Stellt eine künstlerische Form eines Werkes dar. Formelement eines literarischen Werkes

Künstlerische Form und Inhalt

Bild als Einheit von Inhalt und Form

Bild als Einheit des Emotionalen und Rationalen (Gefühle und Vernunft)

Jeder Künstler bestätigt seine Werke mit einer bestimmten Lebenseinstellung. Die gestellte Frage bestätigte eine bestimmte Idee. In jedem Werk steckt ein bestimmter Gedanke, ein rationales Prinzip. Rationaler Anfang – rational – begründetes, emotionales und mentales Erleben, emotionale Erregung (Freude, Trauer).

In der Kunst ist eine Idee in erster Linie eine künstlerische Idee; sie ruft zunächst ein bestimmtes Gefühl in uns hervor, und auf dieser Grundlage wecken sie einen Gedanken, erst jubelnd, empört und erlebend beginnen wir zu denken. Dieses Merkmal des Einflusses der Kunst erklärt sich aus der Tatsache, dass in einem künstlerischen Bild das Rationale immer untrennbar mit Emotionen verbunden ist. Die sinnliche Wahrnehmung der Welt ist nur für den Menschen charakteristisch. Damit ist die Möglichkeit des künstlerischen Denkens verbunden, nur weil dieses Kunstwerk die emotionale Haltung und die darin enthaltene Idee erweckt und unser Denken anregt.

Betrachter – Bild – Emotion – Gedanke.

Künstler – Gedanke – Emotion – Bild.

Dies ist eines der wichtigsten Gesetze der Kreativität und eine notwendige Voraussetzung für die Kunstfertigkeit eines Werkes. Inhalt und Form sind ästhetische Kategorien, die in der Kunst die Beziehung zwischen dem inneren spirituellen, ideologischen und figurativen Prinzip und seiner äußeren direkten Verkörperung zum Ausdruck bringen. In einem Kunstwerk sind Inhalt und Form so nah beieinander, dass die Trennung von Form und Inhalt gleichbedeutend ist mit der Zerstörung des Inhalts, und die Trennung von Inhalt und Form bedeutet, die Form zu zerstören. Das Verhältnis von Inhalt und Form wird durch zwei Punkte charakterisiert.

1. Form Kunstwerk erwächst aus dem Inhalt und soll als dessen Ausdruck dienen.

Ein künstlerisches Bild dient der Verdeutlichung des Zusammenhangs zwischen Realität und Kunst und ist ein Produkt der Gedanken des Künstlers. Ein echtes Kunstwerk zeichnet sich immer durch große Gedankentiefe, die Bedeutung des gestellten Problems und eine interessante Form aus.

Im künstlerischen Bild als wichtigem Mittel zur Widerspiegelung der Wirklichkeit bündeln sich die Kriterien (Zeichen) von Wahrhaftigkeit und Realismus und verbinden die reale Welt mit der Welt der Kunst. Ein künstlerisches Bild gibt uns einerseits eine Wiedergabe der Realität von Gedanken, Gefühlen, Handlungen und andererseits geschieht dies mit Hilfe konventionell geprägter Mittel. Wahrhaftigkeit und Konventionalität existieren im Bild zusammen. Können daher Kunst im Allgemeinen und Choreografie im Besonderen existieren, wenn alles bedingt in sie verallgemeinert wird? Aufgrund des inhärenten künstlerischen Denkens und der Wahrnehmung eines Menschen, das auf der sinnlichen Wahrnehmung der Welt basiert. Hauptsächlich charakteristisch dieses Denken Assoziativität.

Verband– (von lat. Verbindung) eine psychologische Verbindung, die zwischen zwei oder mehr psychologischen Gebilden, Wahrnehmungen, Vorstellungen, Vorstellungen entsteht. Der Assoziationsmechanismus beruht auf der Entstehung einer Verbindung zwischen einer Empfindung und anderen.

Diese assoziativen Verbindungen basieren auf bereits etablierten Vorstellungen über Objekte und Phänomene; sie sind immer subjektiv auf bereits etablierte Vorstellungen über Phänomene. Daher die Schwierigkeit, das Unbekannte wahrzunehmen.

Ein Choreograf muss dazu in der Lage sein:

- subjektive Wahrnehmungen der Welt zu einem konkreten, für jeden verständlichen Bild zu vereinen.

- eine figurativ-metaphorische Denkweise haben und diese beim Betrachter entwickeln.

Metapher – (aus dem Griechischen) ist eine künstlerische Technik, die auf der figurativen Annäherung, Ähnlichkeit, der Phänomene der Realität basiert. Die bildliche Bedeutung eines Objekts, Phänomens, einer Empfindung auf einem anderen mit Hilfe der Kenntnis ihrer Unterschiede.

- Ein Choreograf muss über eine figurativ-metaphorische Denkweise verfügen, das heißt, in sich selbst eine entsprechende Suche nach Inhalten aus der Realität pflegen, metaphorische Bilder in einem Werk schaffen.

Durch die Übertragung der Eigenschaften eines Objekts auf ein anderes entsteht eine neue Idee, es entsteht ein metaphorisches Bild.

Ich schaue, sehe, denke und denke mit Hilfe von Assoziationen in der Verbindung von Ketten – ich beginne, den im Werk eingebetteten Inhalt zu verstehen, sein Bild, seine Metapher zu entschlüsseln.

Die Bilder kollabieren und verschwinden:

- der Künstler kopiert eine Tatsache der Realität (Naturalismus);

- Formalismus, wenn der Künstler sich den bildlichen Tatsachen der Realität völlig entzieht, wenn der Künstler den Inhalt nicht bewertet.

Künstlerischer Inhalt

Künstlerischer Inhalt- Dies ist eine wahrheitsgetreu ausgedrückte ideologische und emotionale Beziehung des Künstlers zur Realität in seiner eigenen ästhetischer Wert Es wirkt sich positiv auf die Gefühle und den Geist eines Menschen aus und trägt zu seiner spirituellen Entwicklung bei.

1. Thema (vom griechischen Wort „Subjekt“) ist das breiteste Spektrum an Themen, Problemen von Lebensphänomenen, die in der Arbeit beschrieben werden. Das Thema beantwortet die Frage: Worum geht es in der Arbeit?

Thema des Kampfes;

Gut und Böse;

Historisch;

Natur;

Kinderzimmer.

2. Idee (aus griechischer Sicht, Bild, ganzheitliche Bedeutung des fertigen Werkes). Diese Hauptidee, die der Autor inspirieren wollte, vermittelt dem Betrachter und beantwortet die Frage: WAS WÜRDE DER AUTOR DEM BESUCHER SAGEN?

