1. Wie Disney zum Künstler wurde

Der Kanonendonner an den Fronten des Ersten Weltkriegs war verstummt und amerikanische Soldaten kehrten aus Europa heim. Unter ihnen war ein unauffälliger, einfacher Typ, Walter Disney, einer von vielen, die direkt von der Schule an die Front rekrutiert wurden. Aufgrund seines Alters wurde er nicht sofort in den Schützengraben gefahren, sondern zunächst ans Steuer eines Krankenwagens gesetzt. Disney ist nie in den Fleischwolf geraten. Und jetzt machte er sich, wie die meisten anderen, Sorgen um seine Zukunft. Er musste einen Job finden, seinen Lebensweg bestimmen ... Er hatte einen Vorteil gegenüber vielen anderen. Sein Vater, Elias Disney, war Anteilseigner eines kleinen Fruchtgelee-Herstellers in Chicago. Es würde immer einen bescheidenen, aber sicheren Ort für ihn geben. Aber Walt suchte andere Wege. Er hatte sich bereits mit der Herstellung von Gelee vertraut gemacht und wollte kein Leben darauf aufbauen.

Das Leben in der Disney-Familie, die aus irischen Einwanderern stammte, war immer ein Kampf ums Überleben. Elias erlangte seinen dürftigen Wohlstand, als seine Söhne erwachsen wurden und ihr eigenes Leben führten. Er war Zimmermann, wurde Bauunternehmer und erwarb dann einen Bauernhof, konnte aber der harten Konkurrenz auf dem Markt nicht standhalten. Der Hof kam unter den Hammer. Dennoch gelang es Elias, etwas Geld zu sparen. Er investierte sie in die Provinzzeitung „Star“ mit zweitausend Abonnenten, die in Kansas City erscheint. Anschließend fand er die Geleeproduktion profitabler und ruhiger und zog nach Chicago.

Walt, der jüngste in der Familie, war seit seiner Kindheit berufstätig. In Kansas City musste ich um drei Uhr morgens aufstehen, damit ich zusammen mit meinem fast zehn Jahre älteren älteren Bruder Roy die Zeitung an die Abonnenten ausliefern konnte und nicht zu spät zur Schule kam. Tagsüber gab es manchmal gelegentliche Arbeit, daher wusste er genau, wie wertvoll die Zeit ist.

Als Walt nach Chicago zog, begann er als Helfer in einer Geleefabrik zu arbeiten, wo er Kisten festnagelte, Gläser wusch und Apfelmus rührte. Er freute sich sehr, als sich die Gelegenheit ergab, eine feste Anstellung als Nachtwächter anzunehmen.

Diese Position passte zu Walt. Sie gab ihm die Möglichkeit, Zeichnen zu lernen. Schon in jungen Jahren fühlte er sich zum Zeichnen hingezogen. Er zeichnete Tiere auf der Farm seines Vaters. Dies: Es gefiel ihm am besten und er war gut darin. Im Alter von acht Jahren verdiente er sich die erste Nickelmünze seines Lebens, indem er den Lieblingshengst des Dorfarztes zeichnete. Schon damals waren seine Liebe und sein unerschöpfliches Interesse an Tieren offensichtlich. Als Kind bastelte er mit streunenden Hunden, Vögeln und verschiedenen Tieren. Und nachdem er erwachsen geworden war und Wohlstand erreicht hatte, stimmte er nie zu, Schädlinge zu vernichten, wenn Eichhörnchen, Maulwürfe und Hasen Beeren und Früchte im Garten fraßen.

Sie haben das Recht dazu! - sagte er mit Überzeugung. - Wir können alles kaufen, was wir brauchen, aber sie haben kein Geld!

Trotzdem musste ich ziemlich viel lernen. In Kansas City gelang es ihm am Art Institute, sich die grundlegendsten Kenntnisse und Fähigkeiten des Zeichnens aus Gips anzueignen. In Chicago studierte er fleißig an der Academy of Fine Arts, wo ihm das Aktzeichnen beigebracht wurde. Die klangvollen Namen „Institut“ und „Akademie“ waren nur schöne Zeichen für gewöhnliches Privates Bildungsinstitutionen und leistete keinen Beitrag zur Kunstgeschichte. Für Disney war das jedoch egal. Nur um die Fähigkeit zum Zeichnen zu erlernen und ein professioneller Künstler zu werden! Das Hauptziel alles gehorchte. Machen Sie das Beste aus jeder Minute, seien Sie der Erste im Unterricht und der Letzte, der geht ...

Es gelang ihm auch, Kurse für Zeitungskarikaturisten unter der Leitung berühmter Karikaturisten der weit verbreiteten Chicagoer Zeitungen Tribune und Record zu belegen. Dies erwies sich als das Wichtigste, da hier seine künstlerischen Neigungen zum Ausdruck kamen. Eine klare, einprägsame, prägnante und sehr ausdrucksstarke, witzige Zeichnung – das ist für ihn der reizvollste Bereich künstlerischer Arbeit!

Walt studierte nur etwa ein Jahr. Dann ging er nach vorne. In Frankreich gelang es ihm jedoch, viele interessante Skizzen anzufertigen, so dass seine Zeit dort nicht ohne Nutzen war. Und als er zurückkam, beschloss er, eine bescheidene, aber zuverlässige Position in der Gelee-Produktion aufzugeben.

Elias glaubte, dass man sich im Leben mit dem Richtigen versorgen muss. Malen? Aber das ist leichtfertig, riskant und überhaupt keine große Sache. Ja, er wollte, dass seine Söhne gebildet und kultiviert waren und in der Lage waren, etwas zu spielen Musikinstrument, zeichnen Sie zum Spaß oder vielleicht sogar geschäftlich. Als er als Bauunternehmer arbeitete, mangelte es ihm stark an zeichnerischen Fähigkeiten. Er war immer bereit, von seinen bescheidenen Mitteln ein paar Dollar auszugeben, damit die Jungen etwas lernen konnten. Er gab den Filmen sogar bereitwilliger etwas zurück, als sie ihm sagten, dass sie „etwas Lehrreiches“ zeigten. Aber sein ganzes Leben lang Bilder zeichnen... Das ist nicht respektabel!

Walt wusste mit ausreichender Nüchternheit, dass er nicht mit Stellenangeboten angegriffen werden würde. Sie müssen beharrlich danach suchen und sich mit zumindest unbedeutenden Möglichkeiten zufrieden geben. Er hat nicht versucht, in Chicago zu starten. Die Stadt ist zu groß, die Konkurrenz hier ist eindeutig zu groß für ihn. Kansas City schien geeigneter zu sein. Da hatte er eine Chance: die Star-Zeitung. Sie wurde immer noch als „eine von uns“ wahrgenommen. Dort war er als Sohn eines der Vorbesitzer bekannt. Während er als Zeitungszusteller arbeitete, hing er ständig in der Kunstabteilung herum und träumte davon, einen Platz am Tisch des Zeichners einzunehmen ... Wer weiß, vielleicht gelingt ihm das jetzt? Er hat etwas gelernt, aber wie viel braucht eine Provinzzeitung? Darüber hinaus lebte sein Bruder Roy, ein Kriegsinvalide, weiterhin in Kansas City. Er arbeitete als Angestellter in einer Bank.

Disney hatte keine Ahnung, welche Veränderungen bei der Zeitung aus Kansas im vergangenen Jahr stattgefunden hatten. Es entwickelte sich zu einer großen, populären Zeitung mit einer beträchtlichen Auflage. Neue Leute kamen und machten sie unkenntlich.

Man erinnerte sich nicht an Walt und nur wenige der ursprünglichen Mitarbeiter blieben übrig.

In der Kunstabteilung wurde er höflich, aber kühl begrüßt. Nein, leider gibt es keine Arbeit für ihn

wird es geben... Die erste Hoffnung auf einen künstlerischen Job zerplatzte sofort!

In der traditionellen Propaganda Amerikanisches Bild Im Leben ist es üblich zu sagen, dass in den USA jeder Millionär und Präsident werden kann. Wer dieses beneidenswerte Ziel erreichen möchte, beginnt am besten eine Karriere als Zeitungsmann, Schuhputzer oder Lieferjunge. Diese einfachen Berufe erfordern keine besondere Vorbereitung und eröffnen günstige Möglichkeiten, Menschen kennenzulernen, die in der Lage sind, eine „goldene Chance“ im Leben zu schaffen, eine glückliche Chance für eine Schicksalswende, Wohlstand zu erreichen.

Walt war sich dessen wahrscheinlich bewusst. Übrigens wird er selbst jetzt in derselben traditionellen Propaganda als Beispiel für das Schicksal eines typischen Amerikaners dargestellt, eines „Selbstmems“, eines Mannes, der „sich selbst gemacht“ hat.

Nachdem Disney in der Kunstabteilung gescheitert war, erinnerte er sich an einen Hinweis am Eingang, dass die Zeitung Lieferjungen brauchte. Ohne zu zögern machte er sich auf den Weg ins Büro. Sie müssen einer der Mitarbeiter der Zeitung werden, und dann haben Sie vielleicht die glückliche Chance, sich zu beweisen und in die Kunstabteilung einzusteigen!

Der Büroangestellte, den er ansprach, musterte ihn kritisch von oben bis unten und fragte:

Was kannst du tun?

Disney war klar, dass die Fähigkeit zum Zeichnen ihm wahrscheinlich nicht helfen würde, und erwähnte nur die Rückkehr von der Front und die Arbeit als Fahrer. Der Sachbearbeiter war froh, den lästigen Besucher loswerden zu können:

Gehen Sie zur Transportabteilung, dort werden wahrscheinlich Arbeitskräfte benötigt!

Die Transportabteilung brauchte jedoch keine Arbeitskräfte, und Disney hörte zum ersten Mal eine Antwort, die er später nur allzu oft hören würde: „Hinterlassen Sie Ihre Adresse und kümmern Sie sich nicht darum.“ Wir rufen Sie selbst an.“ Natürlich waren die Erwartungen vergebens, niemand rief ihn an ...

Bald hatte Disney endlich eine „goldene Chance“. Allerdings war es überhaupt nicht aus Gold, nicht einmal vergoldet, und außerdem war es winzig. Aber dennoch – eine Chance, den ersten Schritt zu machen Lebensweg Künstler. Eine kleine Werkstatt, die künstlerische Gestaltungsdienstleistungen für ein Werbeunternehmen erbrachte, benötigte eine Hilfskraft. Walt zeigte seine Zeichnungen und wurde sofort mit einem sehr bescheidenen Gehalt von fünfzig Dollar im Monat für die Arbeit in dieser Werkstatt eingestellt.

Die Weihnachtsferien rückten näher. Es ist Neujahr und es gibt viel zu tun. Disney hat sein Bestes gegeben. Unterwegs beherrschte er ungewohnte technische Techniken zur Ausführung und Entwicklung von Zeichnungen für kommerzielle Zwecke. Die Zeichnung musste auffällig sein, Aufmerksamkeit erregen und den Werbezweck erfüllen. Dies ist erforderlich Spezielle Fähigkeit und spezifische Mittel. Der erste Job trug zum Erwerb einer Reihe beruflicher Fähigkeiten bei. Die Praxis lehrt am besten!

Aber nun war das Fieber vor den Feiertagen vorbei, es wurde ruhiger und Disney beschloss, sich eingehend mit allen Details der Spezialität zu befassen, der er beigetreten war. Er musste diese guten Absichten nicht in die Tat umsetzen. Ohne lange Erklärungen wurde ihm einfach mitgeteilt, dass seine Dienste nicht mehr benötigt würden! Offensichtlich wurde er so gerne angenommen, weil es darum ging, dringende Aufträge schnell und mit minimalen Kosten zu erfüllen. Die „Goldene Chance“ währte kaum anderthalb Monate...

Nach Disney wurde ein weiterer junger, fähiger Künstler, Yub Iwerks, mit dem er befreundet war, entlassen. Die Entlassung war ein schwerer Schlag für Yub. Er war unentschlossen, dumm und schlecht an den Kampf ums Dasein angepasst, der Kraft, Ausdauer und Einfallsreichtum erforderte. Disney war von Natur aus und aus Berufung ein Künstler, aber in gewisser Weise hatte er bereits die Merkmale eines Geschäftsmannes. Er ließ sich nicht nur von künstlerischen, sondern auch von geschäftlichen Ideen inspirieren. Wie Sie wissen, fließt unter einem liegenden Stein kein Wasser, insbesondere kein amerikanisches Wasser. Du musst aktiv sein! Es gelang ihm, einen genaueren Blick auf das Geschäft mit dem Zeichnen für Werbezwecke zu werfen, und er beschloss, zu versuchen, sich daran anzupassen. Wenn es gut läuft, wird es etwas für Yub geben, ein wahres Baby im Dschungel des American Way of Life.

Von diesem Tag an wurde Iwerks für viele Jahre Disneys Mitarbeiter und Assistent.

„Mein Partner und ich können das Artwork für Sie machen“, bot Walt dem Verlag freundlich an.

„Es tut mir leid, aber ich habe nicht die Fähigkeiten dafür“, antwortete der Verleger säuerlich.

Das war genau die Antwort, die Disney erwartet hatte.

„Geben Sie uns einen Platz für einen Tisch und verkünden Sie, dass Sie eine Kunstabteilung haben“, sagte er. „Dafür müssen Sie keinen einzigen Cent ausgeben.“

Der Verleger erkannte schnell die Möglichkeit, sein Geschäft auf Kosten anderer zu verbessern.

