êtes satisfait de ce que vous voyez sur le dessin, le travail peut être considéré comme terminé.

Lorsque l'on travaille avec ces figures, le principe principal est de dessiner sur le mouillé. Il est également tout aussi important de mélanger les couleurs pour obtenir la bonne teinte. L'essentiel est d'essayer de travailler avec différentes couleurs et nuances, et pas seulement d'utiliser des couleurs ordinaires.

Règles:

1. Il faut traiter les cours avec le maximum d'attention et être patient.

2. Il est conseillé que les cours de peinture soient réguliers, cela contribuera à assurer une croissance constante connaissances professionnelles et des compétences.

3. Après avoir dessiné une nature morte aux grandes lignes au crayon (format 30 x 40 cm), passons à son exécution colorée.

4. Les peintures que vous appliquez sur la toile peuvent être liquides, semi-liquides ou très épaisses. En travaillant sur une nature morte, à l'aide de pinceaux, vous analyserez comment ses propriétés picturales dépendent du degré de fluidité de la peinture.

5. Chaque peinture est extraite d'un tube en petite quantité et placée sur une palette blanche dans un certain ordre - nuances froides d'un côté, nuances chaudes de l'autre. Cet ordre facilite le travail de l'artiste avec la palette.

6. Ensuite, les couleurs et nuances nécessaires sont sélectionnées sur la palette et des mélanges colorés sont réalisés. Essayez de ne pas mélanger plus de trois couleurs.

7. Notez les mélanges sélectionnés sur du papier blanc pour vérifier d'abord la qualité de la nuance qui doit être ajoutée à l'image.

8. Après avoir trouvé la bonne couleur, mettez-la sur l'image comme vous la ressentez dans la nature.

9. Avant d'ajouter de nouvelles nuances de couleur au pinceau, celui-ci doit être soigneusement rincé à l'eau.

10. Des traits colorés sont appliqués sur le plan de la toile, parfois avec la pointe du pinceau, mais fondamentalement, la peinture est exécutée en utilisant presque tout le plan de la fourrure du pinceau.

11. Vous ne devez pas appliquer de peinture plusieurs fois sur une zone de la toile (ou du papier), car cela entraînerait la formation de taches sales dans la peinture.

12. Techniques de peinture à la gouache en Plan général le même que la version noir et blanc (grisaille).

Travailler avec la couleur grande importance Il a bon ensemble peintures et bonne connaissance de votre set de peinture. Utilisez des matériaux tels que l'aquarelle + la gouache blanche et la palette deviendra plus riche.

13. Il est important d'effectuer tous les travaux en même temps, c'est-à-dire observer les relations entre les tons de couleurs de différents objets et essayer ainsi d'établir les relations tonales correctes dans l'image.

Première étape. Créer la bonne ambiance de couleur.

Tout d'abord, de petites taches colorées sont posées sur l'image, transmettant la couleur principale de chacun des objets, la couleur des draperies, c'est-à-dire des tissus et des natures mortes.
L'exécution picturale du tableau commence au premier plan, à partir de l'objet le plus brillant, qui est le centre coloré de toute la composition du tableau ; Essayez de le dessiner plus en détail à la dernière étape.
Les reflets des premières étapes du travail de couleur doivent rester non peints.
Après avoir disposé l'objet le plus brillant au premier plan, écrivez l'objet à côté, qui constitue son arrière-plan. En termes de couleur, écrivez l'environnement de l'objet de premier plan tel qu'il vous semble, en utilisant la méthode de comparaison.

Seconde phase. Les relations fondamentales des tons et des couleurs sont clarifiées, la forme des objets est révélée.

Cette étape du travail sur une nature morte est la plus longue. Dans le travail, une attention particulière doit être accordée à l'établissement de l'influence mutuelle de la couleur des objets les uns sur les autres en fonction de l'éclairage. Il est nécessaire d'analyser en profondeur la couleur des reflets et des ombres, qui en général doivent être opposées à la lumière froide, c'est-à-dire doit être généralement chaud (à la lumière naturelle).