Um die Idee richtig zu formulieren, müssen Sie in der Handlungsdramaturgie die Frage stellen: „Ich möchte dem Zuschauer sagen, dass ...“, in der handlungslosen Dramaturgie: „Ich möchte dem Zuschauer ein Bild zeigen ...“.

3. Handlung(vom französischen Subjekt) Die Verbindung von Ereignissen in der Handlung offenbart die Bewegung von Charakteren und Gefühle einer bestimmten Handlung und Beziehung der Charaktere.

Kunstform- das ist ein äußerer Ausdruck künstlerischer Inhalt, eine harmonische Kombination von Teilen und dem Ganzen, Elementen und Struktur.

Harmonie(von griech. Konsonanz, Übereinstimmung) eine ästhetische Kategorie, die bezeichnet hohes Niveau bestellte Sorte.

Das Element der Form ist die Komposition (von lat. Komposition, Verbindung).

Prinzipien, d.h. Die Regeln für die Konstruktion einer Form sind die Beziehung und Organisation der Teile eines Werkes, die Unterordnung der Teile unter das Ganze und der Ausdruck des Ganzen durch die Teile (ein Haus aus Würfeln). Die Form verkörpert die Verbindung zu einem charakteristisches Bild mit Hilfe bestimmter Bildelemente Ausdrucksmittel das jede Kunstform hat.

Die Hauptstadien der künstlerischen Bildbildung sind:

1. Bild, Idee- hier erfolgt die Einsicht des Künstlers, wenn ihm das zukünftige Werk in seinen Grundzügen präsentiert wird. Der weitere Verlauf des kreativen Prozesses hängt maßgeblich von der Idee ab.

2. Bild der Arbeit– das ist die Konkretisierung eines Bildes, eines Plans im Material. Das Werk erlangt reale Existenz.

3. Bild der Wahrnehmung ist die Wahrnehmung eines Kunstwerks durch den Betrachter, Hauptziel Das ist das Verständnis und die Offenlegung des ideologischen Inhalts der Arbeit. Wahrnehmung ist eine gemeinsame Schöpfung zwischen Betrachter und Künstler.

Ein künstlerisches Bild ist das Hauptergebnis, das einen Menschen zutiefst begeistern und gleichzeitig eine enorme pädagogische Bedeutung für ihn haben kann.

Das künstlerische Bild wird durch die Synthese der folgenden Komponenten angezeigt:

1. Musik;

2. Zusammensetzung;

3. Design.

Ohne Bild gibt es keinen Tanz; wenn kein künstlerisches Bild entsteht, bleibt nur eine Reihe von Bewegungen.

Ein Kunstwerk stellt eine innere Einheit von Inhalt und Form dar. Inhalt und Form sind untrennbar miteinander verbundene Konzepte. Je komplexer der Inhalt, desto reichhaltiger sollte die Form sein. Die inhaltliche Vielfalt lässt sich auch an der künstlerischen Form beurteilen.

Die Kategorien „Inhalt“ und „Form“ wurden in der deutschen klassischen Ästhetik entwickelt. Hegel argumentierte, dass „der Inhalt der Kunst das Ideal und ihre Form die sinnliche figurative Verkörperung ist“61. In der Durchdringung von „Ideal“ und „Bild“

Hegel erkannte die schöpferische Besonderheit der Kunst. Das Leitpathos seiner Lehre ist die Unterordnung aller Bilddetails und vor allem der objektiven unter einen bestimmten spirituellen Inhalt. Die Integrität der Arbeit ergibt sich aus dem kreativen Konzept. Unter der Einheit eines Werkes versteht man die Unterordnung aller seiner Teile und Details unter die Idee: Es ist innerlich, nicht äußerlich.

Form und Inhalt der Literatur sind „grundlegende literarische Konzepte, die Vorstellungen über die äußeren und inneren Aspekte von Literatur verallgemeinern Literarische Arbeit und sich gleichzeitig auf die philosophischen Kategorien von Form und Inhalt verlassen“62. In Wirklichkeit lassen sich Form und Inhalt nicht trennen, denn Form ist nichts anderes als der Inhalt in seiner unmittelbar wahrgenommenen Existenz, und Inhalt ist nichts anderes als die innere Bedeutung der ihm gegebenen Form. Bei der Analyse von Inhalt und Form literarischer Werke werden deren äußere und Innenseiten, die in organischer Einheit sind. Inhalt und Form sind jedem Phänomen der Natur und der Gesellschaft inhärent: Jedes von ihnen hat äußere, formale Elemente und innere, bedeutungsvolle Elemente.

Inhalt und Form weisen einen komplexen mehrstufigen Aufbau auf. Beispielsweise fungiert die äußere Organisation der Sprache (Stil, Genre, Komposition, Metrum, Rhythmus, Intonation, Reim) als Form im Verhältnis zur inneren künstlerischen Bedeutung. Die Bedeutung von Sprache wiederum ist eine Form der Handlung, und die Handlung ist eine Form, die Charaktere und Umstände verkörpert, und sie erscheinen als eine Form der Manifestation einer künstlerischen Idee, der tiefen ganzheitlichen Bedeutung eines Werkes. Form ist das lebendige Fleisch des Inhalts.

Das Begriffspaar „Inhalt und Form“ ist in der theoretischen Poetik fest verankert. Auch Aristoteles unterschied in seiner „Poetik“ „Was“ (das Subjekt des Bildes) und „Wie“ (das Mittel des Bildes). Form und Inhalt sind philosophische Kategorien. „Form nenne ich das Wesen des Wesens aller Dinge“, schrieb Aristoteles.

Belletristik ist eine Reihe literarischer Werke, von denen jedes ein eigenständiges Ganzes darstellt.

Was ist die Einheit eines literarischen Werkes? Das Werk existiert als separater Text, der Grenzen hat, als ob er in einen Rahmen eingeschlossen wäre: einen Anfang (normalerweise den Titel) und ein Ende. Ein Kunstwerk hat einen anderen Rahmen, da es als ästhetisches Objekt, als „Einheit“ fungiert. Fiktion. Das Lesen eines Textes erzeugt im Kopf des Lesers Bilder und Vorstellungen über Objekte in ihrer Gesamtheit.

