Leichte Stillleben. Wie zeichnet man eine Vase? Wie zeichnet man Schritt für Schritt eine Vase mit Blumen und Früchten mit einem Bleistift? Beispiele für Farblösungen

Wie man ein Stillleben zeichnet – beginnen wir mit einem einfachen Beispiel, beispielsweise in der Vorbereitungsphase, und nähern uns nach und nach dem Zeichnen des Stilllebens selbst. Um in dieser Phase besser zu verstehen, was wir tun, schlage ich die folgenden Übungen vor. Du bist nicht der Einzige, der Stillleben zeichnet, und schon gar nicht im Tempo? Sie brauchen gute Kenntnisse, die eine gute praktische Grundlage bieten können, oder? Dann schauen wir uns das Thema an – wie man mit diesen Übungen ein Stillleben zeichnet.

Entwicklung der proportionalen Sehfähigkeit durch vergleichende Volumenanalyse:

Finden Sie entweder Flaschen oder Dosen – egal was, nur nicht sehr komplizierte. Sie stellen sie vielleicht vier oder sechs Mal in einer Reihe auf und trainieren Ihre Augen. Versuchen Sie, die Höhe und Breite jedes Objekts und ihre Beziehung zueinander zu analysieren. Zunächst können Sie nur Umrisse zeichnen. Wir zeichnen alle Objekte auf der Objektebene. So:

Eine weitere Aufgabe:

Erstellen Sie eine Zeichnung von einem zerknitterten Blatt Papier oder Pappe mit einer Analyse der Bruchflächen. Beachten Sie, dass jede Fläche der Fläche eines Würfels ähnelt. Wenn man das versteht, scheint die Aufgabe nicht schwierig zu sein. Diese Übung ist sehr nützlich für die Entwicklung des Auges. So:

Schwierigere Aufgabe:

Wie zeichnet man ein Stillleben?

So gingen wir problemlos zum Zeichnen des Stilllebens selbst über. Aber jetzt sind Sie besser darauf vorbereitet, den Stoff gut wahrzunehmen. Wir zeichnen ein Stillleben unter Berücksichtigung der Platzierung der Komposition auf dem Blatt (siehe Komposition in der Abbildung). Wir fangen den Charakter des Stilllebens ein – egal, ob es in der Länge oder in der Breite länglich ist. Es ist notwendig, die Objektebene zu berücksichtigen, da alle Objekte darauf liegen und nicht in der Luft hängen. Die Grenzen des Stilllebens finden wir im Blatt, wobei sie 10 Zentimeter von der Oberseite des Blattes, 7 Zentimeter an den Seiten und 3 cm von der Unterseite zurücktreten. Beeilen Sie sich nicht, die Hauptsache ist, richtig anzufangen, um später nicht die ganze Arbeit zu „vermasseln“. Beeilen Sie sich nicht, denn jetzt finden wir die grundlegenden Proportionsverhältnisse eines Stilllebens:

Wenn Sie unter Berücksichtigung der Proportionen die Grenzen des Stilllebens auf dem Blatt festgelegt haben, ist es an der Zeit, die Grenzen und Proportionsverhältnisse jedes Objekts separat zu ermitteln. Wir legen Proportionen anhand von drei Punkten fest. Auf keinen Fall sollten Sie damit beginnen, die Details des Stilllebens herauszuzeichnen oder Schattierungen hinzuzufügen. Wenn Sie später bemerken, dass Sie die Proportionen irgendwo nicht verstanden haben, müssen Sie alles löschen, was Sie dort gezeichnet haben. Dadurch wird die Arbeit ganz am Anfang überschrieben und es ist nicht bekannt, wie sie am Ende aussehen wird:

Wenn Sie alles richtig gemacht haben, ruhen Sie sich aus, trinken Sie Tee, mit einem Wort, tun Sie etwas, um nicht auf die Arbeit zu schauen und Ihren Augen eine Pause zu gönnen. Glauben Sie mir, in 20 bis 30 Minuten werden Sie etwas sehen, das Sie noch nie zuvor gesehen haben. Wenn Sie irgendwo einen Fehler finden, korrigieren Sie ihn, es ist noch nicht zu spät. Wenn alles in Ordnung ist, geht es weiter.

Wenn Sie für jedes Objekt Ihres Stilllebens einen Platz auf dem Blatt gefunden haben, schauen Sie sich die Komposition an: Jedes Objekt enthält geometrische Formen oder eine Kombination davon. Zeichnen Sie jedes Objekt klarer und verstehen Sie, dass jedes Objekt die Grundlage einer geometrischen Form enthält. Zeichnen Sie mit Perspektive. Es besteht kein Grund, es mit dem Bleistiftdruck zu übertreiben. Zeichnen Sie mit einem Graphitstift T, TM, damit die Zeichnung transparent und sauber ist.

Beschattung anlegen:

Als nächstes beginnen wir mit der Schattierung. Lassen Sie uns feststellen, wo wir Licht und Schatten in unserem Stillleben haben. Jetzt brauchen wir keine Halbtöne mehr. Wir berühren das Licht nicht, sondern schattieren den Schatten mit allen Halbtönen mit einem Bleistift. Tuschen Sie nicht, sonst haben Sie nicht genug Bleistiftstärke für die letzten, dunkelsten fallenden Schatten.