Ich habe auch Platz für zwei Tische. Und wer Anzeigen bestellt, darf sich nicht weigern, einen kleinen Aufpreis für die Dekoration seiner Anzeigen zu zahlen ...

Walt bat seine Eltern um etwas Geld für den Kauf von Materialien und richtete zunächst eine Kunstabteilung ein. Anschließend führte er eine umfassende Offensive gegen kleine Druckereien durch und beeinflusste mit verlockenden Angeboten von Dienstleistungen aus der Kunstabteilung, aus der sich sofort das Unternehmen „Disney-Iwerks, Commercial Artists“ entwickelte. Das Unternehmen nahm gerne alle Bestellungen für... entgegen.

Den Zeichentrickfilmen von Walt Disney zufolge haben alle klassischen Märchen ein Happy End. Dies ist eine Welt voller süßer sprechender Tiere gute Feen und die Liebe. Aber war das alles im Original? Tatsächlich beschrieben die Originalversionen derselben Geschichten, die von den Folkloristen Charles Perrault und den Brüdern Grimm sorgfältig gesammelt und aufgezeichnet wurden, viel dunklere und blutigere Ereignisse.

„Aschenputtel“ – ein blutiges Märchen
In der Disney-Version von Aschenputtel geht die Prinzessin, von ihrer Stiefmutter gemobbt, auf einen Ball und trifft dort den Prinzen, doch sie muss vor Mitternacht weglaufen und verliert ihren Pantoffel. Dann nimmt der Prinz diesen Schuh und probiert ihn für die in der Gegend lebenden Mädchen an. Er findet Aschenputtel, der der Schuh perfekt passt, und sie heiraten und leben glücklich bis ans Ende ihrer Tage.

In Charles Perraults Version von Aschenputtel befiehlt die Stiefmutter ihren beiden Töchtern, sich die Zehen abzuschneiden und Schuhe anzuziehen, als der Prinz bei Aschenputtels Haus ankommt. Ihr Trick funktioniert nicht und Aschenputtel bekommt sowohl den Prinzen als auch ein Happy End. Doch die Missgeschicke der Stiefschwestern der Hauptfigur enden nicht mit ihren abgeschnittenen Fingern: Während der Hochzeit picken ihnen Vögel die Augen aus.

„Dornröschen“ ist überhaupt keine Kindergeschichte
In der Disney-Version sticht sich die Prinzessin mit einer Spindel in den Finger und fällt in einen ewigen Schlaf. Der tapfere Prinz weckt sie mit einem Kuss und sie leben glücklich bis ans Ende ihrer Tage.

In der Originalversion von Giambattista Basile erwacht Aurora nicht durch einen zärtlichen Kuss, sondern durch die Geburt von Zwillingen. Ach ja, wir haben vergessen zu sagen: Der Prinz küsst die Prinzessin nicht, sondern macht ihr Kinder und geht, weil er bereits verheiratet ist. Als Aurora und ihre Kinder im Palast ankommen, versucht die Frau des Prinzen, sie zu töten, aber der König hält sie davon ab und erlaubt Aurora, den Mann zu heiraten, der sie im Schlaf vergewaltigt hat.

Belle hat sehr eifersüchtige Schwestern
In der Disney-Version wird Belle vom Biest entführt (daher der Titel „Die Schöne und das Biest“) und lebt in einem luxuriösen Schloss mit sprechendem Geschirr und Möbeln, bis sie die innere Schönheit des Biests entdeckt. Nachdem sie sich verliebt hat, küsst sie ihn und rettet ihn vor dem Zauber, der ihn unheimlich machte, denn körperliche Schönheit spielt keine Rolle.

In der Originalversion von Gabrielle-Suzanne Barbeau de Villeneuve überredet Belle das Biest, ihr zu erlauben, eine Woche lang ihre Schwestern zu besuchen. Ich sehe sie große Menge Schmuck und davon hören Luxusleben Belle, ihre Schwestern überreden sie, länger zu bleiben, in der Hoffnung, dass das Biest wegen ihrer Verzögerung wütend wird und das Mädchen in Stücke reißt.

Tarantino hätte bei „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ Regie führen sollen
Schneewittchens einzige Sünde bestand darin, dass sie die hellhäutigste im Märchen war, weshalb sie in den Wald fliehen musste, wo sie mit den sieben Zwergen lebte. Die böse Hexe gibt ihr einen vergifteten Apfel, Schneewittchen schläft ein, die Zwerge versuchen sich zu rächen und die Hexe stürzt von einer Klippe und stirbt. Während Schneewittchen schläft, erscheint aus dem Nichts ein Prinz und erweckt sie wieder zum Leben. Danach leben sie glücklich bis ans Ende ihrer Tage.

Im Originalmärchen der Gebrüder Grimm stirbt die Hexe nicht unter einem Steinblock. Als Strafe für den Versuch, Schneewittchen zu töten, wird sie gezwungen, in heißen Eisenschuhen zu tanzen, wodurch sie stürzt und stirbt.

„Die kleine Meerjungfrau“ ist eigentlich eine schreckliche Tragödie
Bei Disney tauscht Ariel, die Tochter des Meereskönigs, ihre Stimme gegen Beine und schwimmt an Land, wo sie nach ihrer Liebe sucht und sich mit einer Gabel die Haare kämmt. Sie verliebt sich in Prinz Eric und gemeinsam töten sie die böse Hexe, die einen Deal mit der kleinen Meerjungfrau gemacht hat, woraufhin sie glücklich bis ans Ende ihrer Tage leben.

In der Originalversion von Hans Christian Andersen heißt es im Vertrag, dass Ariels neue Beine immer weh tun werden, als würde sie auf Klingen laufen. Da Schmerz und Verführung in einer Person nicht gut zusammenpassen, heiratet der Prinz schließlich eine andere Frau, und Ariel stürzt sich ins Meer und verwandelt sich in Meeresschaum.

Im Leben verliert Mulan den Krieg
In der Disney-Version ist Mulan ein Mädchen mit einer Heuschrecke und einem Drachen, das vorgibt, ein Mann zu sein, um in der chinesischen Armee gegen die Hunnen zu kämpfen. Mutig gewinnt Mulan den Krieg und kehrt nach Hause zurück, um mit ihren Heuschrecken zu spielen.

Im Originalgedicht von Hua Mulan verliert China den Krieg. Der feindliche Khan lässt Mulan am Leben, unter der Bedingung, dass sie bei ihm lebt, und Mulan entkommt. Als sie nach Hause kommt, erfährt sie, dass ihr Vater gestorben ist und ihre Mutter wieder geheiratet hat. Dann sagt sie: „Ich bin eine Frau, ich habe den Krieg überlebt und ich habe genug getan.“ Jetzt möchte ich bei meinem Vater sein. Und begeht Selbstmord.

Rapunzel heiratete tatsächlich einen blinden Prinzen
In der Zeichentrickversion ist Rapunzel eine wunderschöne Prinzessin mit langen blonden Haaren, hoch oben in einem Turm eingesperrt. Eines Tages trifft sie auf einen Räuber und gemeinsam erleben sie viele Abenteuer, die im ursprünglichen Märchen nicht erwähnt werden.

Dies ist wohl das gelungenste Märchen der Gebrüder Grimm in dieser Sammlung. Rapunzels Eltern waren Bauern, die sie gegen eine kleine Menge Rapunzel (Glockenblumenpflanze) für einen Salat eintauschten. So fiel sie als Baby in die Hände einer Hexe. Als sie 12 Jahre alt war, wurde sie von einer Hexe in einem Turm ohne Türen oder Treppen und nur einem Fenster eingesperrt. Der einzige Weg, in den Turm zu gelangen, bestand darin, über Rapunzels langes und wunderschönes Haar zu klettern. Eines Tages ging der Prinz am Turm vorbei und hörte ein Mädchen singen. Er kletterte auf den Turm. Noch in derselben Nacht stimmte Rapunzel zu, ihn zu heiraten.
Als der Prinz zurückkam, um sie zu holen, kletterte er auf ihr goldenes Haar, traf aber im Turm auf eine Hexe. Sie stieß ihn aus dem Fenster und der Prinz fiel auf die Dornen, die ihm in die Augen bohrten. Blind lief er mehrere Monate lang durch Felder und Wälder, bis er in der Ferne Rapunzels Stimme hörte. Als er sie fand, hatte sie bereits zwei Kinder und ihre magischen Tränen stellten das Augenlicht des Prinzen wieder her. Rapunzel und der Prinz heirateten und lebten glücklich bis ans Ende ihrer Tage.

Pocahontas kommunizierte kaum mit John Smith
In der Disney-Version ist Pocahontas eine Frau, die mit Bäumen und ihr spricht bester Freund- Waschbär. Eines Tages verliebt sie sich in einen Engländer und provoziert beinahe einen Krieg zwischen den beiden Nationen.

Tatsächlich war Matoaka, besser bekannt als Pocahontas, die Tochter von Häuptling Powhatan im heutigen Virginia. Die Indianer entführten John Smith, um ihn gegen Geiseln einzutauschen, und Matoaka rettete ihm das Leben. Hier endete ihre Beziehung. Die indische Prinzessin wurde dann von Siedlern entführt, die sie als Lösegeld festhielten. Mit 17 heiratete sie einen Engländer und starb mit 22 aus unbekannten Gründen.

Herkules war ein Barbar, Mörder und Vergewaltiger, der von seiner eigenen Mutter vergiftet wurde
Im Disney-Cartoon ist Herkules der jüngste Sohn des Zeus, der Megara aus den Fängen des Hades rettet, zu einem echten Helden wird und zum Olymp aufsteigt.

Im Original war Herkules ein Barbar und ein Beitrag reicht nicht aus, um alle seine Verbrechen zu beschreiben, aber lasst uns zuerst über Megara sprechen. Sie war die Tochter des Königs von Theben, und Herkules nahm sie buchstäblich gewaltsam zur Frau. Sie hatten zwei Kinder und lebten glücklich, bis Hera, die Frau des Zeus, Herkules in den Wahnsinn trieb und er Megara und die Kinder tötete. Von Schuldgefühlen geplagt, erledigte Herkules dennoch die 12 im Film beschriebenen Aufgaben, allerdings mit viel Gewalt und völliger Missachtung des Lebens anderer Menschen.

Der Glöckner von Notre Dame verhungerte auf dem Friedhof
In der Disney-Version ist Quasimodo ein junger Mann mit einer angeborenen Missbildung, der sich in eine Zigeunerin verliebt und sie vor der Hinrichtung durch die Inquisition rettet.

In Victor Hugos ursprünglichem Roman schafft es Quasimodo nicht, Esmeralda vor der Hinrichtung zu bewahren (im Grunde übergibt er sie versehentlich den Behörden) und sieht zu, wie sie gehängt wird. Dann geht Quasimodo zu ihrem Grab, wo er bleibt, bis er verhungert. Viele Jahre später, als ihr Grab geöffnet wird, findet jemand ihre beiden Skelette, aber als sie versuchen, sie zu trennen, zerfallen die Knochen zu Staub.

In Carlo Collodis Originalmärchen ist Pinocchio ein echtes Arschloch. Vom Moment seiner Geburt an benimmt er sich schrecklich, stiehlt und sogar sein Vater nennt ihn nutzlos. Eines Tages, weil er alles getan hat, hängen die Katze und der Fuchs Pinocchio an eine Weide und sehen zu, wie er stirbt, während der Holzjunge im Wind schwankt.

Mowgli beging Völkermord
In der Disney-Version ist Mowgli ein Junge, der von seinen Eltern im Dschungel verlassen wurde und dem von einem Bären und einem Panther beigebracht wird, Lieder zu singen und sich sein eigenes Essen zu besorgen.

Im Original von Rudyard Kipling „Das Dschungelbuch“ tötet Mowgli den grausamen Tiger Shere Khan und entdeckt, dass seine wahren Eltern von den Bauern des Dorfes gefangen genommen wurden. Mit Hilfe von Wölfen und Elefanten zerstört Mowgli das Dorf und tötet seine Bewohner. Danach muss er weglaufen, weil die Dorfbewohner an ihn denken böser Geist. Infolgedessen findet Mowgli Frieden in einem von den Briten regierten Dorf.

Disney-Marke

Die Walt Disney Company ist einer der Weltmarktführer in der Unterhaltungsbranche mit Schwerpunkt auf Kinderunterhaltung. Sie ist vor allem für ihre animierten Spielfilme bekannt, von denen der erste, Schneewittchen und die sieben Zwerge, 1937 in die Kinos kam.

INFORMATIONEN ZUM UNTERNEHMEN

Für Russland begann die Unternehmensgeschichte 1933 beim American Cartoon Festival in Moskau. Der einprägsame, lebendige Stil der kurzen Cartoons von Walt Disney hinterließ großen Eindruck bei den Zuschauern, darunter auch Joseph Stalin selbst. Dadurch wurde das Unternehmen zum Standard für die für das Kino in der UdSSR verantwortlichen Beamten, und im Sommer 1936 wurde der Auftrag erlassen, Sojus-Detmultfilm zu produzieren, der als exakte Kopie des Disney-Studios organisiert wurde. Ab der Perestroika-Zeit in den 80er Jahren nahm Disney sofort einen bedeutenden Platz im Leben der Russen ein.