Das Werk ist sozusagen in einen doppelten Rahmen eingeschlossen: als vom Autor geschaffene bedingte Welt, getrennt von der primären Realität, und als Text, abgegrenzt von anderen Texten. Wir dürfen den spielerischen Charakter der Kunst nicht vergessen, denn im gleichen Rahmen schafft der Autor und der Leser nimmt das Werk wahr. Das ist die Ontologie eines Kunstwerks.

Es gibt einen anderen Ansatz zur Einheit eines Werkes – einen axiologischen, bei dem die Frage in den Vordergrund tritt, ob es möglich war, die Teile und das Ganze zu koordinieren, dieses oder jenes Detail zu motivieren, denn je komplexer die Komposition des Je mehr künstlerisches Ganzes (multilineare Handlung, verzweigtes Figurensystem, Wechsel von Zeit und Ort der Handlung), desto schwieriger ist die Aufgabe, vor der der Autor steht64.

Die Einheit eines Werkes ist eines der Querschnittsprobleme in der Geschichte des ästhetischen Denkens. Schon in der antiken Literatur wurden Anforderungen an verschiedene Kunstgattungen entwickelt, maßgebend war die Ästhetik des Klassizismus. Interessant (und logisch) ist die Überschneidung zwischen den Texten der „Poetiker“ Horace und Boileau, auf die L.V. in seinem Artikel aufmerksam macht. Chernets.

ein literarisches Werk ist vollständiges Bild Leben (in epischen und dramatischen Werken) oder eine ganzheitliche Erfahrung (in lyrischen Werken). Jedes Kunstwerk, laut V.G. Belinsky: „Dies ist eine ganzheitliche, in sich geschlossene Welt.“ D.S. Merezhkovsky lobte Tolstois Roman Anna Karenina hoch und argumentierte, dass „Anna Karenina als vollständiges künstlerisches Ganzes das vollkommenste Werk von L. Tolstoi ist.“ In „Krieg und Frieden“ wollte er vielleicht mehr, erreichte es aber nicht: und das sahen wir als eines der Wichtigsten Figuren, Napoleon, war überhaupt kein Erfolg. Bei Anna Karenina war alles oder fast alles erfolgreich; Hier und nur hier erreichte das künstlerische Genie von L. Tolstoi seinen Höhepunkt, zur völligen Selbstbeherrschung, bis zur endgültigen Balance zwischen Konzept und Ausführung. Wenn er jemals stärker war, dann war er auf jeden Fall nie vollkommener, weder davor noch danach.“69

Die ganzheitliche Einheit eines Kunstwerks wird durch die Absicht eines einzelnen Autors bestimmt und zeigt sich in der ganzen Komplexität der dargestellten Ereignisse, Charaktere und Gedanken. Ein echtes Kunstwerk ist eine einzigartige künstlerische Welt mit einem eigenen Inhalt und einer diesen Inhalt zum Ausdruck bringenden Form. Die im Text objektivierte künstlerische Realität ist die Form.

Der untrennbare Zusammenhang zwischen Inhalt und künstlerischer Form ist ein Kriterium (altgriechisch kgkegyup – Zeichen, Indikator) für die Kunstfertigkeit eines Werkes. Diese Einheit wird durch die soziale und ästhetische Integrität eines literarischen Werkes bestimmt.

Hegel schrieb über die Einheit von Inhalt und Form: „Ein Kunstwerk, dem die eigentliche Form fehlt, ist gerade der Grund dafür, dass es kein echtes, das heißt kein wahres Kunstwerk ist, und für den Künstler als solchen ist es eine schlechte Entschuldigung dafür.“ Sie sagen, dass die Werke ihrem Inhalt nach gut (oder sogar überlegen) seien, ihnen aber die richtige Form fehlt. Nur solche Kunstwerke, bei denen Inhalt und Form identisch sind, sind wahre Kunstwerke.“70

Nur mögliche Form Die Verkörperung von Lebensinhalten ist ein Wort, und jedes Wort erweist sich als künstlerisch bedeutsam, wenn es beginnt, nicht nur sachliche, sondern auch konzeptionelle, subtextuelle Informationen zu vermitteln. Alle diese drei Arten von Informationen werden durch ästhetische Informationen verkompliziert71.

Der Begriff der künstlerischen Form sollte nicht mit dem Begriff der Schreibtechnik gleichgesetzt werden. „Was bedeutet es, ein lyrisches Gedicht zu beenden,<...>die Form zu ihrer möglichen Eleganz zu bringen? Dies ist wahrscheinlich nichts anderes, als das eigene, dieses oder jenes Gefühl zu verfeinern und auf die in der menschlichen Natur mögliche Eleganz zu bringen … An einem Gedicht für einen Dichter zu arbeiten ist dasselbe wie an der eigenen Seele zu arbeiten“, schrieb Ya.I. Polonski. In einem Kunstwerk lässt sich ein Gegensatz erkennen: Organisation („gemacht“) und organisch („geboren“). Erinnern wir uns an den Artikel von V. Mayakovsky „Wie macht man Poesie?“ und die Zeilen von A. Achmatowa „Wenn Sie nur wüssten, aus welchem ​​Müll Poesie erwächst ...“.

Die Unterscheidung zwischen Inhalt und Form ist in der Anfangsphase des Studiums von Werken, in der Analysephase, notwendig.

Analyse (griechische Analyse – Zerlegung, Zerstückelung) Literaturkritik – das Studium von Teilen und Elementen eines Werkes sowie der Verbindungen zwischen ihnen.

Es gibt viele Methoden zur Analyse eines Werkes. Die theoretisch fundierteste und universellste Analyse scheint diejenige zu sein, die auf der Kategorie der „sinnvollen Form“ basiert und die Funktionalität der Form im Verhältnis zum Inhalt identifiziert.

Die Ergebnisse der Analyse werden verwendet, um eine Synthese zu erstellen, d. h. die vollständigste und richtiges Verständnis sowohl bedeutungsvolle als auch formale künstlerische Originalität und deren Einheit. Die literarische Synthese im Bereich des Inhalts wird mit dem Begriff „Interpretation“ beschrieben, im Bereich der Form mit dem Begriff „Stil“. Ihr Zusammenwirken ermöglicht es, das Werk als ästhetisches Phänomen zu begreifen72.

Jedes Element des Formulars hat seine eigene, spezifische „Bedeutung“. Formane ist etwas Unabhängiges; Form ist im Wesentlichen Inhalt. Indem wir die Form wahrnehmen, begreifen wir den Inhalt. A. Bushmin schrieb über die Schwierigkeit der wissenschaftlichen Analyse eines künstlerischen Bildes in der Einheit von Inhalt und Form: „Und es gibt immer noch keinen anderen Ausweg, als sich auf die Analyse und „Aufspaltung“ der Einheit im Namen ihrer anschließenden Synthese einzulassen.“ 73.