Sobald wir Licht und Schatten definiert haben, ist es an der Zeit, alle Übungen, die wir im Abschnitt „Grundlagen des Zeichnens“ gelernt haben, noch einmal durchzugehen. Wir platzieren eine Schattierung auf dem Objekt, wobei das Hell-Dunkel entsprechend der Form des Objekts verteilt wird. Objekte, die sich in die Perspektive bewegen, werden weicher gezeichnet. Der Vordergrund wird hervorgehoben. Wenn es schwierig ist, kehren Sie zur Seite mit den Zeichengrundlagen zurück und wiederholen Sie alles noch einmal. Im Grunde sollte am Ende so etwas herauskommen:

Stillleben - schöne Wahl die Grundlagen des Zeichnens und Malens zu erlernen. Es gibt ein paar wichtige Regeln Hier erfahren Sie, wie Sie ein Stillleben zeichnen. Diese Regeln sind einfach und durchaus machbar, aber nur wenige Orte schreiben oder sprechen darüber. Erfahrene Künstler wenden diese Regeln intuitiv an. Anfänger raten und freuen sich über ein erfolgreich erstelltes Bild oder umgekehrt – sie machen sich Sorgen über schlechte Erfahrungen beim Erstellen einer einfachen Handlung.

Die folgenden Tipps helfen Ihnen, mit nahezu jeder Technik verschiedene harmonische Stillleben zu erstellen und lästige Fehler zu vermeiden.

Wie man ein Stillleben zeichnet – Regeln für Anfänger

Natürlich sind Stillleben sehr unterschiedlich, sie verfolgen unterschiedliche Ziele und setzen diese in unterschiedlichen Stilrichtungen um. Heute sprechen wir über die Grundregeln für die Darstellung unbelebter Objekte auf Leinwand oder Papier.

Um ein harmonisches Bild zu schaffen, müssen Sie zumindest die Grundlagen der Komposition und Farbe kennen.

Wie zeichnet man eine Narzissenblume?

Was sollte ein Anfänger tun, der jetzt etwas Schönes mit seinen eigenen Händen schaffen möchte? Werden Sie sich mit der Lektüre von Büchern über Malen und Zeichnen befassen?

Es reicht aus, wenn Sie ein paar wichtige Regeln kennen, um Fehler zu vermeiden und ein hervorragendes Ergebnis zu erzielen.

Standort der Artikel

Stillleben sieht immer schöner, harmonischer und interessanter aus, dreidimensionaler:

Es empfiehlt sich, diese beiden Arrangementarten zu kombinieren: Überlappung und Abstand.

Beispiele für die Platzierung von Artikeln

Alle Objekte überlappen einander oder liegen weit voneinander entfernt.

Vektorillustration. Auch hier überschneiden sich alle Objekte, überlappen sich oder befinden sich in großer Entfernung.

Langweilige und nicht langweilige Anordnung von Objekten

Auch Rechtecke lassen sich auf interessante Weise anordnen.

Komposition mit Rechtecken

Wenn Sie ein Objekt hinter einem anderen platzieren und Teile davon überlappen, erzeugen Sie eine gewisse Tiefe in Ihrer Arbeit. Je mehr Formen sich überschneiden, desto „tiefer und voluminöser“ wirkt Ihr Stillleben.

Raum

Wenn Sie gerade eine Vase mit Blumen zeichnen und es scheint, dass es nichts gibt, womit Sie sie abdecken könnten, denken Sie darüber nach!

Vielleicht ist ein Blatt vor die Vase gefallen, vielleicht eine Blume, vielleicht solltest du eine Serviette oder ein Tischtuch auslegen oder vielleicht Beeren auf den Tisch streuen.

Zum Beispiel die Arbeit von Alexander Sergeev:

Im Vordergrund sind Blätter und eine Blume zu sehen. Diese scheinbar unbedeutenden Elemente lenken den Blick des Betrachters vom Vordergrund der Aufnahme zunächst auf die gefallene Blume, dann auf das Glas und die Vase, wodurch Raum entsteht und das Werk interessanter wird.

Koloristik

Bei der Gestaltung eines Stilllebens ist es wichtig, es einfach nicht mit der Anzahl der verwendeten Farben zu übertreiben.

Regel von 2-3 Farben

Wählen Sie 2-3 Primärfarben, verwenden Sie gerne Farbtöne in der Nähe dieser Farben und machen Sie sich keine Sorgen über Farbprobleme. Normalerweise benutze ich 2 Hauptfarben- und ein bisschen mehr Farbe.

Beispiele für Farblösungen

Hier habe ich ausschließlich Gelb-Orange- (warme) und blaue (kühle) Farbtöne verwendet. Grün ist optional.

„Stiefel“ von Van Gogh. Auch hier dominieren zwei Farben.

Hier dominieren eindeutig Grün und Weiß, blaue und rosa Akzente ergänzen das Werk.

Stillleben mit Fisch. Die Haupttöne sind Rotbraun (warm) und Blau (kühl).

Die 2-3-Farben-Regel ist nicht immer möglich. Häufige Helden des Stilllebens – Blumen oder Früchte gibt es in den unterschiedlichsten Farben und Schattierungen. In solchen Fällen sollten Sie die folgenden Ratschläge nutzen: Das Bild sollte nicht alle Farben gleich haben

Farbverhältnis

Selbst in einem bunten Bild dominieren ein oder zwei Farben.

Wenn Ihr Blumenstrauß beispielsweise rote, blaue, weiße und rote Blumen enthält gelbe Blumen und mehr grünes Laub. Einige Blumen und Farben sollten vorherrschen, andere sollten in der Minderheit sein.