N'oubliez pas que par rapport à un dessin en peinture, la tonalité de couleur de la lumière tombant sur les objets est opposée à la tonalité de couleur de l'ombre de cet objet :

si l'éclairage est naturel (depuis une fenêtre, à l'extérieur - sans soleil), alors la lumière sur les objets sera froide et les ombres seront chaudes,

si l'éclairage est artificiel (lampe, feu), alors la lumière sur les objets sera chaude et les ombres seront froides.

Ces phénomènes ont été bien véhiculés dans son tableau «Pioneer Girl Leader» de l'artiste N. A. Kasatkin.

2. Il faut comprendre que les ombres des objets sont colorées. En d’autres termes, il s’agit de nuances de couleurs qui dépendent de la couleur et de la nature de la surface de l’objet lui-même, de la couleur des objets voisins, des surfaces réfléchissantes et, dans une large mesure, de la nature de l’éclairage.

La troisième étape est définitive. Synthèse – résumer le travail.

L'analyse finale des relations entre les couleurs et les tons vise principalement à amener l'ensemble de l'image à une unité holistique, qui dépend en grande partie de la transmission de l'éclairage dans l'image.

Au cours des travaux visant à clarifier la forme des objets représentés, de nombreuses questions se posent dans l'ordre suivant : quels endroits sont les plus appropriés à quitter, quel endroit compléter et quelle couleur ou ses nuances. Pour qu'un objet obtienne le rapport d'ouverture et la nuance de couleur souhaités, il est nécessaire de clarifier et même de modifier la tonalité de couleur des objets voisins. Cela doit être fait avec soin afin que, avec les taches de couleur nouvellement obtenues, elles créent une représentation correcte des relations de couleurs de la nature.
Le travail au stade final s'effectue principalement par petites touches. Sur les objets au premier plan, les traits doivent avoir des contours et des couleurs plus définis. Les contours des objets lointains semblent se confondre avec l'arrière-plan. En conséquence, les objets distants apparaîtront aérés et transparents.

La capacité d'effectuer un travail long et minutieux sur un tableau vous viendra à mesure que vous maîtriserez de nombreuses lois et règles fondamentales de l'art de la peinture, après avoir appris à voir et à corriger vos erreurs.

Il convient de rappeler que la distance entre le décor de la nature morte et la personne qui dessine est généralement de 1,5 à 2 m. La personne qui dessine est toujours assise de manière à voir la nature sans distorsion, c'est-à-dire « face à face » (de face). ).

Le décor de la nature morte et la toile (papier) sur laquelle vous dessinez l'image doivent être éclairés par un seul éclairage général. Vous ne devez pas autoriser une situation où, par exemple, le décor d'une nature morte est éclairé par la lumière d'une fenêtre et votre toile (papier) est éclairée par la lumière électrique d'un lampadaire placé à proximité. Car chaque éclairage a sa teinte spécifique et colore donc différemment l'espace environnant, ce qui introduit une grande confusion dans les nuances de couleurs de la peinture d'un artiste novice.

Saviez-vous que le processus de dessin cultive non seulement le sentiment de beauté chez une personne, mais aide également à faire face à des situations stressantes, à calmer les nerfs et à créer la paix dans l'âme ? Compte tenu de cela, il est recommandé de consacrer au moins une partie de votre temps libre à cette activité. Apprenons à dessiner une nature morte avec des fruits avec un crayon.

informations générales

Pour apprendre à peindre une nature morte avec des fruits, vous devez d’abord comprendre ce que signifie le terme lui-même. De plus, vous devez savoir quels attributs un futur artiste doit préparer pour créer son propre chef-d'œuvre. Un tableau représentant des objets inanimés (peu importe, un ou plusieurs) s’appelle une nature morte. Traduit de Français ce terme ressemble à « nature morte ». Selon votre envie, vous pouvez utiliser des fleurs, des articles ménagers, des fruits et des légumes dans vos tableaux. La nature morte contient souvent un élément tel qu'un tissu (de n'importe quelle couleur et texture).