Bei der Analyse eines Kunstwerkes ist es notwendig, beide Kategorien nicht außer Acht zu lassen, sondern ihren Übergang ineinander zu begreifen, Inhalt und Form als ein bewegtes Zusammenspiel von Gegensätzen zu begreifen, die mal auseinandergehen, mal sich annähern, bis hin zur Identität.

Leseansicht

Wir verstehen die Konzepte „Form“ und „Inhalt“ eines literarischen Werkes. Was ist das? Folgt das eine aus dem anderen und können sie ohne einander existieren?

In der Literaturtheorie werden die Begriffe „Form und Inhalt“ seit der Zeit der alten Griechen verwendet. Gleichzeitig sind „Form“ und „Inhalt“ in Bezug auf literarische Texte immer wieder umstritten. Die Formalisten waren davon überzeugt, dass der Begriff „Inhalt“ für die Literatur unnötig ist und „Form“ mit neutralem künstlerischem Lebensmaterial korreliert werden muss. Yu.M. Lotman schlug vor, traditionelle und seiner Meinung nach einseitige „dualistische“ Begriffe durch „monistische“ Begriffe „Struktur und Idee“ zu ersetzen. In derselben „strukturalistischen“ Ära kamen die Wörter „Zeichen und Bedeutung“ in die Literaturkritik und später „Text und Bedeutung“.

Wie auch immer, Form und Inhalt leben weiter, auch wenn sie oft in ironische Anführungszeichen gesetzt und mit den Worten „sogenannte“ vorangestellt werden. R. Welleck und O. Warren schrieben, dass die übliche Unterteilung eines Werks „in Inhalt und Form“ als „verwirrend für die Analyse und als eliminierungsbedürftig“ angesehen wird; Doch später wandten sich die Autoren stilistischen Besonderheiten zu und stellten fest, dass ein Literaturkritiker die Elemente eines Werkes isolieren und „Form und Inhalt, Gedankenausdruck und Stil“ voneinander trennen muss.

Es gibt auch andere logische Konstruktionen in der Literaturkritik. A.A. Potebnya charakterisierte drei Aspekte von Kunstwerken: äußere Form, innere Form, Inhalt (in Bezug auf die Literatur: Wort, Bild, Idee). R. Ingarden identifizierte vier Schichten bei der Komposition eines literarischen Werks: 1) den Klang der Sprache; 2) die Bedeutung von Wörtern; 3) die Ebene der abgebildeten Objekte; 4) die Ebene der Objekttypen, ihr akustisches und visuelles Erscheinungsbild, wahrgenommen aus einem bestimmten Blickwinkel. Der Mehrebenenansatz hat auch in der Hauswirtschaft seine Befürworter.

Der deutsche Philosoph N. Hartmann argumentierte, dass Werke in ihrer Struktur zwangsläufig vielschichtig seien, aber „in der Art des Seins“ seien sie „unerschütterlich zweischichtig“: Ihr Vordergrund sei materiell-sinnliche Objektivität (Bildlichkeit), der Hintergrund „spirituell“. Inhalt".

Betrachten wir die Zusammensetzung und Struktur eines literarischen Werks und legen dabei die traditionellen Konzepte von Form und Inhalt zugrunde.

Form und Inhalt sind philosophische Kategorien, die in verschiedenen Wissensgebieten Anwendung finden. In der antiken Philosophie stand Form im Gegensatz zur Materie. Letzteres galt als chaotisch, der Verarbeitung unterworfen, wodurch geordnete Objekte entstehen, die Formen sind. Es stellte sich heraus, dass die Bedeutung des Wortes „Form“ der Bedeutung der Wörter „Essenz“, „Idee“ nahe kam.

„Jede wahre Form“, schrieb Aug. Schlegel ist organisch, also durch den Inhalt des Kunstwerks bestimmt. Mit einem Wort, Form ist nichts anderes als Vollwert Die Erscheinung ist die Physiognomie jedes Dings, ausdrucksstark und nicht durch irgendwelche zufälligen Zeichen verzerrt, die wirklich von seinem verborgenen Wesen zeugt.“

Mit anderen Worten: Ein wirklich künstlerisches Werk schließt die Möglichkeit einer inhaltlich neutralen Neugestaltung aus. Bearbeiten Sie Gogols Worte „Wunderbar ist der Dnjepr bei ruhigem Wetter“: „Der Dnjepr ist wunderbar bei ruhigem Wetter“, und der Charme von Gogols Landschaft verschwindet. Laut Blok drückt sich die spirituelle Struktur des Dichters in allem aus, bis hin zu den Satzzeichen. Und zwar nach der Formulierung einiger Wissenschaftler zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Bei Kunstwerken spielt eine sinnvoll ausgefüllte Form eine entscheidende Rolle.

Die russische Literaturkritik sagt, dass die künstlerische Form ohne ihre Korrelation mit dem Inhalt keinen Sinn habe. Das wichtigste Prinzip künstlerische Tätigkeit: Installation zur Einheit von Inhalt und Form in den geschaffenen Werken. Die Einheit von Form und Inhalt macht das Werk organisch integral, als wäre es ein Lebewesen, geboren und nicht mechanisch konstruiert.

In einem Kunstwerk sind also formal-inhaltliche und tatsächlich-inhaltliche Prinzipien zu unterscheiden. Als Teil der den Inhalt tragenden Form gibt es drei Seiten, die in jedem literarischen Werk notwendigerweise vorhanden sind. Dies ist zum einen das subjektvisuelle Prinzip, jene Phänomene und Tatsachen, die mit Hilfe von Worten angedeutet werden und zusammen die Welt eines Kunstwerks ausmachen. Zweitens das verbale Gefüge des Werkes: künstlerische Sprache, oft bezeichnet mit den Begriffen „poetische Sprache“, „Stilistik“, „Text“. Und drittens ist dies die Korrelation und Anordnung in der Arbeit von Einheiten der objektiven und verbalen „Reihe“, d.h. Komposition.

Die Identifizierung von drei Hauptseiten im Werk geht auf die antike Rhetorik zurück. Es wurde festgestellt, dass der Redner: 1) Material finden muss (d. h. ein Thema auswählen, das präsentiert und durch die Rede charakterisiert werden soll); 2) dieses Material irgendwie arrangieren (konstruieren); 3) Übersetzen Sie es in Worte, die beim Publikum den richtigen Eindruck hinterlassen.