Hier sind Beispiele:

Gemälde von A. Sergeev. Im Bouquet dominieren weiße und rote Blüten. Blau, Grün, Gelb kommen zusätzlich hinzu.

Stillleben von Vincent Van Gogh. Es dominieren rote Mohnblumen.

Lassen Sie uns das Wesentliche hervorheben

Wenn Sie eine bestimmte Idee haben und ein Stillleben aus dem Leben oder aus einer Idee (aus dem Kopf) zeichnen möchten, müssen Sie:

Heben Sie hervor, was in dieser Handlung am wichtigsten ist, welches Thema dominiert?

Diese Regel wird nicht immer angewendet, aber Ihre Arbeit wird von ihrer Anwendung nur profitieren.

Stellen Sie sich eine Frage: Auf welches Thema möchten Sie den Fokus, die Aufmerksamkeit des Betrachters richten?

Der Hauptartikel sollte auf irgendeine Weise hervorstechen: Form, Größe, Farbe, Position im Verhältnis zu anderen.

Werk von A. Sergeev. Die „Haupt“-Blüten sind eindeutig identifiziert.

Schon beim Skizzieren müssen Sie beim Betrachten der Skizze klar feststellen: Was ist das Wichtigste an Ihrer Arbeit?

Wenn intuitiv lässt sich das bestimmen Die Hauptsache ist ausgezeichnet.
Wenn das Aussehen bewegt sich von einem zum anderen, Ich weiß nicht, woran ich mich festhalten soll- Das bedeutet, dass Sie noch an Ihrer Komposition arbeiten müssen. etwas reduzieren bzw vergrößern, drehen, neu anordnen usw. Wählen Sie, was am besten zu Ihnen passt.

Viele Leute haben jetzt wahrscheinlich eine Frage: Was ist, wenn ich eine Vase mit Blumen zeichne?

Hier muss diese Regel nicht angewendet werden? Schließlich ist unsere wichtigste und wichtigste Figur „eine Blumenvase“?

Und hier ist es notwendig und durchaus möglich, diese Regel anzuwenden.

In einem Blumenstrauß gibt es immer eine Hauptblume.

Wenn es sich um einen Strauß mit vielen Blumen handelt, lohnt es sich, eine kleine Gruppe von Blumen hervorzuheben, die am erfolgreichsten sind beleuchtet, oder die meisten ausdrucksstark schauen für den Betrachter unterschiedlich nach Farbe, Größe oder bilden.

Beschreibung der Präsentation anhand einzelner Folien:

1 Folie

Folienbeschreibung:

2 Folie

Folienbeschreibung:

STILLLEBEN ist eine bewegungslose, „tote Natur“ (so wird dieses Wort übersetzt), es besteht aus Objekten, die Teil der lebendigen Realität sind, die uns umgibt. Die Dinge, die wir in einem Stillleben verwenden, bilden eine eigene Umgebung, als wären sie in eine andere Dimension übertragen worden. Ihre Bedeutung in der Komposition, ihre semantische Belastung nimmt zu. Kombinationen einfacher Objekte können sehr unterschiedliche und komplexe Gefühle ausdrücken.

3 Folie

Folienbeschreibung:

STILLLEBEN IN DER GRAFIK Das Zeichnen ist die Hauptform der Grafik. Alle Künstler beschäftigen sich mit Grafik, ob Maler oder Bildhauer; sie brauchen die Zeichnung als Bühne ihrer Arbeit. Eine Zeichnung kann jedoch auch ein eigenständiges grafisches Werk sein. Für einen Grafiker genügen einfache Werkzeuge – Bleistift, Filzstift, Tinte, Gelstift, um eine wunderbare grafische Komposition zu erstellen.

4 Folie

Folienbeschreibung:

Mit Bleistift ein Stillleben zeichnen (Schritt für Schritt). Bevor wir mit einem Bleistift ein Stillleben zeichnen, platzieren wir nach und nach Objekte nebeneinander und vergessen dabei nicht die Lichtquelle. Objekte können in einiger Entfernung platziert werden, es wird jedoch interessanter, wenn sie sich leicht an den Rändern überlappen. Der Lichtfluss der Lampe ermöglicht es Ihnen, den Kontrast von Farbtönen und Glanzlichtern ausdrucksvoller hervorzuheben. Es ist besser, wenn es von der Seite fällt. Verlassen Sie sich nicht auf Künstliches, sondern auf Sonnenlicht, müssen Sie bedenken, dass die Leuchte nicht stillsteht, sodass sich die Winkel von Licht und Schatten ändern. Bleistiftzeichnungen haben ihre eigenen Besonderheiten – um die Technik zu beherrschen, müssen Sie mehr als eine Skizze oder ein Stillleben zeichnen. Linie, Punkt, Strich, Punkt.