Attributs requis

Pour faire face aux travaux à venir et maîtriser toutes les nuances, vous devez vous préparer à l'avance outils nécessaires. Tu auras besoin de:

Une feuille de papier ou de toile (tout dépend de la taille que vous souhaitez créer votre premier chef-d'œuvre) ;

Crayon simple ;

Tissus et objets que vous utiliserez comme nature ;

Bon éclairage.

Si vous envisagez de peindre un tableau, vous devez en plus de tout décider quel type de peinture vous utiliserez (aquarelle ou huile) et choisir des pinceaux et une palette en conséquence. Et bien sûr, n’oubliez pas l’eau.

Technique graphique

Pour que votre tableau ressemble le plus à la composition choisie, vous devez d'abord maîtriser la technique. Vous devez apprendre à transmettre les reflets, les ombres et la texture. Une nature morte aux fruits au crayon commence par un croquis. Il est représenté sur une feuille séparée. Ici, ils enregistrent simplement la disposition des objets sans les dessiner complètement. Lorsque le croquis est prêt, vous pouvez commencer à représenter les éléments sur la toile principale. Lorsque vous dessinez, n'appuyez pas trop fort sur le crayon. Sinon, lorsque vous supprimez une ligne mal tracée, des marques resteront sur le papier. Lors de la création des contours d'objets, vous ne devez pas tracer chaque ligne ; dessiner un croquis avec des mouvements chaotiques. Il faut savoir que les artistes utilisent des crayons de douceur variable pour tracer des lignes individuelles. Pendant le processus d'image, l'ensemble vous permet de créer divers effets sur papier. C'est pourquoi, si vous voulez tout faire correctement et représenter une belle nature morte avec des fruits, abordez le choix de « l'outil » avec une grande responsabilité.

Créer une esquisse

Comme tout le monde le comprend, pour commencer à travailler, vous devez d'abord créer une composition. Vous devez décider de l'arrière-plan principal de votre peinture, ainsi que des éléments qui y seront présents - si vous représenterez un objet ou déciderez d'en utiliser plusieurs. Vous pouvez par exemple peindre une nature morte avec des fruits et légumes, ou diversifier votre tableau avec un bouquet. Il est conseillé d'utiliser des tissus unis comme fond. Ensuite, utilisez du papier Whatman pour déterminer le centre de la composition et dessinez un croquis du futur tableau. La première chose que vous devez dessiner sont des éléments simples : un ovale ou un cercle. Par exemple, une pomme ordinaire est représentée à l'aide d'un cercle ; pour dessiner des raisins, des détails en forme de petites boules sont utilisés. L'essentiel est de s'assurer que les objets sont situés à leur place, c'est-à-dire de maintenir la proportionnalité.

Nous représentons des objets

Lorsque vous avez réussi à positionner correctement tous les objets sur la feuille, il est temps de passer à leur dessin. Pour ce faire, inscrivez les fruits dans les figures indiquées en utilisant des traits plus clairs. Rendre tous les détails, les contours clairs et supprimer les lignes auxiliaires. Pour créer le bon look, n'oubliez pas d'utiliser un crayon pour positionner correctement les ombres. Cette action est réalisée à l'aide d'un ombrage, assombrissant initialement les endroits les plus sombres avec une transition progressive vers les plus clairs. Les ombres sont dessinées avec un crayon extrêmement pointu lors de l'application couche par couche. La dernière étape consiste à vérifier les images de tous les éléments, Attention particulière devrait être donné à la disposition des tons.