Der Disney-Stil ist charakteristisch, leicht erkennbar und hat einen besonderen, fesselnden Charme. Wenn Sie versuchen, so kurz und präzise wie möglich zu sagen, wie Disney-Produkte positioniert sind, dann ist das professionelle Magie. Disney-Geschichten werden normalerweise mit Magie, Wunder, Romantik und Liebe in Verbindung gebracht, und das Format wurde professionell für einen breiten Massenmarkt entwickelt: gute Regie, praktische Erzählstruktur, relative künstlerische Einfachheit, eingängige musikalische Begleitung und allgemeiner ästhetischer Reiz. Charme und Magie im Inhalt + hohe Qualität in der Umsetzung – diese Kombination kann durchaus als Grundformel für den Erfolg von Disney bezeichnet werden. Infolgedessen verschwinden Disney-Geschichten und -Figuren, zunächst unterstützt durch Werbekampagnen und dann durch verschiedene Marketing- und Fan-Reproduktionen, praktisch von der Leinwand ins Leben und beginnen in der Gesellschaft als bestimmte kulturelle Codes zu existieren und werden zu spürbaren Idealen für ganze Generationen Menschen.

Einerseits ist die Existenz eines solchen Unternehmens, das sich gezielt dafür einsetzt, Magie in das Leben von Kindern zu bringen, ein großer Segen für die Gesellschaft. Dies ist eine zugängliche und einfache Möglichkeit, sich um ein Märchen zu bemühen und es ganz einfach in den Alltag zu integrieren. Andererseits ist es wichtig zu verstehen, dass der enorme Einfluss, den Disney seit Jahrzehnten auf ganze Generationen von Menschen auf der ganzen Welt ausübt, dem Unternehmen eine sehr große Verantwortung auferlegt.

Die Aktivitäten des Unternehmens basieren unbestreitbar auf der Kunst (Animation, Regie usw.), aber im Kern ist Disney neben der Kunst ein seriöses und hochprofitables Unternehmen, das auf direkteste Weise auf der Ideologie (der Verbreitung von Ideen usw.) aufbaut Werte). Vor diesem Hintergrund ist es wichtig zu verstehen, dass jedes Informationsgeschäft (man kann sogar sagen: ideologisches Geschäft) nicht unbedingt gleichbedeutend mit Informationsunterstützung für Menschen, nicht unbedingt gleichbedeutend mit Humanismus und nicht unbedingt gleichbedeutend mit Ethik ist. Informations-(ideologisches) Geschäft ist in erster Linie gleichbedeutend mit Handel. Bei kommerziellen Informationen, die sich an Kinder und Jugendliche richten, ist besondere Vorsicht geboten.

Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Informationen als Phänomen immer das eine oder andere Potenzial zur Beeinflussung einer Person enthalten und ihre Übermittlung dadurch immer zu einem Akt menschlicher Kontrolle wird. Information = Kontrolle. Informationen, die sich speziell an Kinder und Jugendliche richten, müssen zu 100 % positiv gemanagt werden, da sie noch nicht wissen, wie sie damit umgehen, sie nicht kritisch begreifen und alles problemlos im Glauben annehmen sollen. Positives Management ist maximale Sicherheit + maximaler Informationsnutzen für den Empfänger.

So sind der Stil der Präsentation, die hohe technische Qualität der Ausführung, die Faszination des Stoffes – alles, wofür Disney so auffällig und berühmt ist – wichtig, aber zweitrangig. Die Priorität liegt nicht darin, wie geschickt das Disney-Informationsimperium Kinder unterhält, sondern was genau ihre Geschichten sie lehren und wohin sie heranwachsende Menschen ideologisch leiten.

Die Absicht des Autors, eine ideologische „Prüfung“ von Disney-Produkten durchzuführen, entstand, nachdem er mehr als 15 Jahre später seinen Lieblings-Kinderzeichentrickfilm, Disneys „Pocahontas“, noch einmal angeschaut hatte. Die Überarbeitung wurde durch Informationen inspiriert, die regelmäßig im Internet über die Gefahren von Disney-Produkten zu finden sind, und es wurde die Aufgabe gestellt, die pädagogische Komponente des beliebten Zeichentrickfilms zu bestimmen. Aus der Erinnerung und für meine eigene Kindheitswahrnehmung schien der Cartoon voller Gerechtigkeit zu sein, und die Hauptfigur wirkte wie ein Vorbild höchster Tugend, ein attraktives „Vorbild“. Als ich es mir als Erwachsener ansah, wurde mir plötzlich klar, worum es in dieser Geschichte wirklich ging.

Das Rückgrat des Disney-Cartoons, der der heute fast ausgestorbenen indianischen Nation gewidmet ist, ist in der Tat der Verrat eines indianischen Mädchens an ihrem Volk, das sich in einen Engländer verliebt, zu einer Zeit, als ihr gesamter Stamm vernünftigerweise um den Schutz besorgt war sich vor ankommenden Fremden schützen. Als ein Erwachsener den Cartoon verstand, war das alles glasklar, was durch historische Informationen über die echte Pocahontas bestätigt wurde, die durch eine Reihe ihrer Aktionen ihren Feinden einen besseren Zugang zu ihrer Gemeinschaft eröffnete, was letztendlich in der Masse endete Völkermord an den Indianern durch die Briten.

Der Disney-Cartoon beschreibt die tragische historische Episode auf faszinierende und unterhaltsame Weise, wobei die Akzente so verschoben werden, dass die Indianer selbst auf Betreiben einer gewissen „weisen“ indischen Prinzessin freudig ihr Schicksal und ihre Territorien an die Briten übergeben. Nachdem man dann „Pocahontas“ und die in diesem Cartoon eingebetteten Lügen verstanden hatte, erwachte natürlich ein großes Interesse an der Disney-Firma, wie regelmäßig eine solche „Umkehrung“ der Bedeutungen in ihren Produkten vorkommt und welche Ziele sie verfolgt.

Es wurde eine gründliche Analyse durchgeführt 8 Disney-Produkte(m/w „Pocahontas“ 1995, Film „Oz, der Große und Mächtige“ 2013, m/w „Die Eiskönigin“ 2013, Film „Maleficent“ 2014, m/w „Flugzeuge: Feuer und Wasser“ 2014, m/w „Stadt of Heroes“ 2014, Film „Cinderella“ 2015, m/w „Tangled“ 2010) und sinnvolles Sehen mehr 25 beliebte Produkte(Zeichentrickfilme: „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ 1937, „Aschenputtel“ 1950, „Peter Pan“ 1953, „Dornröschen“ 1959, „101 Dalmatiner“, „Die kleine Meerjungfrau“ 1989, Die Schöne und das Biest 1991, Aladdin 1992 , Der König der Löwen 1994, Herkules 1997, Mulan 1998, Tarzan 1999, Atlantis: The Lost World „2001, „Monsters, Inc.“ 2001, „Lilo und Stitch“ 2001, „Findet Nemo“ 2003, „Ratatouille“ 2007, „ Wall-E“ 2008, „Die Prinzessin und der Frosch“ 2009, „Wreck-It Ralph“ 2012, „Brave“ 2012, „Fairies: A Mystery“. Winterwald„2012, „Puzzle“ 2015; Filme: „Fluch der Karibik – Der Fluch der schwarzen Perle“ 2003, „Alice im Wunderland“ 2010) – zusammen sind es insgesamt 33 Zeichentrick- und Kinofilme.

Und absolut alle diese Produkte enthalten schädliche Stoffe in der einen oder anderen Menge. Nur von den 33 bekannten Filmen und Zeichentrickfilmen 5 (!) (in absteigender Reihenfolge aufgelistet, beginnend mit dem sichersten und nützlichsten: Film „101 Dalmatiner“ 1961, Film „Tarzan“ 1999, Film „Cinderella“ 2015, Film „Findet Nemo“ „2003, m/w „Herkules“ 1997).

Die restlichen 28 Cartoons und Filme waren nicht nur unlehrreich oder nutzlos, sondern eindeutig schädlich für das Bewusstsein von Kindern oder Jugendlichen. Und sie wurden auf diese Weise geschaffen – mit Absicht, da die darin enthaltenen schädlichen Ideen so sorgfältig systematisch sind, dass jede Möglichkeit ihrer Präsenz in den Produkten des Unternehmens ausgeschlossen ist.

Diskreditierung und Abwertung der Elternschaft

Eines der schädlichen Themen, die Disney aktiv und prominent fördert, ist die Diskreditierung und Abwertung der Elternschaft.

Disneys tatsächliche Haltung gegenüber Eltern und Eltern-Kind-Beziehungen unterscheidet sich stark von der oberflächlichen Positionierung des Unternehmens als „familienfreundlich“. Sehen wir uns an, wie das Thema Eltern in den 28 der 33 Produkte des Unternehmens umgesetzt wird, in denen es als solches gekennzeichnet ist.

Eindeutig positive Elternbilder

"Dornröschen"

CARTOON, 1959

Es entsteht ein positives Bild des Elternpaares, obwohl es praktisch nicht an der Geschichte teilnimmt. Ebenfalls in der Position der Mütterfiguren sind drei gute Feen: Sie kümmern sich selbstlos um die Prinzessin, bis der Fluch endgültig aufgehoben wird. Dank ihrer elterlichen Fürsorge wird ein Happy End erreicht

"101 Dalmatiner"

CARTOON, 1961

Ein dalmatinisches Ehepaar repräsentiert ein sehr positives Bild eines Elternpaares. Die Helden bringen 15 Welpen zur Welt und im Laufe der Geschichte werden sie Eltern von noch mehr Kindern – sie retten 84 dalmatinische Welpen vor dem Tod und adoptieren sie. Elternhelden verhalten sich gegenüber allen Kinderhelden fürsorglich und selbstlos.

« Herkules"

CARTOON, 1997

Die Hauptfigur Herkules in der Geschichte hat zwei Elternpaare – ein irdisches Paar und seine eigenen Eltern – die Götter Zeus und Hera. Alle Eltern sind vom Anfang bis zum Ende der Geschichte am Leben. Herkules hat großen Respekt sowohl vor seinen irdischen als auch vor seinen göttlichen Eltern.

„Mulan“

CARTOON, 1998

Es gibt eine Vielzahl positiver Elternbilder: sowohl die Eltern der Hauptfigur, die Großmutter, als auch Ahnengeister, die sich um ihre Nachkommen kümmern und deren Wohlergehen schützen. Als Handlung der Geschichte taucht das Thema des Respekts vor den Eltern auf: Die Hauptfigur ergreift die Initiative, in den Krieg zu ziehen, um ihren betagten Vater, der bereits einen Krieg durchgemacht hat, von dieser Pflicht zu entbinden.

"Puzzle"

CARTOON, 2015

Es gibt ein positives Bild von einem Elternpaar, das sich um seine Tochter kümmert. Von Anfang bis Ende zeigt die Geschichte den hohen Wert der Familie und wie Familienmitglieder füreinander sorgen.

Gemischte Bilder der Elternschaft

Mit sowohl guten als auch schlechten Tendenzen

"Aschenputtel"

Zeichentrickfilm 1950

Die Hauptfigur, Aschenputtel, ist eine Waise. Der Vater des Prinzen ist ein albern aussehender, exzentrischer Mann, der seinen Zorn kaum unter Kontrolle hat. Allerdings wird seine Sorge um seinen Sohn und seine familiäre Situation sehr betont. Der Vater des Prinzen träumt leidenschaftlich von Enkelkindern und dem Ende der Einsamkeit der königlichen Familie. Die Mutter des Prinzen wird nicht erwähnt.

„Peter Pan“

Zeichentrickfilm 1953

Mütter: Es gibt eine positive mütterliche Figur – die Mutter der Hauptfigur, aber sie ist nur ein paar Minuten auf dem Bildschirm. Die Hauptfigur liebt ihre Mutter sehr und geht in das Land Nimmerland, um Mutter der verlorenen Jungen zu werden und sich um sie zu kümmern. In der Geschichte wird ein Lied zu Ehren der Mutter, der engsten und liebsten Person, aufgeführt.

Väter: Es gibt ein negatives Vaterbild. Der Vater wird als exzentrisch, dumm dargestellt, seine Weltanschauung wird kritisiert, auch durch die Handlung des Films: Er glaubt nicht an die Existenz von Peter Pan, der im Leben seiner Kinder auftaucht und es radikal verändert.

"König der Löwen"

CARTOON, 1994

Mütter: Das Bild der Mutter ist positiv.

Die Mutter der Hauptfigur Simbas ist eine edle, verantwortungsbewusste und fürsorgliche Löwin. Sie lebt vom Anfang bis zum Ende der Geschichte.

Väter: Simbas Vater kommt auf tragische Weise ums Leben.

Am Ende der Geschichte werden Simba und seine Frau Eltern.

"Findet Nemo"

CARTOON, 2003

Drei Minuten nach Beginn der Geschichte stirbt die Mutter des Fisches Nemo auf tragische Weise. Die allgemeine Botschaft der Geschichte ist nicht positiv: die Korrektur von Nemos Vater Marlin, nicht nur um seines Sohnes willen, sondern auch auf seine Veranlassung hin. Das Motiv eines vom Willen seines Sohnes abhängigen Vaters ist eine Anspielung auf das Jugendstrafrecht, das den Zusammenbruch der natürlichen Eltern-Kind-Hierarchie fördert. Ideologie von Yu.Yu. Die Handlungen und der Wille des Kindes stehen grundsätzlich über den Eltern und dem Kind mit seinen begrenzten Ressourcen an Bewusstsein, Intelligenz usw. - erlangt Macht über seine Eltern.