5 Folie

Folienbeschreibung:

Existiert besondere Art Grafiken – GEDRUCKTE GRAFIKEN. In diesem Fall können Sie aus einer Zeichnung, die mit speziellen Fräsern auf einem Brett aus Holz, Metall oder Linoleum erstellt wurde, mehrere Autorenabdrücke – Abdrücke – anfertigen. Diese Art von Grafik wird GRAVUR genannt. Die Gravur kann unterschiedlich sein: auf Holz - Holzschnitt, auf Metall - Radierung, auf Linoleum - Linolschnitt... In diesen Fällen verwendet der Grafiker für seine Arbeit so komplexe Geräte wie eine Druckmaschine, spezielle Schneider (Stiche), Metallplatten für Ätzen mit Säure und viele andere. All dies wird benötigt, um gedruckte Grafiken zu erstellen. Gravur, Holzschnitt, Druckgrafik, antikes Stillleben, Alt-Riga XYLOGRAPHIE – eine der Arten der Gravur, Holzschnitt. Linolschnitt

6 Folie

Folienbeschreibung:

Kratztechnik Die Kratztechnik wird auch „Tsap-Scratch“ oder „Graffito“ genannt. Die Zeichnung wird durch Kratzen mit einem Stift oder einem scharfen Instrument auf mit Tinte gefülltem Papier oder Karton hervorgehoben (um ein Ausbreiten zu verhindern, müssen Sie ein wenig Spülmittel oder Shampoo hinzufügen, nur ein paar Tropfen). Das Wort kommt vom französischen Wort „grater“ – kratzen, kratzen, daher ist eine andere Bezeichnung für die Technik die Kratztechnik. Normalerweise verwende ich dickes Papier und male es mit Gouache. Sie können farbigen Karton mit einem vorgefertigten bunten Muster nehmen und sich dann auf das Übliche beschränken Wachskerze(nicht Farbe). Tragen Sie anschließend mit einem breiten Pinsel oder Schwamm eine Schicht Mascara auf die Oberfläche auf. Wenn es trocknet, kratzen Sie mit einem scharfen Gegenstand – einer Plastikgabel, einem Zahnstocher – ein Muster aus dünnen weißen oder farbigen Linien auf den fertigen Hintergrund.

7 Folie

Folienbeschreibung:

Zeichnungen in der Grattage-Technik werden mit einem scharfen Gegenstand (einem Stift, einem Spezialschneider, einem spitzen Stock usw.) auf einer zuvor vorbereiteten Oberfläche angefertigt. Bevor Sie mit dem Gravieren beginnen, wird eine Schicht Wachs oder Paraffin (Sie können eine Kerze verwenden) auf den Karton aufgetragen und anschließend Tinte oder Farbe. Mascara muss in mehreren Schichten aufgetragen und jeweils getrocknet werden, da sie sich auf dem Wachs verteilt und zunächst ungleichmäßig liegt. Mascara wird mit einem breiten Pinsel, Schwamm oder Wattestäbchen aufgetragen.

8 Folie

Künstler haben es schon immer geliebt, Stillleben zu malen. Auf ihren Leinwänden zeigten sie luxuriöse Blumensträuße, exotische Früchte, Wild, frisches Gemüse und sehr komplizierte Gerichte. Heutzutage sind Stillleben immer noch beliebt, aber es ist nicht so einfach, sie zu zeichnen. Beginnen Sie am besten mit einfachen Kompositionen bestehend aus drei oder vier verschiedenen Objekten.

Zuerst müssen Sie Folgendes vorbereiten:

Blatt Papier;
- Bleistift;
- Radiergummi;
- helle Buntstifte. Aquarelle funktionieren zum Beispiel gut.

Danach können Sie mit der Arbeit am Stillleben beginnen:

1. Markieren Sie die Tischkante mit einem Bleistift und zeichnen Sie dann die Umrisse von zwei Äpfeln, einer Birne und einer Tasse;

2. Zeichnen Sie die Frucht detaillierter. Zeichne einen Zweig Erdbeeren, der im Kreis steht;

5. Tragen Sie eine weitere Schattierungsschicht auf den Apfel auf, um seine Farbe nach und nach satter und ausdrucksstärker zu machen. Denken Sie daran, dass der Apfel, wie auch die Birne, ein Highlight haben muss, da in diesem Fall das Licht von einer Seite auf die Objekte fällt. Schattenbereiche zusätzlich mit Braun und Sumpfgrün abdunkeln;

Das Stillleben ist komplett fertig. Sie können die Komposition nach und nach verkomplizieren, indem Sie immer mehr neue Objekte hinzufügen. Sie können ein Stillleben nicht nur mit Buntstiften, sondern auch mit Öl-, Acryl- oder Aquarellfarben ausmalen.

Jeder, der aus dem Leben schöpft, durchläuft notwendigerweise verschiedene Phasen der zunehmenden Komplexität der Arbeit. Der Prozess des Zeichnenlernens in einem bestimmten Stadium ist mit dem Zeichnen eines Stilllebens (aus dem Französischen „nature morte“ – tote Natur) verbunden.

Die Welt der Natur und der Dinge, die den Menschen umgeben Alltagsleben ist ein unerschöpflicher Schatz an Formen und Farbtönen. Die Einfachheit und plastische Perfektion von Alltagsgegenständen, die Raffinesse und Zartheit von Blumen, die einzigartige Struktur und Saftigkeit von Obst und Gemüse und vieles mehr waren schon immer Gegenstand der Aufmerksamkeit von Künstlern. Zeichnungen und Gemälde, in denen Haushaltsgegenstände, Werkzeuge, Gemüse, Obst, Lebensmittel, Wild, Blumensträuße usw. in figurativer Form verkörpert sind, werden als Stillleben bezeichnet.