Einen besonderen Platz im Werk nimmt die Inhaltsebene ein. Es kann zu Recht nicht als eine weitere (vierte) Seite des Werkes beschrieben werden, sondern als dessen Inhalt. Künstlerischer Inhalt stellt die Einheit objektiver und subjektiver Prinzipien dar. Dies ist die Gesamtheit dessen, was von außen auf den Autor zukam und ihm bekannt war, und was von ihm zum Ausdruck gebracht wurde und aus seinen Ansichten, seiner Intuition und seinen Eigenschaften stammt.

Der Begriff „Inhalt“ (künstlerischer Inhalt) ist fast gleichbedeutend mit den Wörtern „Konzept“ (oder „Konzept des Autors“), „Idee“, „Bedeutung“, „letzte semantische Autorität“. Künstlerischer Inhalt verkörpert sich nicht in einzelnen Wörtern und Phrasen, sondern in der Gesamtheit des Textes. Yu.M. Lotman: „Die Idee ist nicht in irgendwelchen, auch nicht gut gewählten Zitaten enthalten, sondern kommt in der gesamten künstlerischen Struktur zum Ausdruck. Ein Forscher, der dies nicht versteht und in einzelnen Zitaten nach Ideen sucht, ist wie jemand, der, nachdem er erfahren hat, dass ein Haus einen Plan hat, beginnen würde, die Mauern niederzureißen auf der Suche nach dem Ort, an dem dieser Plan zugemauert ist. Der Plan ist nicht in die Wände eingemauert, sondern wird in den Proportionen des Gebäudes umgesetzt. Der Plan ist die Idee des Architekten, die Struktur des Gebäudes ist seine Umsetzung.“

18. August 2016

Illustration für: Form und Inhalt eines literarischen Werkes

Die Existenzform der Kunst ist ein Kunstwerk (Kunstwerk) als ein System künstlerischer Bilder, die ein Ganzes bilden. Es stellt eine spirituelle und materielle Realität dar, die als Ergebnis menschlicher schöpferischer Bemühungen entstanden ist, einen ästhetischen Wert, der künstlerischen Kriterien entspricht. Ein Kunstwerk in figurativer, symbolischer Form spiegelt sowohl die objektive Realität als auch die subjektive Welt des Künstlers, seine Weltanschauung, Erfahrungen, Gefühle, Ideen wider. Das Mittel, all diese Vielfalt auszudrücken, ist eine einzigartige Sprache der Kunst. „Ein Kunstwerk ist eine vollständige, in sich ruhende und für sich existierende Wirkung und stellt diese als eigenständige Realität der Natur gegenüber.“ In einem Kunstwerk existiert die Form des Seins nur als Realität der Beeinflussung. Ein Kunstwerk, das die Natur als Beziehung zwischen motorischen Richtungen und visuellen Eindrücken wahrnimmt, ist von allem Veränderlichen und Zufälligen befreit.“

Eines der wichtigsten Prinzipien künstlerischen Schaffens und der Existenz eines Kunstwerks ist das Prinzip der Einheit von Form und Inhalt. Der Kern dieses Prinzips besteht darin, dass die Form eines Kunstwerks organisch mit dem Inhalt verbunden ist und von ihm bestimmt wird und der Inhalt nur in einer bestimmten Form erscheint.

Künstlerische Form (von lateinisch forma - Aussehen) - die Struktur eines Kunstwerks, seine Interne Organisation, die ganze Bandbreite der Ausdrucksmittel. Wird sie mit den visuellen und ausdrucksstarken Mitteln einer bestimmten Kunstgattung zum Ausdruck künstlerischer Inhalte geschaffen, gibt die Form stets an, mit welchen Mitteln der Inhalt in einem Kunstwerk vermittelt wird. Der Inhalt ist laut L.S. Vygotsky alles, was der Autor als fertig ansah, was vor der Geschichte existierte und außerhalb und unabhängig davon existieren kann. Inhalt ist ein notwendiges konstitutives Moment eines ästhetischen Gegenstandes. M. M. Bakhtin schrieb in seinem Werk „Das Problem von Inhalt, Material und Form im verbalen künstlerischen Schaffen“: „Die Realität der Erkenntnis und des ästhetischen Handelns, die in ihrer Erkennung und Bewertung im ästhetischen Objekt enthalten ist und hier einer spezifischen intuitiven Vereinheitlichung unterliegt.“ , Individualisierung, Konkretisierung, Isolation und Vervollständigung, d.h. „Umfassende künstlerische Gestaltung unter Verwendung von Material nennen wir den Inhalt eines ästhetischen Objekts.“ Mit anderen Worten: Inhalte sind alle künstlerisch reflektierten Phänomene der Wirklichkeit in ihrem bewertenden Verständnis.

Die Abhängigkeit der Form vom Inhalt des Werkes drückt sich darin aus, dass ersteres ohne letzteres nicht existiert. Der Inhalt repräsentiert die innere Bedeutung einer bestimmten Form, und die Form repräsentiert den Inhalt in seiner unmittelbaren Existenz.

Der Kontrast zwischen Inhalt und Form ist vor allem für die kreative Phase charakteristisch, d. h. für ihre gegenseitige, gegenseitige Bildung, wenn der Künstler begreift, was er in einem Kunstwerk ausdrücken möchte, und danach sucht ausreichende Mittel. Bei einem fertigen Kunstwerk müssen Form und Inhalt unbedingt eine untrennbare, harmonische Einheit bilden.

Wenn man von der Einheit von Inhalt und Form spricht, sollte man die Bedeutung der künstlerischen Form als Ausdruckskraft nicht unterschätzen. Es ist kein Zufall, dass in der europäischen philosophischen Tradition seit der Zeit des Aristoteles unter Form das spezifische Prinzip einer Sache, ihr Wesen und ihre Bedeutung verstanden wird treibende Kraft. Der Inhalt eines Kunstwerks wird durch seine Umsetzung in künstlerische Form emotional erfahrbar und erhält ästhetische Bedeutung, wodurch der Inhalt aktiv beeinflusst wird. Es kann zu einer möglichst vollständigen und überzeugenden Offenlegung des Inhalts beitragen, kann aber auch seinen Ausdruck beeinträchtigen, die Wirkungskraft und damit die Wahrnehmung schwächen.