Allerdings wird im Film „Findet Nemo“ die allgemeine Schädlichkeitsmoral abgemildert:

die Tatsache, dass Nemo in der von ihm geschaffenen gefährlichen Situation, die seinen Vater dazu zwingt, sich seinetwegen zu ändern, auch sehr ernsthaft an sich arbeiten muss.

Eine überzeugende abschließende Darstellung der verbesserten Beziehung zwischen Sohn und Vater.

„Tarzan“

CARTOON, 1999

Die Eltern der Hauptfigur sterben in den ersten 5 Minuten der Geschichte. Der Junge wird von einem Gorilla adoptiert. Das Bild der Gorillamutter wird sehr tiefgründig und berührend dargestellt. Vielleicht ist dies das atemberaubendste und auffälligste Mutterbild von allen, die in diesem Artikel erwähnt werden.

Interessant und wichtig ist hier, dass Disney im Laufe der Jahre die großartige Gelegenheit hatte, identische, atemberaubende Bilder der Mutterschaft durch menschliche Helden zu erstellen und zu veröffentlichen, was das Unternehmen nie tut. Und das ist natürlich kein Zufall.

Das Bild des Gorilla-Adoptivvaters in Tarzan ist mit einem Konflikt verbunden – seiner Weigerung, seinen menschlichen Sohn anzunehmen –, der erst am Ende der Geschichte gelöst wird. Der Adoptivvater stirbt und überträgt die Funktionen des Rudelführers auf Tarzan.

"Die Prinzessin und der Frosch"

CARTOON, 2009

Die Eltern der Hauptfigur Tiana sind freundliche, fleißige Menschen, die einander und ihre Tochter lieben. Die ersten Minuten des Zeichentrickfilms zeigen anschaulich ihr Familienglück, doch in der sechsten bis siebten Minute stellt sich heraus, dass Tianas Vater aus unbekannten Gründen bereits tot ist. Darüber hinaus bestand für diesen Schritt absolut keine Handlungsnotwendigkeit.

Negative Bilder der Elternschaft

"Die Schöne und das Biest"

CARTOON, 1991

Mutter: Die Hauptfigur Belle hat keine Mutter. Im Zeichentrickfilm wird im Geiste des 25. Bildes das Bild einer hässlichen Mutter vieler Kinder im Kontrast zur hoch aufragenden Schönheit Belle präsentiert (gleichzeitig ist neben Belle ein Käfig ohne Gitter gezeichnet, der die Hauptfigur symbolisiert ist frei im Vergleich zur Heldin-Mutter). Um antimütterliche Vorstellungen zu verstärken, wird auch Belles negative Haltung gegenüber dem Vorschlag ihres Verlobten Gastons, viele Kinder zur Welt zu bringen, angedeutet. Die Heldin wird kurz als unglücklich dargestellt, als sie ihre Träume von einer großen Familie beschreibt. Belles Vater wird als freundlicher, aber schwacher und erbärmlicher Mann dargestellt, über den sich die Leute lustig machen.

"Schneewittchen und die sieben Zwerge"

KARIKATUR, 1937

In der Geschichte gibt es keine Väter. In der Position der Mutterfigur befindet sich die böse Königin, die aus Neid auf ihre Schönheit die Hauptfigur töten will. Die Königin stirbt.

"Meerjungfrau"

CARTOON, 1989

Mütter: keine.

Väter: Der Prinz hat keinen Vater. Die Hauptfigur steht im Konflikt mit ihrem Vater; die Ablehnung seines Willens und seiner Verbote führt zum Glück.

„Aladdin“

CARTOON, 1992

Mütter: Es gibt keine Mütter. Väter: Der Vater der Hauptfigur ist erbärmlich, lächerlich und kontrolliert. Die Heldin erlangt Erfolg, indem sie den Heiratswillen ihres Vaters leugnet. Die männliche Hauptfigur ist eine Waise.

„Pocahontas“

CARTOON, 1995

Mütter: Die Mutter der Hauptfigur soll gestorben sein. Die mütterliche Figur wird durch einen Zauberbaum ersetzt, der die Heldin heimlich zu Gefahr und Verrat anstiftet. Väter: Die Heldin erreicht ein „Happy End“, indem sie den Willen ihres Vaters leugnet. Die männliche Hauptfigur ist eine Waise.

"Alice im Wunderland"

FILM, 2010

Der Vater der Hauptfigur stirbt zu Beginn der Geschichte. Die Hauptfigur ist ihrer Mutter gegenüber ausgesprochen kalt und respektlos. Die Geschichte folgt dem Motiv der Verleugnung durch die Mutter – das Abenteuer, das Alice widerfährt, bestätigt die Richtigkeit ihrer Entscheidung, die von ihrer Mutter geforderte Ehe abzulehnen.

"Lilo und Stitch"

CARTOON, 2001

Es wird erwähnt, dass die Mutter und der Vater der Hauptfigur auf tragische Weise ums Leben kamen und sie von ihrer älteren Schwester aufgezogen wird, die kurz davor steht, ihr Elternrecht zu verlieren. Als mütterliche Figur ist die ältere Schwester von ihrer jüngeren Schwester abhängig, da ihre Reaktion auf ihre Fürsorge darüber entscheidet, ob sie getrennt werden (wodurch die natürliche Kind-Eltern-Hierarchie durchbrochen wird).

„Atlantis: Die verlorene Welt“

CARTOON, 2001

Mütter: Die Mutter der Hauptfigur stirbt in den ersten Minuten der Geschichte. Väter: Die Heldin lehnt den Willen ihres Vaters ab. Er stirbt während der Geschichte. Die männliche Hauptfigur ist eine Waise.

„Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle“

Film, 2 Unzen

Väter: Die Hauptfigur erreicht ein Happy End, indem sie den Willen ihres Vaters bezüglich der Ehe verweigert

"Ratatouille"

Zeichentrickfilm 2007

Mütter: abwesend und nicht erwähnt.

Väter: Zeigt eine Konfrontation zwischen einem Sohn und einem Vater. Der Vater der Hauptfigur, die Ratte Remy, versteht die Leidenschaft seines Sohnes für das Kochen nicht. Remy hat Erfolg, indem er die Meinung seines Vaters leugnet. Der Vater wirkt weniger „fortgeschritten“ als der Sohn und passt sich letztendlich der Weltanschauung des Sohnes an. Remy hat keine Mutter.

Die menschliche Hauptfigur Linguini ist eine Waise.

"Mutig"

CARTOON, 2012

Mütter: Die Hauptfigur Merida befindet sich in einer Konfrontation mit ihrer Mutter. Meridas Mutter verwandelt sich in einen Bären und gerät durch den Ungehorsam ihrer Tochter in Lebensgefahr. So stellt die Geschichte die Abhängigkeit der Mutter von ihrer Tochter dar: Die problematische Tochter hört nicht zu, aber nicht die Tochter bekommt Probleme und das Bedürfnis, sich zu verbessern, sondern die Mutter. Die wichtigste Moral der Geschichte für ein Kind lautet: Wenn in Ihrer Beziehung zu Ihrer Mutter etwas nicht stimmt, muss es sich ändern, seine Meinung ändern und sich an Sie anpassen. Der Wille des Kindes steht über dem Willen der Eltern (die Ideologie des Jugendstrafrechts).

Väter: Der Vater der Hauptfigur wird im Allgemeinen als angenehmer, mutiger, starker und humorvoller Mensch dargestellt. Als sich seine Frau jedoch in einen Bären verwandelt, lässt sich mit seiner erwachten, an Besessenheit grenzenden Jagdleidenschaft nichts mehr anfangen, wodurch er kurz davor steht, seine eigene Frau zu töten.

CARTOON, 2010

Mütter: Die Hauptschurke-Figur, Mutter Gothel, gibt vor, die Mutter der Hauptfigur zu sein und verhält sich daher erkennbar wie eine Mutter. Das Bild der Mutter im Cartoon wird als Bösewicht verwendet und der Tod der Mutterfigur wird als Akt der Gerechtigkeit dargestellt.

Väter: helles Bild Vater fehlt.

Das Ehepaar der leiblichen Eltern der Hauptfigur, der König und die Königin, wird genutzt, um die Idee im Sinne der Jugendgerichtsbarkeit umzusetzen, die ein Kind haben sollte ideale Bedingungen, ideale Eltern, was das Kind selbst anstreben sollte. Mutter Gothel ist eine vom Kind abgelehnte Mutterfigur, die ihre Pflichten aus der Sicht des Kindes schlecht erfüllt hat.

Die männliche Hauptfigur ist eine Waise

„Oz der Große und Mächtige“

FILM, 2013

Mütter: Die Hauptfiguren haben keine Mütter und es wird nicht erwähnt, was mit ihnen passiert ist.

Väter: Es wird erwähnt, dass die Väter der Hauptfiguren gestorben sind. Eine der Hauptheldinnenschwestern tötete ihren Vater aus Machtgründen. Protagonist Oscar Diggs möchte nicht wie sein Vater sein, ein einfacher, fleißiger Bauer, worauf der Schwerpunkt liegt. Auch durch diese Weltanschauung erreicht der Held seinen Triumph.

"Kaltes Herz"

CARTOON, 2013

Der Vater und die Mutter der Hauptfiguren, die Schwestern Elsa und Anna, sind die Ursache der Tragödie in der Haupthandlung; sie verstecken Elsa, die über zerstörerische und kreative magische Kräfte verfügt, unter Verschluss, was letztendlich dazu führt Naturkatastrophe, unbeabsichtigt verursacht durch ein Mädchen im Königreich. Nachdem Vater und Mutter ein zu lösendes Problem geschaffen haben, werden sie vom Drehbuch sofort eliminiert: Sie sterben bei einem Schiffbruch. Um ein glückliches Ergebnis zu erzielen, muss Elsa einen Willen verwirklichen, der dem Willen ihrer Eltern, ihre Macht zu befreien, genau entgegengesetzt ist.

Im Wesentlichen, weil Elsas Vater und Mutter stellen das Hauptproblem der Handlung dar, sie sind die Hauptschurken der Geschichte.

Der Cartoon vermittelt subtextuell Ideen der Verleugnung der traditionellen Familie (der Tod von Elsas und Annas Eltern, die „Unwahrheit“ der Verbindung von Anna und Hans, Anna und Kristoff) und fördert „alternative“ und homosexuelle Familien (die Familie des Kaufmanns). Oaken, die Troll-Gemeinschaft, das Paar Elsa und Anna als Anspielung auf die gleichgeschlechtliche Vereinigung der „wahren Liebe“).

„Bösartig“

FILM, 2014

Mütter: Die Mutter der Prinzessin-Heldin stirbt. Die Märchentanten, die als Ersatzmütter fungieren, können sich nicht um ihre Stieftochter kümmern.

Die Prinzessin wird von einer dämonischen Figur „adoptiert“.

Väter: Der Vater der Prinzessin ist der Hauptschurke der Geschichte. Stirbt im Kampf mit der dämonischen Adoptivmutter der Prinzessin. Gleichzeitig hilft die Prinzessin der dämonischen Mutter, ihren eigenen Vater im Kampf zu besiegen.

Auch im Film ist der Subtext eine Verleugnung der traditionellen Familie (die Zerstörung des Paares Maleficent und Stefan, der Tod). königliche Familie, die Unwahrheit der Verbindung von Aurora und Prinz Philip) und fördert die Positivität „alternativer“ homosexueller Familien (die Verbindung von Maleficent und Aurora als 2-in-1: Anspielung auf Adoption in eine atypische Familie + gleichgeschlechtliche Verbindung von "wahre Liebe"),

"Aschenputtel"

FILM, 2015

Mütter: Aschenputtels Mutter stirbt zu Beginn der Geschichte auf dramatische Weise. Es wird erwähnt, dass die Mutter des Prinzen gestorben ist.

Väter: Aschenputtels Vater und der Vater des Prinzen sterben im Laufe der Geschichte.

Der Prinz erlangt sein Glück, indem er den Willen seines Vaters leugnet. Im Happy End stehen die Frischvermählten vor Trauerporträts ihrer Eltern.

"Stadt der Helden"

Cartoon 2014

Es wird erwähnt, dass der Vater und die Mutter des Protagonisten starben, als er drei Jahre alt war. Die Vormundin der Protagonistin ist keine maßgebliche Elternfigur; sie hält einen Monolog darüber, dass sie nichts von Kindern versteht und selbst erzogen werden muss. Der Vater einer der Figuren ist der Hauptschurke, der schließlich in Gewahrsam genommen wird.

Zusammenfassung

Von den 28 Disney-Produkten, die sich mit dem Thema Elternschaft befassen:

17 (61%) Diskreditierung und Abwertung der Elternschaft auf die eine oder andere Weise (Darstellung und Erwähnung des Todes von Eltern, Darstellung des Helden, der Erfolg hat, indem er den Willen der Mutter oder des Vaters leugnet, Durchbrechen der natürlichen Hierarchie – Eltern sind vom Willen der Kinder abhängig, Elternfiguren in die Rolle der Bösewichte usw.)

5 (18%) Unterstützende Elternschaft (Bild komplette Familie, Abwesenheit von Todesfällen der Eltern, gegenseitige Unterstützung der Familie, Engagement der Eltern zum Wohle der Kinder und Kinder zum Wohle der Eltern usw.

6 (21%) Mittelstufe, bei der sich positive Trends mit negativen vermischen (ein Elternbild ist positiv, das andere negativ, der Tod eines Elternteils usw.).