Stillleben können direkt im Leben „gesehen“ und gezielt „inszeniert“ werden, um verschiedene visuelle Probleme zu lösen. Beide erregen Aufmerksamkeit, weshalb dem Stillleben in der bildenden Kunst so viel Raum eingeräumt wird, dass es zu Recht zu einem eigenständigen Genre geworden ist. Ein „gesehenes“ Stillleben ist eine natürliche Gruppierung von Objekten, die der Künstler darstellt, und ein „inszeniertes“ Stillleben besteht aus bewusst ausgewählten Objekten, die zur Verwirklichung des spezifischen Plans des Autors erforderlich sind.

Das Bild eines Stilllebens hat sein eigenes Muster und seine eigene methodische Abfolge. Es ist beispielsweise völlig unzulässig, direkt nach Beginn einer Zeichnung mit der detaillierten Bearbeitung kleinerer Details zu beginnen, wenn die Hauptform noch nicht feststeht und die klangliche Idee der Produktion noch nicht feststeht. Dies führt sofort zu einer Fragmentierung der Zeichnung, die für einen unerfahrenen Zeichner dann unglaublich schwierig und manchmal sogar unmöglich zu korrigieren ist. Darüber hinaus führt solche Eile zu Fehlern in den Verhältnisverhältnissen und damit zu Misserfolg, mangelndem Selbstvertrauen und Enttäuschung.

Denken Sie daran, dass es in der visuellen Praxis eine bewährte Methode der sequentiellen Arbeit an Zeichnungen gibt, die auf dem Prinzip basiert: vom Allgemeinen zum Besonderen und vom Besonderen wieder zum Allgemeinen, angereichert mit Details.

Reis. 21

Die Arbeit an einem Stillleben beginnt mit der Auswahl und Platzierung bestimmter Objekte: in unserer Aufgabe - ein Gipsmodell eines Prismas und eine Holzvase für Bleistifte, Pinsel usw. (Abb. 21). Die Auswahl der Komponenten für eine Serienproduktion muss logisch begründet und mit semantischen Zusammenhängen gefüllt sein. Es empfiehlt sich, Dinge zu wählen, die in Form und Volumen ausdrucksstark sind.

Nachdem das Stillleben inszeniert wurde, wählen Sie einen bestimmten Ort aus, von dem aus die Szenerie gut sichtbar ist (über den optimalen Abstand vom Künstler zum lebensgroßen Objekt haben wir bereits gesprochen: Er sollte etwa dreimal so groß sein wie das Leben). selbst).

Die Ausdruckskraft und Wahrhaftigkeit eines Stilllebenbildes hängt von Ihrer Fähigkeit ab, zu beobachten, zu komponieren, eine Zeichnung zu konstruieren, sie mit Ton zu modellieren usw.

Vor der eigentlichen Arbeit an der Zeichnung empfiehlt es sich, ein oder zwei Skizzen der Produktion anzufertigen, um eine rationelle und wirkungsvolle Gestaltung des Bildes auf Papier zu finden. Es empfiehlt sich, zügig Skizzen anzufertigen, die auf dem ersten, noch sehr frischen Eindruck der Inszenierung basieren und diese zu vermitteln versuchen Eigenschaften Natur, das Verhältnis und die Proportionen der Form jedes Objekts, das Verhältnis der Bildfläche zur Fläche des Blattformats.

Sobald Sie den Bildaufbau in der Skizze festgelegt haben, können Sie direkt mit der Formatarbeit beginnen. Aufgrund der Art der Produktion haben Sie bereits das Format ausgewählt – horizontal oder vertikal.

Reis. 22

Nun stehen Sie vor der Aufgabe, mehrere Phasen des Zeichnens eines Stilllebens zu durchlaufen. Solche Phasen, d.h. einzelne Momente – Stadien oder Schritte in der Entwicklung einer Sache; bei der Arbeit an einer Zeichnung sind es meist nicht mehr als vier.

Natürlich ist die erste Phase eines jeden Bildes die kompositorische Platzierung auf einem Blatt Papier. Sie haben bereits eine Skizze, verwenden Sie sie auf nicht-mechanische Weise.

Dabei kommt es vor allem darauf an, die Gesamtbreite und Gesamthöhe von Objekten auf einmal zu bestimmen, um das Bildfeld einzuschränken; die Lage der einzelnen Körper relativ zueinander und die Ebene, auf der sie platziert sind, werden sofort mit Licht umrissen Linien.

Im nächsten Schritt beim Zeichnen eines Stilllebens müssen Sie die Position jedes der beiden Objekte im Bild klären und ihre proportionalen Beziehungen bestimmen. Ermitteln Sie in dieser Arbeitsphase auch die konstruktive Grundlage des Formulars. Dabei basiert die Lösung aller Probleme in dieser Phase des Bildes auf einer sorgfältigen Analyse der Produktion. Bauen Sie die Form vorerst nur mit Linien auf und betrachten Sie Ihre Zeichnung als „Gerüst“. Beachten Sie jedoch ein bestimmtes Maß, damit sie nicht überall gleich dick aussehen (Abb. 22).