Wenn Sie ein Kunstwerk sorgfältig analysieren, können Sie leicht feststellen, dass alle seine Elemente in formale und inhaltliche Elemente unterteilt werden können. Zu den Inhaltselementen eines Kunstwerks gehören Thema, Konflikt, Idee, Charaktere, Handlung, Handlung. Zu den formalen Elementen eines Kunstwerks gehören Komposition, Genre, Sprache und Rhythmus. Die Besonderheit der künstlerischen Sprache verschiedener Kunstgattungen bestimmt die für sie entscheidende Bedeutung einzelner Formelemente: in der Musik – Melodie, in der Malerei – Farben, in der Grafik – Zeichnung usw. Die Form der Arbeit muss eine innere Einheit aufweisen. Harmonie und Verhältnismäßigkeit seiner Elemente sind eine notwendige Voraussetzung für die Vollständigkeit, Vollkommenheit und Schönheit eines Kunstwerks.

Die Idee repräsentiert die grundlegende figurative und ästhetische Bedeutung. Eine künstlerische Idee ist immer originell und einzigartig. Es kann philosophische, politische, wissenschaftliche und andere Ideen umfassen, ist aber nicht ausschließlich darauf beschränkt. Die Struktur des Werkes ist sehr reichhaltig und vereint diese beiden Ideen und den ganzen Reichtum der ästhetischen Vision der Welt. Kunst interessiert sich nicht nur für Politik, Philosophie, Wissenschaft, sondern auch für das gesamte System der Beziehung eines Menschen zur Welt, zu anderen Menschen, zu sich selbst. Diese in der Kunst reflektierten Zusammenhänge erweisen sich als komplexer und reicher als das System der tiefsten Ideen. Öffnen wir Richard Bachs erstaunliche philosophische Erzählung „Jonathan Livingston Seagull“ und wir werden darin eine Menge finden philosophische Ideen: moralische und körperliche Verbesserung, Suche nach dem Sinn des Lebens und Mentoring, Einsamkeit und Exil, Tod und Auferstehung. Aber die Bedeutung dieses kleinen Werkes ist umfassender als jede dieser Ideen: Darin offenbart sich im Bild einer Möwe das Wesen einer ruhelosen und ruhelosen Menschenseele, das ewige Streben des Menschen nach Wissen, nach Vollkommenheit, nach der Suche nach dem Wahren Sinn des Lebens wird gezeigt:

„Und je mehr Jonathan die Lektionen der Freundlichkeit lernte, je klarer er die Natur der Liebe erkannte, desto mehr wollte er zur Erde zurückkehren. Denn trotz seines einsamen Lebens wurde Jonathan Seagull als Lehrer geboren. Er sah, was für ihn wahr war, und er konnte die Liebe nur verwirklichen, indem er sein Wissen über die Wahrheit jemand anderem offenbarte – jemandem, der suchte und nur eine Chance brauchte, die Wahrheit selbst zu entdecken.

Einen besonderen Platz in einem literarischen Werk nimmt die Inhaltsebene selbst ein. Es kann zu Recht nicht als eine weitere (vierte) Seite des Werkes beschrieben werden, sondern als dessen Inhalt. Künstlerischer Inhalt stellt die Einheit objektiver und subjektiver Prinzipien dar. Dies ist die Gesamtheit dessen, was von außen auf den Autor zukam und ihm bekannt war (ca Themen Kunst siehe S. 40–53) und was von ihm zum Ausdruck gebracht wird und aus seinen Ansichten, Intuitionen, Persönlichkeitsmerkmalen hervorgeht (zu künstlerischer Subjektivität siehe S. 54–79).

Der Begriff „Inhalt“ (künstlerischer Inhalt) ist mehr oder weniger synonym mit den Wörtern „Konzept“ (oder „Konzept des Autors“), „Idee“, „Bedeutung“ (in M.M. Bakhtin: „die letzte semantische Autorität“). W. Kaiser, der die thematische Ebene des Werkes (Gnhalt), seine Sprache (Sprachliche Formen) und seine Komposition (Afbau) als die Hauptebene charakterisiert Konzepte der Analyse, benannte den Inhalt (Gehalt) das Konzept der Synthese. Künstlerischer Inhalt ist in der Tat der synthetisierende Anfang eines Werkes. Dies ist ihre tiefe Grundlage, die den Zweck (die Funktion) der Form als Ganzes ausmacht.

Künstlerischer Inhalt wird nicht in einzelnen Wörtern, Phrasen, Phrasen verkörpert (materialisiert), sondern in der Gesamtheit dessen, was im Werk vorhanden ist. Wir stimmen Yu.M. zu. Lotman: „Die Idee ist nicht in irgendwelchen, auch nicht gut gewählten Zitaten enthalten, sondern kommt in der gesamten künstlerischen Struktur zum Ausdruck. Ein Forscher, der dies nicht versteht und in einzelnen Zitaten nach Ideen sucht, ist wie jemand, der, nachdem er erfahren hat, dass ein Haus einen Plan hat, beginnen würde, die Mauern niederzureißen auf der Suche nach dem Ort, an dem dieser Plan zugemauert ist. Der Plan ist nicht in die Wände eingemauert, sondern wird in den Proportionen des Gebäudes umgesetzt. Der Plan ist die Idee des Architekten, die Struktur des Gebäudes ist seine Umsetzung.“

Thema. Erstens beziehen sich Themen auf die wesentlichsten Komponenten der künstlerischen Struktur, Aspekte der Form und unterstützende Techniken. In der Literatur sind das Bedeutungen Schlüsselwörter, was von ihnen aufgezeichnet wird. In dieser terminologischen Tradition liegt das Thema näher (wenn nicht identifiziert). Motiv. Dies ist ein aktiver, hervorgehobener, akzentuierter Bestandteil des künstlerischen Gewebes. Eine andere Bedeutung des Begriffs „Thema“ ist für das Verständnis des kognitiven Aspekts der Kunst wesentlich: Sie geht auf die theoretischen Experimente des letzten Jahrhunderts zurück und wird nicht mit strukturellen Elementen, sondern direkt mit dem Wesen des gesamten Werkes in Verbindung gebracht. Das Thema als Grundlage eines künstlerischen Schaffens ist alles, was zum Gegenstand des Interesses, Verständnisses und der Bewertung des Autors geworden ist (das Thema Liebe, Tod, Revolution). „Ein Thema ist eine bestimmte Haltung, der alle Elemente eines Werkes untergeordnet sind, eine bestimmte im Text verwirklichte Absicht.“

Künstlerische Themen sind komplex und vielschichtig. Auf theoretischer Ebene ist es legitim, es als eine Kombination aus drei Prinzipien zu betrachten. Dies sind erstens ontologische und anthropologische Universalien, zweitens lokale (manchmal sehr großräumige) kulturelle und historische Phänomene, drittens die Phänomene des individuellen Lebens (vor allem des Autors) in ihrem Eigenwert.