Insgesamt übersteigt die Zahl der Disney-Produkte, die die Elternschaft diskreditieren, die Zahl der familienorientierten Produkte um mehr als das Dreifache. Dieses Verhältnis ist beredt und lässt einen über die tatsächliche Qualität der Familieninformationsunterstützung durch das vermeintlich „familienorientierte“ Unternehmen Disney nachdenken.

Die Absicht der Anti-Eltern-Politik des Unternehmens wird am meisten durch das charakteristische, wiederholte und äußerst schädliche Motiv der Konfrontation des Protagonisten mit dem Elternteil und dem daraus resultierenden Erfolg und Glück des Helden durch die Verleugnung des Elternteils und seines vorhandenen Willens bestätigt In 14 Produkte von 27 vorgestellt(Leugnung des Willens des Vaters: „Pocahontas“, „Oz der Große und Mächtige“, „Die Eiskönigin“, Film „Cinderella“, „Atlantis: Die verlorene Welt“, „Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle“, „Aladdin“, „Peter Pan“, „Ratatouille“, „Findet Nemo“, „Die kleine Meerjungfrau“; Verleugnung des Willens der Mutter/Mutterfigur: „Tangled“, „Brave“, Film „Alice im Wunderland“) .

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Durch die ständige Wahrnehmung solch negativer ideologischer Codes zum Thema Eltern gewöhnt sich der Betrachter an die Vorstellung, dass Elternschaft nichts Wertvolles, Wichtiges und Autoritätiges ist. Eltern einer beeindruckenden Anzahl von Disney-Hauptfiguren:

• von den Toten erwähnt
• sterben
• werden verweigert

und mit dem Helden, der aus der Kind-Eltern-Verbindung herausgeschnitten ist, geschieht etwas Interessantes, Bedeutendes, Aufregendes, das für ihn in Triumph, wahrer Liebe, Reichtum usw. endet.

Dadurch formt die systematische Darstellung entwerteter Elternschaft und erhabener, faszinierender Waisenschaft beim Betrachter die entsprechenden Ansichten über die eigenen Eltern, sich selbst als potenzielle Eltern und Elternschaft als Phänomen im Allgemeinen: Ohne Eltern ist es besser, Eltern sind unnötig , überflüssiges Phänomen, etwas, das tot / sterben / leugnen sollte – genau im Einklang mit der Art und Weise, wie Disney es bewirbt.

Es ist wichtig, dass durch das Thema der entwerteten Elternschaft die Vorstellung vermittelt wird, dass eine Person mit niemandem in Kontinuität verbunden ist. Die Popularisierung eliminierter Eltern ist eigentlich das semantische Ausschlagen der historischen Basis unter den Füßen. Der Zuschauer wird aufgefordert, zu erkennen, dass es die Norm ist, ohne Eltern zu sein. Vor dem wahren majestätischen Helden gibt es niemanden und nichts. Keine Eltern, keine ererbte Erfahrung, keine Traditionen, keine Vergangenheit.

Die Diskreditierung der Elternschaft und der Eltern-Kind-Beziehungen ist Informationsarbeit, um das atomisierte Selbstbewusstsein einer Person zu fördern und vertikale Familienbindungen zu schwächen: Du bist auf dich allein gestellt, niemand steht hinter dir, niemand folgt dir. Anti-Eltern-Propaganda erzieht Menschen mit der Weltanschauung von selbsternannten Waisen, Einzelgängern ohne Vorgänger und ohne Nachkommen.

Dies ist die Phase, die auf die weitere Manipulationsarbeit mit der Öffentlichkeit vorbereitet – wenn ein Mensch keine „Weltanschauung der Traditionen“ hegt, die an Respekt vor der Vergangenheit, an das Tragen und Weitergeben der Erfahrungen seiner Vorgänger, an Aufmerksamkeit und Fürsorge gegenüber ihm gebunden ist den Menschen, dank denen er geboren wurde und lebt, dann ist es für einen solchen Menschen, der aus Familie und Clan gerissen wurde, viel einfacher, etwas Neues, eine Art „Abenteuer“ anzubieten, ohne zurückzublicken (Eltern) und auch nach vorne (eigene Kinder).

Die Überlegenheit der Frauen gegenüber den Männern
(Feminofaschismus)

Das nächste schädliche Thema von Disney ist die Darstellung der radikalen Überlegenheit einer Frau gegenüber einem Mann an der einen oder anderen Front: physische, intellektuelle, moralische, soziale oder alles andere, was offenbart wurde in 2/3 der ausgewählten Cartoons und Filme (21 von 33).

„Aladdin“

CARTOON, 1992

Die Heldin Jasmine ist eine schöne und reiche Prinzessin im heiratsfähigen Alter, und ihr geliebter Aladdin ist ein obdachloser Marktdieb, der durch seine Heirat mit ihr schließlich zu einem hohen Status aufsteigt.

"Die Schöne und das Biest"

CARTOON, 1991

Die Heldin Belle erhebt sich moralisch und intellektuell über die beiden männlichen Protagonisten, den negativen Gaston und den positiv verzauberten Prinzen. Der Cartoon ist so aufgebaut, dass das Schicksal des verzauberten Prinzen ganz von Belle abhängt – ohne sie und ihre Gunst ihm gegenüber wird der Fluch nicht aufgehoben. Ohne Belle überhaupt zu kennen oder zu lieben, beginnt der verzauberte Prinz, dem Mädchen zu gehorchen und versucht, sie zu besänftigen, sie dazu zu bringen, sich in ihn zu verlieben und so den Fluch aufzuheben.

"König der Löwen"

Zeichentrickfilm, 1994

Löwe Simba, verloren in Tropenwälder und der Weltanschauung „kümmert sich nicht um alles“ (Hakuna-matata), muss er den Thron an seine Freundin Nala zurückgeben, die ihm seit seiner Kindheit an Kraft überlegen ist.

„Pocahontas“

CARTOON, 1995

Es wird dargestellt, dass die Hauptfigur Pocahontas stärker, edler, klüger, beweglicher ist als der Held John Smith, den sie unterrichten, retten usw. muss.

"Herkules"

CARTOON, 1997

Die Heldin Meg übertrifft Herkules in intellektueller Hinsicht und in Bezug auf Lebenserfahrung. Neben Meg wirkt der starke Mann Herkules wie ein naiver Jugendlicher. Als er dem Mädchen helfen will, aus der Klemme zu kommen, erklärt sie „feministisch“, dass sie ihr Problem selbst bewältigen könne. In diesem Cartoon wird das Thema der weiblichen Überlegenheit durch die Tatsache deutlich gemildert, dass Meg sich schließlich von einer leidenschaftlichen Feministin in ein liebevolles und wahrhaft weibliches Mädchen verwandelt.

„Mulan“

CARTOON, 1998

Eine echte feministische Hymne, eine Geschichte über ein Mädchen, das sich glücklich in der Rolle einer Soldatin wiederfand, ganze Regimenter männlicher Krieger übertraf und fast im Alleingang das Land rettete.

„Atlantis: Die verlorene Welt“

CARTOON, 2001

Zeigt die physische und soziale Überlegenheit der weiblichen Figur, Prinzessin Kida, gegenüber der männlichen Figur, dem Wissenschaftler Milo.

„Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle“

Film, 2003

Die Heldin Elizabeth Swann ist eine weitere feministische Figur, die sich glücklich von Korsetts, Rüschen und Eiern befreit und sich auf dem Schlachtfeld wiederfindet. Sozial überlegen gegenüber seinem Geliebten Will Turner und sozial und moralisch überlegen gegenüber seinem Retter und Freund, dem Piraten Jack Sparrow.

"Findet Nemo"

CARTOON, 2003

Dory, der Fisch, ist Marlin, dem Vater des verlorenen Nemos, in vielerlei Hinsicht deutlich überlegen. Dank ihres Mutes und ihres Optimismus, der Marlin fehlt, schreitet die Suche nach ihrem vermissten Sohn voran. Auch in einer Szene wird Marlins Logik und Rationalität vor Dorys angeblich „effizienter“ Extravaganz verspottet.

"Ratatouille"

CARTOON, 2007

Die Überlegenheit einer Frau gegenüber einem Mann wird durch das Paar Linguini, eines unsicheren jungen Mannes, der nichts weiß, und Collette Tatu, einer harten und unhöflichen Köchin, die Linguini in der Küche helfen soll, dargestellt.

"Wall-E"

CARTOON, 2008

Das Thema wird durch das zentrale Roboterpaar Wall-E und Eve präsentiert. Eva ist mit charakteristischen männlichen Qualitäten ausgestattet + sie ist hochtechnologisch, schnell und unerschütterlich. Wall-E ist das komplette Gegenteil von ihr, ein kleiner, rostiger Aasfresser-Roboter, der sentimentale Filme liebt.

"Verheddert"

CARTOON, 2010

Der zutiefst fehlerhafte – sozial, intellektuell, moralisch – Held Flynn Rider wird ständig von einer idealisierten weiblichen Figur, Prinzessin Rapunzel, gefesselt, geschlagen, benutzt und gerettet. Wie in Aladdin ist Flynn ein Landstreicher und Dieb, der dank der Prinzessin, die er heiratet, sein Happy End findet.

"Die Prinzessin und der Frosch"

CARTOON, 2009

Die Hauptfigur ist Tiana, ein vernünftiges, verantwortungsbewusstes Mädchen mit kulinarischem Talent und einem großen Lebenstraum – ein eigenes Restaurant zu eröffnen, und ihr Begleiter ist ein fauler, mittelloser Frauenheld, den sie belehren und aus der Not helfen muss. Am Ende der Geschichte wird der Prinz tatsächlich angeheuert, um für die Hauptfigur zu arbeiten.

"Alice im Wunderland"

FILM, 2010

Eine vollwertige feministische Hymne, in der die Heldin die Ehe mit einem wertlosen Bräutigam ablehnen und als Kriegerin auftreten muss, die ihr Schicksal rettet.

„Ralph“

CARTOON, 2012

Die Überlegenheit der Frauen gegenüber den Männern wird durch das Paar Master Felix Jr., einem kleinen, gebrechlichen jungen Mann, und Sergeant Calhoun, einer großen und unerschütterlichen Kriegerin, dargestellt.

"Mutig"

CARTOON, 2012

Drei wertlose junge Männer kämpfen um die Hand und das Herz der Hauptfigur Merida, die bei einem Bogenschießen-Wettbewerb alle übertrifft und sich weigert, unter ihnen einen Bräutigam auszuwählen.

„Feen: Das Geheimnis des Winterwaldes“

CARTOON, 2012

Der Cartoon zeigt eine überwiegend weibliche Welt mit nur wenigen Männern, meist in den Kulissen. Hier ist eine andere Perspektive der dargestellten weiblichen Überlegenheit – quantitativ.

„Oz der Große und Mächtige“

FILM, 2013

Die Hauptfigur, der Betrüger und Frauenheld Oscar Diggs, findet sich in einer Konfrontation zwischen zwei starken, mächtigen und reichen Frauen wieder, und sie spielen ihn wie einen Bauern in ihrem Spiel.

"Kaltes Herz"

CARTOON, 2013

Die männlichen Helden Henry und Kristoff sind den weiblichen Helden, den Prinzessinnen Anna und Elsa, in jeder Hinsicht unterlegen. Henry ist ein Bösewicht und Schurke, der im Finale von einer Frauenfaust triumphierend über Bord geworfen wird, und Kristoff ist ein Tollpatsch, der sich seit Jahren nicht gewaschen hat und mit Rehen und Trollen im Wald lebt.

„Bösartig“

FILM, 2014

Ähnlich wie bei „Frozen“ gibt es in der Handlung zwei edle weibliche und zwei männliche Charaktere. Einer von ihnen ist nichts als Trauer, aber der andere nützt nichts, und nur ein gehorsamer Diener, halb Mensch, halb Tier, „bleibt“ in der Nähe der Heldinnen.

"Puzzle"

CARTOON, 2015

Die Hauptfigur Riley betreibt eine ausgesprochen männliche Sportart: Hockey. Im Finale sitzt ein verängstigter Junge auf der Tribüne und beobachtet sie passiv.

Das Thema einer Frau, die einem Mann irgendwie überlegen ist, ist eines der häufigsten Themen in Disney-Geschichten. Interessant ist, dass sich dieses Thema vor den 90er Jahren nicht in Produkten manifestierte. Selbst in „Die kleine Meerjungfrau“ von 1989 hat sich die weibliche Überlegenheit noch nicht vollständig offenbart, doch mit „Die Schöne und das Biest“ von 1991 beginnt der spezifische Feminismus an Dynamik zu gewinnen.

Es ist sehr wichtig anzumerken, dass sich ein Großteil der von Disney dargestellten Überlegenheit von Frauen gegenüber Männern nicht auf den Feminismus als die Geltendmachung ihrer natürlichen Rechte durch die Frau bezieht – gehört zu werden, akzeptiert zu werden usw. Dies könnte zutreffen, wenn es solche Produkte gäbe von Klanginhalten. Dies trifft beispielsweise mit großen Vorbehalten auf den Zeichentrickfilm „Mulan“ zu, der anhand eines historischen Beispiels davon erzählt, dass eine Frau zum Spielen fähig ist wichtige Rolle in ernsten Situationen. Wichtig ist, dass in diesem Cartoon neben einer starken Frau, Mulan, mindestens ein recht mutiger und starker Mann dargestellt ist, General Shang.