Führen Sie den dritten Arbeitsschritt durch, um die Form von Körpern mit Volumen und Relief weiter zu verfeinern. Diese Zeichen von Objekten werden nur unter Licht- und Schattenbedingungen wahrgenommen. Daher dürfen Sie nicht nur skizzieren großes Licht und eines großen Schattens, sondern auch, um mit leichten Strichen alle Hauptabstufungen (allmähliche Anordnungen) des Hell-Dunkels zu definieren. Diese Verteilungsmuster von Licht, Halbtönen, eigenen und fallenden Schatten wurden im Lehrbuch mehr als einmal besprochen, und Sie kennen sie. Sie müssen lediglich vor Ort sorgfältig überwachen und auf dem Papier vergleichen, um wie viel ein Objekt dunkler oder heller als ein anderes ist. Vergessen Sie außerdem nicht die Unterschiede in den Zeichentechniken beim Arbeiten mit einem Bleistift, damit Sie bereits in dieser Phase des Zeichnens den Unterschied in der Textur von Objekten erkennen können. Alles zusammengenommen und unter dem Gesichtspunkt der perspektivischen Konstruktion, des Volumens und Reliefs der Formen, der Tonlösungen und der Materialität betrachtet, führt Sie zum letzten Arbeitsschritt der Stilllebenzeichnung (Abb. 23).

Reis. 23

Die letzte Phase beinhaltet den Prozess der Fertigstellung der Arbeit – eine Verallgemeinerung der gesamten linearen und tonalen Struktur des Bildes. Wenn der Vordergrund und der Hintergrund detailliert gezeichnet werden, beide Körper der Produktion die ganzheitliche Wahrnehmung des Bildes zerstören, es keine Weichheit der Übergänge bei der Modellierung der Form mit dem Ton gibt, dann muss ein solches Bild verbessert werden, was a Verallgemeinerung. In diesem Fall ist es notwendig, den Hintergrund weicher zu machen, klare Grenzen darin zu zerstören (um den Eindruck von Tiefe zu erzeugen), ein Objekt „näher an den Vordergrund zu bringen“ und ein anderes „wegzubewegen“, irgendwo an der richtigen Stelle hervorzuheben Ein anderer hingegen verdickt den Ton und erreicht auf diese Weise die Integrität der Zeichnung (Abb. 24).

Alle Phasen der Arbeit an einer Stilllebenzeichnung sind keine voneinander getrennten Phasen des Bildes. Hier findet ein sequentieller Prozess statt, logisch bedingt durch Einheit und Unteilbarkeit, dessen Ergebnis eine richtig komponierte, richtig konstruierte, maßvoll ausgearbeitete tonale, ausdrucksstarke pädagogische Zeichnung eines Stilllebens sein soll.

Schauen wir uns nun im Detail an, wie der Prozess der Erstellung einer Stilllebenzeichnung abläuft, die aus einem geometrischen Gipskörper – einem sechseckigen Prisma und einer Holzvase zur Aufbewahrung von Zeichenwerkzeugen – besteht.

Nach der Wahl des Formats wird festgelegt, in welcher Größe das Bild auf Papier gedruckt werden soll, zumal man bei Vorskizzen nach proportionalen Beziehungen zwischen Bild und Format sucht. Entsprechend der Struktur des Auges und den Prinzipien seiner Funktionsweise werden Proportionen in die visuelle Wahrnehmung eingewoben. Jeder Zeichner bestimmt die Mengenverhältnisse und unterscheidet unter ihnen, wundern Sie sich nicht, das Verhältnis des „Goldenen Schnitts“. Sie sehen in der Einstellung, dass eine vertikal stehende Vase besser aussieht als ein schräg dazu stehendes Prisma. Das bedeutet, dass Sie in Ihrer Zeichnung auf die Vase achten. Besondere Aufmerksamkeit, und Sie beginnen, die Platzierung des Bildes auf dem Papier damit zu verknüpfen. Es wird in der Zeichnung nur im Verhältnis zu den Proportionen des „Goldenen Schnitts“ verortet.

Diese Art der visuellen Wahrnehmung wird durch zahlreiche durchgeführte Experimente bestätigt andere Zeit in einer Reihe von Ländern auf der ganzen Welt.

Der deutsche Psychologe Gustav Fechner führte 1876 eine Reihe von Experimenten durch, bei denen er Männern und Frauen, Jungen und Mädchen sowie Kindern auf Papier gezeichnete Figuren aus verschiedenen Rechtecken zeigte und sie aufforderte, nur eine davon auszuwählen, aber den angenehmsten Eindruck zu hinterlassen zu jedem Thema. Jeder wählte ein Rechteck mit dem Verhältnis seiner beiden Seiten im Verhältnis des „Goldenen Schnitts“ (Abb. 25). Experimente anderer Art demonstrierte der US-amerikanische Neurophysiologe Warren McCulloch in den 40er Jahren unseres Jahrhunderts Studenten, als er mehrere Freiwillige aus dem Kreis zukünftiger Spezialisten aufforderte, einen länglichen Gegenstand in die gewünschte Form zu bringen. Die Studenten arbeiteten eine Weile und gaben die Gegenstände dann dem Professor zurück. Bei fast allen wurden die Markierungen genau im Bereich des „Goldenen Schnitts“ angebracht, obwohl die Jugendlichen von diesem „göttlichen Schnitt“ überhaupt nichts wussten. McCulloch verbrachte zwei Jahre damit, dieses Phänomen zu bestätigen, da er persönlich nicht glaubte, dass alle Menschen dieses Verhältnis wählen oder es in Amateurarbeiten bei der Herstellung aller Arten von Kunsthandwerk etablieren.