Pathos entspringt der Weltanschauung des Künstlers, seinen hohen gesellschaftlichen Idealen, seinem Wunsch, die akuten sozialen und moralischen Probleme unserer Zeit zu lösen (nach Belinsky). Er sah die Hauptaufgabe der Kritik darin, durch die Analyse eines Werkes dessen Pathos zu bestimmen. Aber nicht jedes Kunstwerk hat Pathos. Es existiert beispielsweise nicht in naturalistischen Werken, die die Realität kopieren und frei von tiefgreifenden Problemen sind. Das Lebensgefühl des Autors steigert sich in ihnen nicht zum Pathos.

Der Inhalt des Pathos in einem Werk mit historisch wahrhaftiger ideologischer Ausrichtung hat zwei Quellen. Es hängt sowohl von der Weltanschauung des Künstlers als auch von den objektiven Eigenschaften jener Lebensphänomene (jener Charaktere und Umstände) ab, die der Autor erkennt, bewertet und wiedergibt. Aufgrund ihrer erheblichen Unterschiede weisen das Pathos der Affirmation und das Pathos der Negation in der Literatur auch mehrere Spielarten auf. Das Werk kann heroisch, tragisch, dramatisch, sentimental und romantisch sein, aber auch humorvoll, satirisch und andere Arten von Pathos.

In einem Kunstwerk dominiert je nach Thema manchmal eine Art von Pathos oder es findet sich eine Kombination seiner verschiedenen Arten.

Heroisches Pathos enthält eine Bestätigung der Größe der Leistung eines Einzelnen und eines ganzen Teams, ihrer enormen Bedeutung für die Entwicklung eines Volkes, einer Nation und der Menschheit. Gegenstand des heroischen Pathos in der Literatur ist der Heroismus der Realität selbst – die aktive Aktivität der Menschen, dank derer große nationale Fortschrittsaufgaben erfüllt werden.

Theater in der Literatur entsteht, wie auch das Heldentum, durch Widersprüche wahres Leben Menschen - nicht nur öffentlich, sondern auch privat. Solche Lebenssituationen sind dramatisch, wenn besonders wichtige öffentliche oder persönliche Bestrebungen und Forderungen von Menschen und manchmal sogar ihr Leben durch äußere, von ihnen unabhängige Kräfte mit Niederlage und Tod bedroht sind. Solche Situationen rufen entsprechende Erlebnisse in der menschlichen Seele hervor – tiefe Ängste und Leid, starke Angst und Anspannung. Diese Erfahrungen werden entweder durch das Bewusstsein, Recht zu haben und die Entschlossenheit zu kämpfen, abgeschwächt oder sie führen zu Hoffnungslosigkeit und Verzweiflung.

Tragödie Reale Lebenssituationen und die dadurch hervorgerufenen Erfahrungen sollten im Hinblick auf Ähnlichkeit und gleichzeitig Kontrast zum Drama betrachtet werden. In einer tragischen Situation erleben Menschen tiefe psychische Anspannung und Ängste, die oft sehr schweres Leid verursachen. Aber diese Aufregung und dieses Leid werden nicht nur durch Kollisionen mit einigen erzeugt äußere Kräfte Sie bedrohen die wichtigsten Interessen, manchmal sogar das Leben von Menschen, und rufen Widerstand hervor, wie es in dramatischen Situationen der Fall ist. Die Tragik der Situation und Erfahrungen liegt vor allem in den inneren Widersprüchen und Kämpfen, die im Bewusstsein und in der Seele der Menschen entstehen.

Satirisches Pathos- Dies ist die kraftvollste und schärfste, empört-spöttische Ablehnung bestimmter Wächter öffentliches Leben. Eine satirische Beurteilung sozialer Charaktere ist nur dann überzeugend und historisch wahrheitsgetreu, wenn diese Charaktere einer solchen Haltung würdig sind, wenn sie Eigenschaften haben, die bei Schriftstellern eine negative, spöttische Haltung hervorrufen. Nur in diesem Fall wird der Spott, ausgedrückt in künstlerischen Werkbildern, Verständnis und Sympathie bei Lesern, Zuhörern und Zuschauern hervorrufen. Solch eine objektive Eigenschaft Menschenleben Was ihr gegenüber eine spöttische Haltung hervorruft, ist ihre Komik.

Humorvolle Einstellung Ihre Lebensauffassung war für sie lange Zeit nicht von einer satirischen Haltung zu unterscheiden. Erst in der Epoche der Romantik erkannten Literaturkritiker und Vertreter des ästhetischen und philosophischen Denkens darin eine besondere Art von Pathos. Humor entsteht wie Satire im Prozess der Verallgemeinerung des emotionalen Verständnisses der komischen inneren Widersprüchlichkeit menschlicher Charaktere – der Diskrepanz zwischen der realen Leere ihrer Existenz und subjektiven Bedeutungsansprüchen. Humor ist wie Satire die spöttische Haltung von Menschen gegenüber solchen Charakteren, die ihre inneren Widersprüche verstehen können. Humor ist das Lachen über relativ harmlose komische Widersprüche, oft verbunden mit Mitleid mit Menschen, die diese Komik an den Tag legen.

Sentimentales Pathos- Dies ist emotionale Zärtlichkeit, die durch das Bewusstsein moralischer Tugenden in den Charakteren von Menschen verursacht wird, die sozial gedemütigt sind oder mit einem unmoralisch privilegierten Umfeld in Verbindung gebracht werden. In literarischen Werken hat die Sentimentalität sowohl eine de- als auch eine affirmative Ausrichtung.

So wie die Tragik von Situationen und Erfahrungen im Zusammenhang mit dem Drama betrachtet werden sollte, so ist es auch romantisches Pathos muss im Verhältnis zum Sentimentalen betrachtet werden – durch Ähnlichkeit und zugleich durch Kontrast. Allgemeine Eigenschaften Romantik und Sentimentalität sind darauf zurückzuführen, dass sie auf einem hohen Entwicklungsstand des emotionalen Selbstbewusstseins der menschlichen Persönlichkeit, der Reflexionsfähigkeit ihrer Erfahrungen, beruhen. Sentimentalität ist ein Spiegelbild der Zärtlichkeit, gerichtet an eine veraltete, verblassende Lebensweise mit ihrer Einfachheit und moralischen Integrität von Beziehungen und Erfahrungen. Romantik- Dies ist eine reflektierende spirituelle Begeisterung, die an das eine oder andere erhabene „überpersönliche“ Ideal und seine Inkarnationen gerichtet ist.