Aber wenn wir die Disney-Produkte zusammen betrachten, wird völlig offensichtlich, dass das Thema Disneys weibliche Überlegenheit so radikal verschärft wird, dass diese „pädagogische“ Richtung nicht wie eine Unterstützung der normalen universellen Menschenrechte von Frauen aussieht, sondern wie ein pathologischer Feminofaschismus. Offensichtlich kämpft Disney nicht für Gerechtigkeit für Frauen, sondern fördert die weibliche Vorherrschaft im faschistischen Geist (indem er die angeborene und unveränderliche Überlegenheit einer Gruppe von Menschen gegenüber anderen behauptet).

Gleichzeitig, um effektiver zu fördern dieses Thema Das Unternehmen verleiht vielen seiner weiblichen Charaktere charakteristische, führende männliche Stärken (Kriegslust, Wettbewerbswille, Suche nach neuen „Ländern“, Expansion, Risikobereitschaft usw.) und bringt sie in eine führende Position das Mann/Frau-Tandem, wie in vielen der oben genannten Beispiele. Obwohl dies also nicht durch weibliche männliche Helden zum Ausdruck kommt, sondern nur männliche weibliche Charaktere betrifft, fördert das Unternehmen teilweise die Diskreditierung normaler Geschlechterrollen von Männern und Frauen.

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Glaube an die falsche Überlegenheit einer Gruppe von Menschen gegenüber einer anderen, in diesem Fall Frauen gegenüber Männern, natürlich führt zu einer falschen Weltanschauung der Menschen, Entfremdung in Beziehungen, Uneinigkeit und erhöhten Spannungen in der Gesellschaft.

Die Darstellung einer Frau, die als einen bestimmten Standard mit männlichen Merkmalen ausgestattet ist, impliziert größtenteils deren Fehlen bei ihrem natürlichen Besitzer – einem Mann –, was zu dem Thema der Umkehrung der natürlichen Geschlechterrollen von Männern und Frauen führt. IN in Massenform Dieses Phänomen führt zu einer natürlichen Schwächung der Gesellschaft, da Menschen, die eine für sie unnatürliche Rolle spielen, nicht harmonisch sind, in ihrem Leben nicht von der Natur unterstützt werden und tatsächlich zu kostümierten Schauspielern oder Zirkusartisten werden. Natürlich gibt es sowohl von Natur aus männliche Frauen als auch weibliche Männer, aber Sie müssen verstehen, dass dies eher die Ausnahme als die Regel ist. Und wenn eine solche Umstrukturierung populär gemacht und zu einem ganzen sozialen Standard erhoben wird, wird die Gesellschaft nicht in der Lage sein, sich als eine mächtige Vereinigung harmonischer und starker Individuen – Männer mit starker Männlichkeit und Frauen mit starker Weiblichkeit – zu verwirklichen, sondern wird zu einem „Drama-Club“, der nicht über Bühnenaufführungen mit Cross-Dressing hinausgeht.

Akzeptanz des Bösen

Ein weiteres von Disney aktiv gefördertes Thema, das sich systematisch in seinen Produkten wiederfindet, ist die Darstellung des Bösen als zweideutiges negatives Phänomen, das es wert ist, besonders ausführlich betrachtet zu werden.

Einerseits ist es schwer zu bestreiten, dass das Thema Gut und Böse tatsächlich unendlich heikel ist und sich in einen dichten philosophischen Dschungel verwandeln kann, andererseits muss man das aus der Sicht des Menschen verstehen Je nach Informationsbedürfnis junger Zuschauer stellt sich die Frage ganz einfach. In Film- und Zeichentrickproduktionen sind für ein altersbedingt weniger bewusstes Publikum folgende Punkte bezüglich der Konzepte von Gut und Böse von größter Bedeutung:

• Demonstration der Existenz gegensätzlicher Kategorien von Gut und Böse / Gut und Böse / Moralisch und Unmoralisch – grundsätzlich;
• Demonstration ihrer klaren Trennung.
• Gut ist gut, Böse ist böse, das sind gegensätzliche Konzepte, zwischen denen es eine Grenze gibt, die sie trennt;
• Demonstration der Bedeutung von Gut und Böse, ihrer Fähigkeit, einen spürbaren Einfluss auf eine Person zu haben;
• Demonstration der Erscheinungsformen von Gut und Böse anhand geeigneter Beispiele

(Zum Beispiel ist Freundschaft ein adäquates Beispiel für die Manifestation des Konzepts des Guten, Diebstahl ist ein adäquates Beispiel für die Manifestation des Konzepts des Bösen.

Moralische Halbtöne bei der Auswahl der Beispiele sind inakzeptabel, was bei Disney häufig der Fall ist und worauf noch näher eingegangen wird.

Gleichzeitig sind jegliche Zweideutigkeit des Bösen, seine Feinheiten und seine philosophische Tiefe Themen, die absolut nicht für fragile Köpfe und Herzen gedacht sind. Von einem Kind oder Teenager Dinge zu verlangen, die schwer zu verstehen sind, etwa die Bedeutung der Existenz des Bösen oder die Dualität der Welt, ist ebenso unvernünftig, wie ihn in diesem Alter dazu zu schicken, es nicht zu verstehen Kindergarten und zur Schule und zur Universität. Er wird einfach verwirrt sein und auf dem Bildungs- und Entwicklungsniveau, auf dem er sich befindet, ein komplexes Thema nicht verstehen können. Ja, das ist nicht notwendig. Das eigentliche Bedürfnis von Kindern/Jugendlichen als Konsumenten von Informationsprodukten besteht darin, solch einfache und grundlegende Ideen und Werte zu erhalten, die eine verlässliche ideologische Grundlage bilden, die ihnen helfen kann, ihre Ansichten weiter unabhängig in die richtige Richtung zu verfeinern und ein schönes und harmonisches Leben aufzubauen Glaubensstruktur auf die richtige Grundlage stellen.

Disney stellt den Begriff des Bösen sehr oft äußerst zweideutig und moralisch verwirrend dar, vermischt ihn mit dem Guten oder bringt ihn im Finale sogar auf die Position des Guten. Ganz zu schweigen von der Tatsache, dass solche Manöver, wie eine detaillierte Analyse ihrer Produkte zeigt, auch einen enttäuschenden Untertext verbergen können (wie zum Beispiel im Film „Die Eiskönigin“, der Homosexualität unter dem Deckmantel eines zweideutigen Übels propagiert). Dieses oder jenes zweideutige Übel ist in den folgenden Disney-Produkten mindestens vorhanden; In Klammern wird angegeben, durch welche Figur die Idee vermittelt wird:

„Aladdin“(Aladdin)

„Pocahontas“(John Smith)

"Herkules"(Philoktetes)

„Monsters Corporation“(Monsterhelden)

"Lilo und Stitch"(STICH)

„Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle“(Jack Sparrow)

"Die Prinzessin und der Frosch"(Odies Mutter)

„Rapunzel: Verheddert…“(Flynn Ryder und die Sweet Duckling Pub Bandits)

„Ralph“(Ralph)

"Kaltes Herz"(Elsa)

„Oz der Große und Mächtige“ (Oscar Diggs und Theodora)

„Maleficent“ (Maleficent)

„Stadt der Helden“ (Robert Callaghan)

„Fairies: Legend of the Beast“ (Graf)

„Aschenputtel“ (Lady Tremaine)

Disneys Methoden, das Böse in einer mehrdeutigen Form darzustellen, lassen sich wie folgt klassifizieren: „GUTES BÖSE“ ODER GUT IN DER „VERPACKUNG“ DES BÖSEN

„Good Evil“ ist wie folgt aufgebaut: Dem Betrachter wird ein Typus geboten, der bei vernünftiger Betrachtung kaum Zweifel an seiner Zugehörigkeit zur Seite des Bösen aufkommen lässt.

Und dann zeigt die Handlung, dass der dargestellte Charakter des Schurkentyps sozusagen gut und freundlich ist. Gleichzeitig gibt es keine bedeutenden Geschichten über die Entwicklung des Bösen zum Guten (dieses Thema ist ernst und erfordert die gleiche ernsthafte Offenlegung, einschließlich der Eindeutigkeit der Umwandlung des Bösen in das Gute, der Reue, des vollständigen Ausdrucks der Korrektur usw. - „Disney“ in eindeutiger Form wird nie angeboten).

Infolgedessen repräsentieren alle aufgeführten Helden, die ihrer Art nach in Positionen des Bösen bleiben, aber durch den einen oder anderen unbedeutenden oder unlogischen Handlungsschritt bestätigen, dass sie gut sind, moralisch sehr verwirrte Bilder. gut böse" Jedes Produkt hat seine eigenen Besonderheiten, aber im Allgemeinen läuft die Methode darauf hinaus, dass das semantische Präfix „gut“, anstatt das Böse zum Guten zu degenerieren, einfach täuschend dem schurkischen Heldentyp hinzugefügt wird: gute dämonische Charaktere, gute Monster, ein guter Betrüger und Frauenheld, gute Banditen und Mörder, gute Diebe, gute Pirat, guter Alien-Zerstörer, guter Feind usw. Um es klarer zu machen: Dies ist ungefähr dasselbe wie ein guter Teufel, ein guter Pädophiler, ein guter wahnsinniger Vergewaltiger und so weiter. Gut und Böse ist ein trügerisches Oxymoron, eine Kombination unvereinbarer Eigenschaften und Phänomene.

Das Böse, das gut war und ohne eigenes Verschulden zum Bösen wurde

Und wegen einiger für ihn trauriger und unkontrollierbarer Ereignisse:

Theodora in „Oz, der Große und Mächtige“ war eine gute Zauberin, doch durch Oz‘ Verrat verwandelte sie sich in die Hexe des Westens, eine klassische böse Figur aus F. Baums Buch. Der erstaunliche Zauberer aus dem Land Oz“, von dem der Film eine Variation ist.

Auch die böse Stiefmutter Lady Tremaine im Film „Aschenputtel“ wird von den Autoren mit einer traurigen Hintergrundgeschichte für ihren schurkischen Status bedacht – sie wurde durch den Tod ihres geliebten Mannes böse.

Maleficent im gleichnamigen Film war freundlich und stellte sich aufgrund des Verrats ihres Geliebten wie Theodora auf die Seite des Bösen.

Alle drei sind „Trend“-Schurken der letzten Jahre, die von den Drehbuchautoren aus anderen Geschichten übernommen wurden, in denen es sich um einfache, homogene Bösen handelte, und die bewusst in Richtung des Guten/Komplexen Bösen überarbeitet wurden. In den neuen Geschichten wurden diese Charaktere teilweise (Lady Tremaine) oder ganz (Maleficent, Theodora) zu unschuldigen Bösen, die von jemand anderem in den Schurkenstatus erhoben wurden.

Zu dieser Kategorie gehört auch die Originalfigur aus dem Film „Stadt der Helden“ – Robert Callaghan, der ein freundlicher und anständiger Mensch war, aber aufgrund eines unkontrollierbaren Ereignisses, das ihn beeinflusste: dem Verlust seiner Tochter, den Weg des Bösen einschlug. Dies wird in wiederholt letzten Jahren Laut Disney scheint die Vorlage „bedingt böse“ zwar realistisch, ist aber aus pädagogischer Sicht nicht positiv, worauf etwas später noch eingegangen wird.

Das Böse „born this way“ (Trend „Born this way“)

Das Böse liegt außerhalb der Kontrolle, das Böse ist nicht willentlich:

Stitch in „Lilo & Stitch“ wurde von einem außerirdischen verrückten Professor künstlich gezüchtet und von ihm auf Zerstörung programmiert.

Ralph im gleichnamigen Cartoon, ein Bewohner des Spielautomaten, wurde geschaffen, um die Rolle eines Bösewichts zu spielen.

Elsa in Frozen (Andersens Version der Schneekönigin, einer bösen Figur) wurde mit Magie geboren, die für Menschen gefährlich ist.

Die aufgeführten Helden sind „von Geburt an“ eine Art Böse (Elsa wurde „so geboren“, Ralph wurde „so erschaffen“, Stitch wurde „so gezüchtet“), unter dem sie auf die eine oder andere Weise leiden. Wie das Böse mit einer traurigen Hintergrundgeschichte ist dieser wiederholte „Standard“ schlecht in seinem pädagogischen Potenzial, worauf später noch eingegangen wird.

Ich möchte noch einen gesonderten Punkt ansprechen:

Verwendung dämonischer Züge im Bild des „Guten Bösen“

Identifiziert mit dem Satanismus – eine Richtung, die, gelinde gesagt, sehr weit vom Konzept des Guten entfernt ist:

Eine Kreatur namens Count aus dem Cartoon „Fairies: Legend of the Beast“ – „Maleficent“ für die Jüngeren. „Good Evil“ wird in Form eines unheimlichen Monsters mit absolut dämonischem Aussehen und seltsamem Verhalten präsentiert. Auch werden durch den Grafen Anspielungen auf den gefallenen Engel Luzifer gegeben.

Dazu gehört auch Philactetus aus Herkules, ein Satyr mit Ziegenhörnern und -beinen, eine dämonische Figur, die einem Dämon oder Teufel sehr ähnlich ist. Im Cartoon spielt er eine positive Rolle, nicht weniger als der Lehrer großer Helden.

Der Prototyp von Maleficent aus dem gleichnamigen Film ist der gefallene Engel Luzifer, eines der klassischen Gesichter des Teufels.