Reis. 24

Ein interessantes Phänomen lässt sich beobachten, wenn Besucher Museen und Kunstausstellungen besuchen. Viele Menschen, die nicht selbst gezeichnet haben, können selbst kleinste Ungenauigkeiten in der Darstellung von Objekten in grafischen Bildern und Gemälden mit erstaunlicher Genauigkeit erkennen. Dies sind wahrscheinlich Zeichen des ästhetischen Sinns eines Menschen, der mit der Zerstörung der Harmonie von Form und Proportionen „nicht einverstanden“ ist. Ist nicht mit einem solchen Schönheitsanspruch das Phänomen des „goldenen Anteils“ verbunden (sofern dieser Anteil nicht „göttlich“, „golden“, „goldener Schnitt“, „goldene Zahl“ genannt wird)? ? Nicht umsonst wurde offenbar in allen Jahrhunderten der menschlichen Zivilisation der „Goldene Schnitt“ zum wichtigsten ästhetischen Prinzip erhoben.

Für Sie sollten die Kompositionsprinzipien beim Erstellen einer Stilllebenzeichnung kein Stolperstein sein, denn ein Mensch ist mit der Fähigkeit ausgestattet, die Umgebung in einem klaren Sichtfeld (in einem Winkel von 36°) klar zu sehen. Es sind die Proportionalwerte innerhalb des klaren Sichtfeldes, die von den Augen deutlich unterschieden werden, und Ihre Aufgabe ist es, sie zu erkennen, um die Zeichnung richtig zu konstruieren. Tatsache ist, dass eine Person, die zeichnet, die objektive Welt auf die gleiche Weise sieht wie jemand, der nicht zeichnet. Wenn Sie jedoch beim Erstellen einer Zeichnung einen beliebigen Standpunkt einnehmen, kommt es zu Verzerrungen. Sie müssen bedenken, dass bei der Konstruktion eines Bildes alles voneinander abhängt: Blickwinkel, klares Sichtfeld und Entfernung zu den Objekten im Bild. Das bedeutet, dass Sie beim Zusammenstellen des Bildes einen Teil des umschlossenen Raums (Blatt Papier) auswählen müssen, der Stilllebenobjekte und einen Teil davon umfassen würde Umfeld(Hintergrund). Die Objekte im Bild sollten weder zu groß noch zu klein sein. Andernfalls „kommt“ das große Bild aus dem Format heraus und das kleine „versinkt“ darin. Um dies zu verhindern, versuchen Sie, das Blatt Papier und die Abmessungen des Bildes als ein Ganzes der kompositorischen Lösung der Stilllebenzeichnung zu betrachten.

Nachdem die Papierebene organisiert wurde, müssen die Objekte so gezeichnet werden, wie das Auge sie sieht und wie sie in der Realität existieren. Dazu verdeutlichen Sie die perspektivischen Veränderungen in der Form von Vase und Prisma und versuchen gleichzeitig, deren objektive Struktur, Gestaltung und Analyse der Lichtverhältnisse sofort zu verstehen. Die Helldunkelverteilung auf Objekten erfolgt nach den gleichen Gesetzen, die Sie beim Zeichnen von Gipsmodellen geometrischer Körper kennengelernt haben.

Jede Zeichnung ist zugleich ein neues Wissen über die objektive Welt, das mit der Beherrschung des Wissens, dem Erwerb von Erfahrungen, neuen Fähigkeiten und motorischen Fähigkeiten der Handbewegungen einhergeht. Nachdem Sie die Zeichnung auf einer Ebene platziert und vorerst die Grenzen der Form jedes der beiden Objekte in Lichtlinien dargestellt und mit den gleichen Lichtstrichen das Volumen der Vase und des Prismas umrissen haben, setzen Sie Ihre Arbeit fort und fahren mit fort die nächste Stufe. Nun verfeinern Sie die charakteristischen Merkmale der Form weiter und vergleichen dabei stets die Zeichnung mit der Natur. Dann beginnen Sie mit der Arbeit mit Beziehungen, bei denen es darum geht, die richtigen Proportionen, die Beziehung zwischen Raumplänen, Details und dem Ganzen zu bestimmen.

Reis. 25

Die Methode der Beziehungsarbeit ermöglicht es dem Zeichner, sich Kenntnisse und Fähigkeiten anzueignen, die die Entwicklung einer Person als professioneller Künstler beeinflussen.

Also, die ersten Schritte Ihrer Zeichnung: Lösen Sie die Layoutprobleme, skizzieren Sie die allgemeine Silhouette des Stilllebens, markieren Sie beide Objekte und zeigen Sie die Proportionen, spüren Sie gleichzeitig die Verbindung der Formen, ihre Übereinstimmung mit der allgemeinen Struktur des Stilllebens Bild. Bei der Arbeit mit Beziehungen wird die Zeichnung durch Vergleichen und Kontrastieren verdeutlicht, d.h. Vergleichen des Bildes mit dem Ganzen und der Teile miteinander. In der gleichen Phase des Zeichnens sollten Sie damit beginnen, das Volumen und Relief der Formen der Objekte im Bild zu identifizieren und sie nach dem Prinzip durchzuarbeiten – vom Allgemeinen zum Besonderen. Nur so sehen Sie immer das Ganze – in der Struktur, in den Proportionen und im Ton.

Wenn Sie Vertrauen in die Genauigkeit der Zeichnung und die Richtigkeit der beabsichtigten Licht-Ton-Beziehungen haben, können Sie sicher mit der Modellierung der Form mit einem Ton fortfahren, der allmählich mit Dichte gesättigt ist.