1. Künstlerische Form und ihre Zusammensetzung.

Als Teil der Form, die den Inhalt trägt, gibt es traditionell solche drei Seiten, muss in jedem literarischen Werk vorhanden sein.

• Thema(objektvisuell) Start, all jene einzelnen Phänomene und Tatsachen, die mit Worten bezeichnet werden und in ihrer Gesamtheit konstituieren Welt Kunstwerk (es gibt auch Ausdrücke „poetische Welt“, „ Innere„Werke, „direkter Inhalt“).
• Das eigentliche verbale Gefüge der Arbeit: künstlerische Rede, oft erfasst durch die Begriffe „poetische Sprache“, „Stilistik“, „Text“.
• Die Korrelation und Lage in der Arbeit von Einheiten der objektiven und verbalen „Reihe“, d.h. Komposition. Dieses literarische Konzept ähnelt einer solchen Kategorie der Semiotik wie der Struktur (der Beziehung zwischen den Elementen eines komplex organisierten Objekts).

Die Identifizierung seiner drei Hauptseiten im Werk geht auf die antike Rhetorik zurück. Es wurde wiederholt darauf hingewiesen, dass der Redner: 1) Material finden muss (d. h. ein Thema auswählen, das präsentiert und durch die Rede charakterisiert werden soll); 2) dieses Material irgendwie arrangieren (konstruieren); 3) Übersetzen Sie es in Worte, die beim Publikum den richtigen Eindruck hinterlassen. Dementsprechend verwendeten die alten Römer die Begriffe Erfindung(Erfindung von Gegenständen), dispositio(ihre Lage, Konstruktion), elocutio(Dekoration, was einen hellen verbalen Ausdruck bedeutete).

Die theoretische Literaturkritik, die ein Werk charakterisiert, konzentriert sich in manchen Fällen mehr auf seine subjektverbale Komposition (R. Ingarden mit seinem Konzept der „Mehrebene“), in anderen auf kompositorische (strukturelle) Momente, die für das Formale charakteristisch waren Schule und noch mehr des Strukturalismus. Ende der 20er Jahre G.N. Pospelov, der der Wissenschaft seiner Zeit weit voraus war, stellte fest, dass das Thema der theoretischen Poetik zweifach Charakter: 1) „einzelne Eigenschaften und Aspekte“ von Werken (Bild, Handlung, Beiname); 2) „Zusammenhang und Beziehungen“ dieser Phänomene: die Struktur des Werkes, seine Struktur. Inhaltlich sinnvolle Form, wie Sie sehen, ist vielfältig. Gleichzeitig ist das Subjekt-Verbal Verbindung Werke und seine Konstruktion(kompositionelle Organisation) sind untrennbar, gleichwertig und gleichermaßen notwendig.

1. Die künstlerische Welt des Werkes. Bestandteile und Motivdetails des Bildes: Landschaft, Innenraum. Charakter. Psychologie. Die Rede der Figur als Gegenstand künstlerischer Darstellung. Zeichensystem.

Die Welt des literarischen Schaffens alles andere als identisch Welt des Schriftstellers, was vor allem die Bandbreite der Ideen, Vorstellungen und Bedeutungen umfasst, die es zum Ausdruck bringt. Wie Sprachgewebe und Komposition ist die Welt eines Werkes eine Verkörperung, ein Träger künstlerischen Inhalts (Bedeutung), ein Notwendiges bedeutet seine Zustellung an den Leser. Dies wird in ihm durch Sprache und unter Beteiligung der Fiktion nachgebildet. Objektivität. Es umfasst nicht nur materielle Daten, sondern auch die Psyche, das Bewusstsein eines Menschen und vor allem ihn selbst als geistig-körperliche Einheit. Die Werkwelt stellt sowohl „materielle“ als auch „persönliche“ Realität dar. In literarischen Werken sind diese beiden Prinzipien ungleich: Im Zentrum steht nicht die „tote Natur“, sondern eine lebendige, menschliche, persönliche Realität (wenn auch nur potentiell).

Die Welt eines Werkes stellt einen integralen Aspekt seiner Form (natürlich seines Inhalts) dar. Es liegt sozusagen zwischen dem eigentlichen Inhalt (Bedeutung) und dem verbalen Gefüge (Text).

Bei der Komposition eines literarischen Werkes werden zwei Semantiken unterschieden: der eigentliche sprachliche, sprachliche, konstituierende Bereich der durch Worte bezeichneten Gegenstände und der tiefe, eigentliche künstlerische, also der Bereich der vom Autor erfassten Essenzen und Bedeutungen von ihm geprägt.

Das Konzept der „künstlerischen Welt eines Werkes“ (manchmal auch „poetisch“ oder „innerlich“ genannt) wurde von D.S. begründet. Likhachev. Die wichtigsten Eigenschaften der Welt eines Werkes sind seine Nichtidentität mit der primären Realität, die Beteiligung der Fiktion an seiner Entstehung, die Verwendung nicht nur lebensechter, sondern auch konventioneller Darstellungsformen durch Autoren. In einem literarischen Werk gelten besondere, streng künstlerische Gesetze.

Die Welt eines Werkes ist eine künstlerisch erarbeitete und verwandelte Realität. Er ist vielfältig. Am meisten große Einheiten verbale und künstlerische Welt – die Charaktere, aus denen das System besteht, und die Ereignisse, aus denen die Handlungen bestehen. Die Welt umfasst darüber hinaus das, was man mit Recht nennen kann Komponenten Darstellung (künstlerische Objektivität): Verhaltensweisen von Charakteren, Merkmale ihres Aussehens (Porträts), mentale Phänomene sowie Tatsachen des Lebens um die Menschen (Dinge, die in Innenräumen präsentiert werden; Naturbilder – Landschaften). Gleichzeitig erscheint künstlerisch erfasste Objektivität sowohl als eine durch Worte bezeichnete nonverbale Existenz als auch als Sprachaktivität in Form von Aussagen, Monologen und Dialogen, die jemandem gehören. Ein kleines und unteilbares Element künstlerischer Objektivität ist schließlich das Individuum Einzelheiten(Details) dessen, was dargestellt wird, werden von Autoren manchmal deutlich und aktiv hervorgehoben und erlangen eine relativ eigenständige Bedeutung.