Größtenteils werden Plots mit komplexem Bösen unter der Soße der „unvollkommenen Realität“ positioniert: Absolut Gutes und Absolutes Böses sind im Leben selten, alle schlechten Phänomene haben bestimmte Voraussetzungen + was die teuflische Erscheinung mit Hörnern und Reißzähnen angeht Es ist nicht immer möglich, den Inhalt nur anhand der bösen Tarnung zu beurteilen, und wenn ja, dann scheint es, warum sollte man die Jugend nicht in diese Richtung erziehen? Es lohnt sich jedoch, so detailliert wie möglich zu verstehen, was Disneys systematische Vermischung von Bösem und Gutem für seine Zuschauer, Kinder und Jugendlichen, tatsächlich bedeutet.

Bei der Thematik „Gut Böse“ geht es offensichtlich um die Motive der Rechtfertigung des Bösen, die aus pädagogischer Sicht nicht dazu gedacht ist, eine Weltanschauung moralischer Art zu bilden, da es sich bei der Moral um ein Konzept handelt, das auf der Trennung von Gut und Böse basiert.

„Moral sind die spirituellen und emotionalen Eigenschaften einer Person, die auf den Idealen von Güte, Gerechtigkeit, Pflicht, Ehre usw. basieren und sich in Bezug auf Menschen und Natur manifestieren.“ Bei der Vermischung von Bösem und Gutem gibt es keine Richtlinien, um sie in Wirklichkeit als gegensätzliche, moralisch entgegengesetzte Konzepte zu unterscheiden. Und wenn die Ideale des Guten und die „Ideale“ des Bösen nicht auf entgegengesetzten Seiten stehen, dann wird der Begriff der Moral im Wesentlichen beiseite gewischt, da er seine wichtige Grundlage verloren hat.

Es lohnt sich, sich der Frage zuzuwenden, warum der bekannte archaische Sieg des verständlichen Guten über das verständliche Böse, das beliebteste „Happy End“ aller, so wichtig ist: Erstens betont es die Trennung von Gut und Böse und weist auf sie als Gegenpole hin (man gewinnt). , der andere verliert) und bietet zweitens Lebensrichtlinien an. Gute Seite in der Geschichte („gut“) sind in der Tat einfach richtige Lebensprinzipien, denen man folgt wahres Leben wird einer Person helfen, und die entgegengesetzte schlechte Seite (dasselbe „Böse“) sind destruktive Lebensprinzipien, deren Befolgung einer Person Schaden zufügen wird. Und die Tatsache, dass das verständliche Gute in der Geschichte über das verständliche Schlechte siegt, lehrt uns, uns entsprechend auf Konstruktivität auszurichten. Dabei geht es im Wesentlichen darum, einen Menschen schon in jungen Jahren auf Siege im Leben zu programmieren.

Wenn, wie in Disney, ein Dieb, ein Monster, ein Mörder, ein Feind, ein Dämon usw. als gut dargestellt wird, widmet sich die Geschichte nicht ernsthaft seiner eindeutigen Reue und Verwandlung (und das wird im Film auch nicht wirklich angeboten). betrachteten Fälle), dann richtet sich das Positive, das der Orientierungspunkt auf natürliche Weise in seine Richtung und in die Richtung all jener Phänomene und Konzepte ausrichtet, die seinem Typus folgen, aus. Auf schurkische Archetypen folgen immer entsprechende, historisch geformte Bedeutungen. Was genau verbirgt sich also hinter den täuschend guten Dieben, guten Feinden, guten Dämonen, was bedeutet das? Der Punkt ist, dass, wenn der Helden-Dieb freundlich und gut ist, ihm der Diebstahl folgt; wenn der Feind gut ist, dann der Verrat am Mutterland positives Phänomen, wenn der dämonische Held gut ist, dann wird eine positive Einstellung gegenüber Okkultismus und Satanismus usw. gezogen. Auf jede Art von Bösem folgen bestimmte, in der Gesellschaft akzeptierte Bedeutungen, die für den unbewussten Betrachter im Wesentlichen als „gebilligt“ bezeichnet werden. Darüber hinaus kann die Positivität dieses oder jenes Übels in Disney-Geschichten noch weiter bestätigt werden: So bewegen sich beispielsweise sehr ähnliche Diebeshelden, Aladdin aus dem gleichnamigen Zeichentrickfilm von 1992 und Flynn Rider aus Rapunzel 2010, ganz auf ein persönliches Happy End zu Dank der Fähigkeiten der Diebe hilft beides und führt sogar glücklich zur wahren Liebe. Oder Casanova Oscar Diggs im Film „Oz der Große und Mächtige“ aus dem Jahr 2013 – erreicht seinen endgültigen Erfolg dadurch, dass er, nachdem er durch eine Reihe von Frauen „gelaufen“ war, sich mit der am besten geeigneten Frau verband.

Wenn dies auf ein solches Niveau ansteigt, wenn schwarze und weiße Phänomene trügerisch vermischt werden: „gutes Böses“ / „weißes Schwarz“ / „moralische Unmoral“, dann wird die Unterscheidung zwischen Gut und Böse offensichtlich nicht als sich gegenseitig ausschließende Konzepte festgelegt, sondern Dem Betrachter wird ein moralisches (oder vielmehr unmoralisches) Zwischenwertsystem angeboten. Die Mischung aus schwarzen und weißen moralischen Kategorien geht natürlich in graue Moral über. Die Phänomene von Gut und Böse sind nicht mehr gegensätzlich, was bedeutet, dass ihre Trennung bedeutungslos wird, so dass sich das Böse letztendlich im ideologischen Nebel verbirgt, als ob es nicht notwendig wäre, zu unterscheiden. Eine der gefährlichsten Arten der Rechtfertigung ist es, nicht zwischen dem Bösen, dem Zufälligen oder dem Vorsätzlichen, zu unterscheiden. Das Böse nicht vom Guten zu unterscheiden bedeutet, das Böse zu rechtfertigen und es für akzeptabel zu halten.

Durch die systematische Darstellung des Bösen aufgrund eines traurigen Hintergrunds oder einer angeborenen Natur (Disney-Helden: Theodora, Maleficent, Lady Tremaine, Robert Callaghan, Elsa, Ralph, Stitch) vermittelt Disney die Idee, dass es nicht sein „Träger“ ist, der für das Böse verantwortlich sein könnte ", und jemand anderes. Dieses Übel wurde auf diese Weise geboren, dieses Übel wurde auf diese Weise geschaffen – und die Botschaft wiederholt sich von Produkt zu Produkt und hypnotisiert den Betrachter. Oberflächlich betrachtet mag dies realistisch erscheinen oder sogar mit der Idee der Barmherzigkeit zusammenhängen, aber aus pädagogischer Sicht ist die Idee der Verantwortung für das Böse durch die regelmäßige Demonstration von erzwungenem, konditioniertem Bösen gegenüber Kindern/Jugendlichen realistisch komplett gelöscht. Es wird so dargestellt, dass jemand anders schuld ist und nicht der Bösewicht – und daraus folgt eine der schlimmsten Lektionen, die man einem Menschen beibringen kann – die persönliche Verantwortung auf Dritte zu übertragen und die Rolle des Bösewichts zu übernehmen Opfer. Es ist nicht meine Schuld, es waren andere, die mich „so“ gemacht haben: andere, Umstände, Stimmung, Emotionen usw.

Und gleichzeitig wird hinter all der Positivität und Rechtfertigung des Bösen, die in den Medien propagiert wird, „verschwommen“, warum böse Charaktere in Geschichten überhaupt gebraucht werden, was sie im Wesentlichen sind. Das sind keine netten und nicht hoffnungslosen Kerle mit dem Charisma von Johnny Depp oder Angelina Jolie, für deren traurige Hintergrundgeschichte man sich interessieren und dann Mitleid mit ihnen haben, sie verstehen, lieben und als Vorbild nehmen muss, wie es in der Moderne übertrieben wird Massenkultur (und das natürlich nicht nur für Kinder, dieser Trend ist in allen Altersgruppen verbreitet). Böse Charaktere müssen im Allgemeinen einfach ihre homogene, sehr wichtige und sehr funktionale Rolle in Geschichten spielen: sich von den positiven Einstellungen verdrängen, die durch die Gegenseite des Guten getragen werden, was sie erzieht, inspiriert und weiter stärkt Bewegung zum Guten (richtige Lebensrichtlinien). Böse Charaktere zeigen, dass es etwas Inakzeptables, Verbotenes, Tabu gibt. Das Böse ist kein Vorbild, wie es durchzusetzen versucht für den modernen Menschen destruktive Massenkultur, sondern ein Anti-Referenzpunkt, eine Vogelscheuche, ein tiefer Abgrund für Licht, Moral, Harmonie usw. Disneys „komplexes Böse“ gibt bewusst nicht die wahre Rolle des Bösen wieder. Es stößt den Betrachter nicht ab, sondern zieht es an, indem es die Funktion des Bösen unmerklich von sich selbst auf ... die klassische, angemessene Vision des Bösen überträgt – das Böse, das implizit als falsche Position eingeflößt wird. Und am Ende stellt sich heraus, dass das neue „Gute“, das dem Betrachter geboten wird, die pseudotolerante Akzeptanz des Bösen als Gut ist, und das neue Böse ist die klassische und angemessene Unterscheidung zwischen dem Bösen als Bösem und seiner Nichtakzeptanz.

Die (un)moralische Mischung aus Gut und Böse lehrt den Betrachter, dass das Böse als Phänomen nicht unterscheidbar ist und dass das Böse gut sein und so bleiben kann, wie es ist. Genau genommen geht es darum, gut zu sein und nicht um gut zu werden, denn in den Geschichten der genannten Charaktere geht es nicht um das Thema der Umerziehung oder der Wiedergeburt des Bösen in Gutes, sondern vielmehr um die Wahrnehmung des Bösen als gut.

Aufzwingende automatische Wahrnehmung des Bösen als gut

Im Hinblick auf die Akzeptanz des Bösen als gut ist ein spezifischer Handlungsmechanismus, der systematisch in Disney-Produkten auftaucht, äußerst aufschlussreich und es lohnt sich, gesondert darauf einzugehen. Hierbei handelt es sich um die anhaltende und unvernünftige Anziehungskraft einer weiblichen Figur auf das Böse, die in den Handlungssträngen sorgfältig und subtil als Wahrnehmungs- und Verhaltensmuster bestätigt wird.

Dieses Muster wiederholt sich mindestens in den folgenden Disney-Produkten:

„Pocahontas“-Film 1995

„Monsters, Inc.“ M/F 2001

„Lilo und Stitch“, S. F2001.

„Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle“ m/w 2ooz.

„Frozen“ m/w 2013

„Fairies: Legend of the Monster“ M/F 2014

Malifecenta, m.f. 2014

Die Geschichte bietet dem Zuschauer eine positive weibliche Figur (Pocahontas, Boo, Lilo, Elizabeth Swann, Prinzessin Anna, Fairy Fauna, Prinzessin Aurora), die sich auf die eine oder andere Weise für eine Art Böses entscheidet – natürlich nicht als homogen dargestellt Böse, aber mit Gutem vermischt, was letztendlich zur Bestätigung der Handlung führt, dass eine solche Wahl lobenswert und wünschenswert ist.

1. Pocahontas

Pocahontas sieht die Ankunft von Feinden an ihren Heimatküsten und fühlt sich sofort wie ein Magnet romantisch zu einem von ihnen hingezogen.

Es ist sehr leicht zu erkennen, wie positiv dieses Verhaltensmodell in diesem Fall ist – studieren Sie einfach das wahre Schicksal von Pocahontas. Der Prototyp des Cartoons ist eine äußerst tragische Geschichte über ein junges und schlecht denkendes indisches Teenager-Mädchen, das ihren Vater und ihren Stamm verriet, was weder für sie noch für ihre Familie und Freunde gut endete, wohl aber für ihre Feinde. Offensichtlich sollte diese historische Episode Kinder erschrecken und ihnen nicht beibringen, sich wie Pocahontas zu benehmen. Wie positiv das dargestellte Phänomen – die Liebe einer Frau zum Bösen – ist, wird im Einzelfall möglichst deutlich. Und die Kenntnis der Hintergründe der Geschichte kann bei der Beurteilung völlig ähnlicher Handlungsstränge hilfreich sein.

1. Ein kleines Mädchen namens Boo in „Die Monster AG“, das in ihrem Schlafzimmer ein riesiges Monster mit Reißzähnen sieht, das ihr absichtlich Angst machen will, freut sich sehr über ihn und nennt ihn „Kitty“. Die Hälfte des Films läuft sie ihm hinterher wie einem Elternteil und nimmt ihn absolut positiv wahr.

1. Das Mädchen Lilo aus dem Zeichentrickfilm „Lilo und Stitch“, das ins Tierheim kommt, um sich einen Hund auszusuchen, empfängt einen aggressiven, bösen Außerirdischen, der nicht einmal wie ein Hund aussieht (wieder wahllos). Es ist völlig offensichtlich, dass mit ihm etwas nicht stimmt, er verhält sich seltsam und wütend, aber wie von Zauberhand mag sie ihn wirklich

Für Lilos Wahrnehmung wird der auf Zerstörung programmierte kosmisch böse Mutant automatisch zum „Engel“, und dafür gibt es keine semantischen Voraussetzungen.