In dieser wichtigen Phase der Arbeit – der Vermittlung eines wahren Bildes eines Stilllebens, wie unser Auge es sieht und wie es im Raum existiert – müssen Sie ständig die gesamte Natur sehen, d. h. diese oder jene Stelle in der Zeichnung berühren einen Bleistift, verlieren Sie nicht die gesamte Produktion und die gesamte Zeichnung als Ganzes aus den Augen. Denken Sie immer daran, dass Sie Wissen, Fähigkeiten und Fertigkeiten schrittweise und konsequent ansammeln und entsprechend am Stillleben arbeiten. Aufgrund der Diskrepanz zwischen dem Originallicht und dem Weißgrad des Papiers können Tonverhältnisse in der Natur in einer Zeichnung nicht genau wiedergegeben werden. Sie können nur vermittelt werden, indem man den Licht- und Schattenverhältnissen folgt, die proportional zur Natur sind, und Sie wissen, dass die Qualität des Tonmusters von einer solchen Übertragung abhängt.

Während der Tonmodellierung der Zeichnung, wenn man alle Arbeiten vom Allgemeinen bis zum Besonderen durchführt, kommt unweigerlich ein Moment, der mit dem großen Wunsch verbunden ist, die endgültige Ausarbeitung des einen oder anderen Teils des Bildes zu übernehmen, was sehr ist attraktiv in der Produktion. Hier geht es nach den Prinzipien des Zeichnens zu den Einzelheiten.

In der Praxis des pädagogischen und kreativen Zeichnens gibt es zwei oft miteinander verflochtene technische Methoden, um Töne mit einem Bleistift auf Papier anzulegen – Schattieren und Schattieren.

Schraffuren haben im Gegensatz zu Schattierungen ihre eigenen Besonderheiten. Nur einem erfahrenen Zeichner gelingt die Übertragung aller klanglichen und materiellen Eigenschaften der Natur. Gleichzeitig verwendet er vielfältige Striche entlang der Bleistiftspur auf Papier – gerade und gebogen, kurz und lang, einander in mehreren Schichten überlagernd. Unter Schattierung sind daher Techniken zu verstehen, mit denen durch Striche Töne aufgetragen werden. Die Richtung der Schattierung in einer Zeichnung ist sehr wichtig. Durch die Verwendung von Strichen, die entsprechend der Form des Objekts gerichtet sind, kann man Volumen erzielen, und umgekehrt wird durch willkürlich aufgetragene Striche die Form zerstört, das Bild wird mit formlosen Flecken bedeckt.

Meister des Zeichnens verwendeten häufig Schattierungen – eine Technik, bei der eine mit einer Mine flach aufgetragene Bleistiftschicht über die Oberfläche des Papiers gerieben wird, um mithilfe von Schattierungen oder Papiertupfern und sehr oft auch Watte einen weichen, festen Ton zu erhalten. Diese Technik wurde von Ilya Efimovich Repin sehr oft und effektiv eingesetzt.

Im Rahmen der Arbeit zur Übertragung von Licht- und Schattenverhältnissen werden die hellsten und dunkelsten Stellen im Gesamtbild ermittelt und unter Beachtung dieser als tonale Richtlinien nach und nach die erforderliche Blende gewonnen. Und ständig muss man die Zeichnung noch einmal mit der Natur vergleichen und vergleichen. Dazu können Sie sich sogar ein wenig von der Zeichnung entfernen, um Ihr Werk aus etwas weiter entfernter Perspektive zu betrachten. Es gibt eine andere Vergleichstechnik: Betrachten Sie die Zeichnung im Spiegel, indem Sie sie halb dem Bild zuwenden. Der Spiegel sollte auch das natürliche Objekt widerspiegeln. Ein solcher Vergleich kann Ihnen helfen, Tonfehler zu erkennen und zu beseitigen. Die Spiegeltechnik ist auch deshalb effektiv, weil sie Ihnen ermöglicht, Ihre Arbeit aus einem unerwarteten Blickwinkel zu betrachten. Jeder Maler gewöhnt sich nicht nur an sein Bild, sondern bemerkt oft aufgrund von Unerfahrenheit und mangelndem Können keine schwerwiegenden Fehler in der Zeichnung, ganz zu schweigen vom Ton. Solch ein unerwarteter Blick wird Ihnen helfen, diesen oder jenen Fehler sofort zu erkennen, der sich aufgrund der Unfähigkeit, Ihre eigene Zeichnung kritisch zu betrachten, als schwierig herausstellte.

Die letzte Phase der Arbeit an einer Stilllebenzeichnung hängt von der Fähigkeit des Zeichners ab, das Bild fertigzustellen, d. h. Bringen Sie das Bild mit dem allgemeinen visuellen Eindruck in Einklang und sorgen Sie für eine nahtlose Wahrnehmung der Produktion in Originalgröße.

Kontrollfragen

Was ist Stillleben?
Wie viele Phasen müssen Sie beim Malen eines Stilllebens durchlaufen?
Was verstehen Sie unter dem Begriff „Layout“? Welche Rolle spielt das Layout in einer Zeichnung?
Warum sollte eine Großproduktion nicht in Teilen, sondern als Ganzes wahrgenommen werden?
Was bedeutet es, Striche auf ein Formular anzuwenden?
Wie ist der methodische Ablauf bei der Arbeit an einem Stillleben?
Wie verstehen wir den Begriff „Verallgemeinerung einer Zeichnung“?

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