Nature morte aux fruits - étape par étape

Explorons comment créer une peinture en utilisant comme exemple une orange, un raisin et un kiwi. Il est préférable d'utiliser de vrais objets à cet effet, alors achetez-les à l'avance. Croyez-moi, pour acquérir des compétences et de la pratique, il vaut mieux puiser dans la vie. Pour vous faciliter la création de votre premier chef-d'œuvre, suivez strictement nos instructions.

Détails du dessin

Tout d’abord, nous décrivons l’emplacement du fruit sur papier. Pour représenter les moitiés d'un kiwi et d'une orange, tracez des lignes inclinées puis dessinez ensuite des ovales. Vous pouvez maintenant commencer à dessiner directement les fruits. Commençons par l'orange. Pour ce faire, nous divisons son esquisse à l'aide d'une ligne auxiliaire en deux parties. Ensuite, nous dessinons des tranches dans chaque moitié, les représentant comme des secteurs triangulaires.

Nous remplissons la zone où les raisins doivent être situés avec des cercles et pour le kiwi, nous dessinons uniquement le noyau. Il est conseillé de commencer à ombrer le croquis avec des raisins. Pour ce faire, à l'aide du crayon le plus doux (8 "M"), dessinez chaque cercle dans un mouvement circulaire. Veuillez noter que l'endroit le plus clair des raisins doit être le milieu ainsi que les bords. Ceci est fait pour que les baies ne fusionnent pas les unes avec les autres. Passons maintenant au dessin de l'orange. Tout d’abord, ombrageons la peau. Pour ce faire, utilisez un crayon « T » pour appliquer une ombre sur la forme du fruit. Ensuite, nous appliquerons des taches et des points. Cela se fait avec un crayon "TM". De cette façon, vous pouvez transmettre la texture de l'orange.

Dessinez les tranches de fruits avec un crayon « T ». On passe du centre vers les bords. Pour transmettre plus précisément l'image du fruit, utilisez un crayon « TM » pour représenter des « plumes ». Pour rendre le dessin plus similaire à l'original, utilisez une gomme pour arrondir les coins et effacer un petit cercle au centre. Il est temps de représenter un kiwi. Pour cela, utilisez un crayon « TM » pour appliquer des traits sur sa surface (sans appuyer). Et pour rendre le fruit plus réaliste, nous ferons de petites lignes sur la surface avec une pression plus forte. Dessinons maintenant le noyau. Au centre du kiwi, à l'aide d'un crayon « TM », tracez des rayons (plusieurs couches). De cette façon, nous transmettrons la texture d’un vrai fruit. À l’aide d’un crayon doux, dessinez les graines, puis utilisez une gomme pour éclaircir le milieu.

feuille de vigne

S'il vous reste de l'espace libre sur votre espace de travail, vous pouvez ajouter un élément tel qu'une feuille de vigne à votre nature morte. Pour ce faire, dessinez la forme d'une feuille en forme de spatule. Ensuite nous créerons des veines qui doivent sortir d'un point (ceci caractéristique feuille de vigne). Nous réalisons un croquis plus précis de la forme de la feuille. Vous pouvez maintenant compléter les veines avec des branches plus petites et créer les coins de cet élément. Commençons par l'ombrage. A l'aide d'un crayon « T », à partir du point de convergence des veines, tracez des lignes pointillées jusqu'aux extrémités de l'élément. Ensuite, nous ajouterons du volume.

Pour ce faire, appliquez une couche supplémentaire avec un crayon « TM ». Mais il suffit de le faire sur les bords et en haut de la feuille. La dernière étape de la peinture consiste à appliquer des ombres et à faire ressortir plus clairement les nervures de la feuille. Votre tableau est prêt. Beaucoup de gens pensent qu'il est beaucoup plus facile de peindre une nature morte avec des fruits que de peindre, par exemple, une nature morte avec un bouquet. En principe, il n'y a pas de grande différence entre ces peintures. Lors de la création des deux dessins, il est nécessaire de représenter chaque détail. La seule différence est que les natures mortes avec des fruits et des fleurs contiennent plus d’éléments.

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