1. Elizabeth aus dem ersten Teil von „Fluch der Karibik“, die Tochter des Gouverneurs einer englischen Stadt, schwärmt seit ihrer Kindheit von Piraten, und Piraten, erinnern wir uns kurz daran, sind Seebanditen, Diebe und Mörder. Und wieder das gleiche Thema: Ein edles Mädchen fühlt sich unvernünftig und magnetisch vom Bösen angezogen. Sie singt ein Piratenlied, mit dem der Film beginnt, bekommt ein Piratenmedaillon um den Hals, lernt die Piratenregeln kennen, interessiert sich in jeder Hinsicht für sie und landet dadurch „glücklich“ in ihrer Gesellschaft - sowohl körperlich als auch ideologisch.

Am Ende der Geschichte gesteht das Mädchen ihre Liebe zu dem jungen Mann erst, nachdem er zum Piraten (bösen) geworden ist. Ihr Vater bringt dann einen Satz zum Ausdruck, der Disneys Lektionen über das Böse perfekt zusammenfasst: „Wenn der Kampf für eine gerechte (gute) Sache dazu führt, dass man ein (böser) Pirat wird, kann Piraterie (das Böse) zu einer gerechten (guten) Sache werden.“ Wenn der Kampf um das Gute einen dazu zwingt, böse zu werden, kann das Böse zum Guten werden. Gut... lässt dich böse werden? Diese. Auch hier gibt es keine Grenze zwischen Gut und Böse, keine moralischen Richtlinien. Schattenwertesystem. Das Böse kann gut sein und dennoch böse bleiben.

1. Elsa aus „Die Eiskönigin“ ist Andersens Version der Schneekönigin, einer homogenen bösen Figur, die in der Geschichte für Konflikte sorgt, Herzen einfriert und Lebewesen in tödliche Kälte taucht – was Elsa im Film tatsächlich tut. Wenn wir die zusätzlichen Feinheiten der Handlung („Schwestern“, homosexueller Subtext) beiseite lassen, die die Situation überhaupt nicht verbessern, kommt dieser Maßstab erneut zum Vorschein: die Anziehungskraft von Frauen auf die Seite des Bösen. Die zweite Heldin, Anna, ist verzaubert und fühlt sich zu Elsa hingezogen, die das Königreich eingefroren und ihr ernsthaften Schaden zugefügt hat. Anna begibt sich entschlossen, ohne jeden Zweifel oder Zögern, in ferne Länder, um beharrlich ihre Liebe demjenigen zu schenken, der ihr Schaden zugefügt hat, der von allen eindeutig als böse angesehen wird und der in der Originalgeschichte eindeutig böse war. Bemerkenswert ist auch, welche Veränderungen die Handlung erfahren hat, nachdem sie von Andersens Märchen zu Disney-Drehbuchautoren übergegangen ist: War es früher eine Liebesgeschichte mit dem guten Kai und Gerda und der bösen Schneekönigin, die ihnen gegenüberstand, wurden jetzt drei Helden durch ersetzt zwei. Das Böse wird in das Gute integriert: Aus Gerda wurde Anna, und Kai und die Schneekönigin werden in einer Figur vereint – der leidenden, bösen Elsa. Hier ist deutlich zu erkennen, dass es sich bei „Gut Böse“ in Wirklichkeit um ideologischen Schmuggel handelt, um das Böse zur Akzeptanz des Betrachters zu bringen.
2. Die neugeborene Prinzessin Aurora in Maleficent liegt in ihrer Wiege und lacht und lächelt freudig die Frau an, die sie verflucht hat, eigentlich ihre Mörderin. Ähnliches passiert Jahre später: Die erwachsene Aurora hat die gruselige „Fee“ offiziell kennengelernt. Wer sie verflucht hat, glaubt automatisch, dass sie eine gute Patin ist, obwohl es offensichtlich ist, dass das seltsame Verhalten und die ehrlich gesagt dämonische, beängstigende Erscheinung der Heldin solche Assoziationen kaum hervorrufen werden.

Wie im Fall von „Die Eiskönigin“ war Maleficent auch in der Originalgeschichte „Dornröschen“ ein ganz normaler böser Charakter. Und wieder eine ähnliche Neuordnung der Charaktere: Waren es früher drei – eine Prinzessin, die gerettet werden musste, ein Prinz-Retter und das Böse, das sich ihnen widersetzte, so bleibt es jetzt noch eine Prinzessin, die getötet und gerettet werden muss, und ein neues „2-in-1“. ” – ein Retter + Böses in einem Charakter geschmuggelt.

Wenn Sie darüber nachdenken, ist dies eine selbstmörderische Handlung, absolut identisch damit, sich dem Feind anzuschließen – eine Anziehungskraft auf etwas, das Sie zerstören will. Sie versuchen, die Fauna zur Vernunft zu bringen, aber vergebens. Sie ist kein Falkenküken mehr, sondern ein schreckliches dämonisches Monster, um das es in ihrer Gesellschaft eine schreckliche Legende gibt. Aber noch einmal: Sie fühlt sich wie von einem Magneten zu ihm hingezogen, trotz allem, was man über ihn sagt, trotz seiner schrecklichen dämonischen Erscheinung und seines zweideutigen Verhaltens.

Infolgedessen führt die Geschichte zu einem Happy End. Eine unangemessene Anziehungskraft auf ein Monster, das wie ein echter Dämon aus der Unterwelt aussieht, wird als positives „Muster“ dargestellt. Alles ist in Ordnung, alles ist in Ordnung, höre auf niemanden, dieses Übel ist sicher, komm zu ihm, liebe es, hilf ihm.

All diese Handlungsstränge führen natürlich auf subtile und faszinierende Weise dazu, dass die Entscheidung der weiblichen Figur für das eine oder andere „zweideutige“ Übel zu einem Happy End führt, wie sonst? Aber die Tatsache bleibt bestehen: Im Laufe der Jahre und wie auf Pauspapier lässt sich dieses Thema der lobenswerten und grundlosen Anziehungskraft der weiblichen Figur auf dieses oder jenes Böse nachvollziehen und als gutes Böses aufbauen.

Indem Disney in seinen Produkten immer wieder dieses Klischee aufgreift, nämlich das Automatismus, das Böse als gut wahrzunehmen, arbeitet Disney offensichtlich daran, das Prinzip der Bewertung und Wahl bei den Menschen frühzeitig zu zerstören. Indem das Unternehmen offensichtliche Bösewichte für junge Zuschauer als Verhaltensmodelle oder Objekte positiver Wahrnehmung auswählt, versucht es, in ihnen Filter der Diskriminierung, Einstellungen für eine angemessene Wahrnehmung von Gut und Böse, Gut und Böse im Leben destruktiv zu verschlüsseln. Wenn man sich auf dem Bildschirm daran gewöhnt, das Böse als etwas Gutes zu sehen, beginnt man automatisch, sich im Leben davon leiten zu lassen.

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Die Vermischung von Gut und Böse durch gute Bösewichte + die Vorstellung, dass die Verantwortung für das Böse irgendwo weit außerhalb des Trägers des Bösen angesiedelt sein kann + die Programmierung für die automatische Wahrnehmung des Bösen als gut => führt beim Publikum zur Bildung einer Wahllosigkeit des Bösen + automatische Wahrnehmung des Bösen als unbedeutendes Phänomen und als Ergebnis - eine angemessene, nicht mit Moral verbundene Lebensweise - ein Konzept, das auf der Trennung der Phänomene Gut und Böse basiert.

Durch den Trend des Komplexen/Guten Bösen im Allgemeinen vermitteln wir dem Publikum das, was man heute „moralische Flexibilität“ nennt. Моральная гибкость — вид мировоззрения, основанного на несущественности зла — когда этические, нравственные принципы, исходя из которых человек действует, никогда не определены окончательно и всегда могут быть пересмотрены в зависимости от чего угодно: ситуации, настроения, приказа начальника, моды или чего-либо noch. Gut, böse – es ist egal, man kann „Flexibilität“ zeigen, wie in den Disney-Geschichten:

„Es waren weder Helden noch Schurken, die die beiden Königreiche versöhnten. Sie versöhnte den Menschen, in dem Böses und Gutes vereint waren. Und ihr Name ist Maleficent“; Im ersten „Fluch der Karibik“ fragt Elizabeth einmal: „Auf welcher Seite steht Jack?“ (Piratenkapitän) und deutet an, ob er auf der Seite des Guten oder auf der Seite des Bösen steht, und stürzt sich dann, ohne die Antwort überhaupt herauszufinden, mutig auf seine Seite, um zu kämpfen. Gut, böse – für die Heldin, die dem Zuschauer als Vorbild dient, spielt das keine Rolle. Gut und Böse sind in einer gemeinsamen, moralisch grauen Ebene vereint.

Im Großen und Ganzen kann man durch den Glauben an eine solche Untrennbarkeit der Phänomene von Gut und Böse und an ihre Bedeutungslosigkeit aus moralischer Sicht erfolgreich Generationen moralisch flexibler Menschen gewinnen, die allem treu sind und bereit sind, ohne Urteil anzunehmen, was angeboten wird sie von jemandem. Solche Menschen, die es nicht gewohnt sind, nach moralischen Grundsätzen zu operieren, sind für Manipulationen sehr geeignet.

Sexualisierung

Wie Sie wissen, beinhalten Disney-Geschichten fast immer etwas Handlungüber die wahre Liebe, die mit einem glücklichen Ende über alle Probleme und Widrigkeiten triumphiert. Und da Liebe einerseits ein inhärenter hoher Wert des menschlichen Lebens ist, scheint daran nichts auszusetzen zu sein romantische Geschichten, das so oft jungen Zuschauern geboten wird, kann nicht sein. Ja, das Verstehen der Liebe ist wichtig und notwendig, aber eine wesentliche Rolle spielt die Art und Weise, wie romantische Ideen genau formuliert und durch künstlerische Produktion Kindern und Jugendlichen präsentiert werden. Für die korrekte pädagogische Vermittlung des Themas Liebe ist es notwendig, keusche, luftige Bilder zu verwenden, die es ermöglichen, den spirituellen Wert des Phänomens Liebe zu verstehen. Unnötig zu erwähnen, dass die sexuellen Aspekte des Themas nicht im Vordergrund stehen sollten? Alles Fleischliche in der Liebe gilt bis zu einem bestimmten Alter zu Recht als Tabu, da ein vorzeitiges Interesse an Sexualität die Entwicklung eines Menschen verlangsamen und die Lösung seiner frühen Lebensprobleme behindern kann.

Was Disney-Geschichten betrifft:

Sexualisierte Charaktere und Beziehungen

Erstens ist es leicht zu erkennen, dass das Unternehmen im Rahmen von Liebe, Romantik und Märchen oft visuell sehr „physiologische“ Helden darstellt, die sich in den beteiligten Beziehungen physiologisch angemessen und reif verhalten. romantische Beziehungen. Jasmine, Ariel, Pocahontas und viele andere berühmte Disney-Schönheiten – erwachsene, überaus schöne Frauen mit sexy Figuren, die ihre Mimik und „Körpersprache“ schüchtern einsetzen, sich oft in die Lichtgeschwindigkeit verlieben und standardmäßig „versiegeln“. die Wahrheit gefundener Liebe mit einem demonstrativen Kuss eines Erwachsenen. Hat dies die oben erwähnte Leichtigkeit und Keuschheit? Aber vielleicht ist das nur eine misslungene visuelle Sequenz, aber inhaltlich lehrt Disney den Zuschauern die kristallinste, erhabenste Liebe?

Schädliche Liebesgeschichten

Leider hinterlassen viele Disney-Romanzen auch Zweifel und Fragen. Übrigens: Der erste abendfüllende Zeichentrickfilm des Unternehmens, „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ aus dem Jahr 1937, und seine Liebeskomponente dienen perfekt als Antwort auf die Frage „Wie lange ist es her, dass Disney schlecht wurde?“ In diesem Zeichentrickfilm schickt die Hauptfigur nur wenige Minuten nach dem Treffen mit einem Fremden eine Taube, um ihm einen Kuss auf die Lippen zu geben, und wenig später lebt sie glücklich im Wald mit sieben Zwergen (mit sieben Männern). in deren Betten sie schläft, mit der sie fröhlich tanzt und mit der sie einen nach dem anderen küsst, bevor sie zur Arbeit gehen. Um es gelinde auszudrücken: ein eher leichtfertiges Verhaltensmodell für Kinder und Jugendliche. Und das ist 1937 und der allererste abendfüllende Zeichentrickfilm des Unternehmens! Außerdem tanzt Aschenputtel aus dem Zeichentrickfilm von 1950, nachdem sie den Prinzen auf dem Ball getroffen hat, mit ihm, küsst ihn fast, merkt aber plötzlich, dass es bereits Mitternacht ist und es Zeit ist, nach Hause zurückzukehren, und sagt: „Oh, das habe ich nicht gefunden Prinz“, ohne zu wissen, dass er und es einen Prinzen gibt. Mit anderen Worten: Da Aschenputtel nicht die gefunden hat, von der sie geträumt hat, hat sie nichts dagegen, vorerst mit jemand anderem zu „tanzen“ – eine sehr interessante Art, die Frage zu stellen! Prinzessin Aurora aus „Dornröschen“ von 1959 schläft wie Schneewittchen und Aschenputtel und sieht ein Treffen mit einem hübschen Prinzen. Nachdem sie ihn in der Realität getroffen hat und auch noch nicht weiß, dass er ein Prinz ist, geht sie sofort in seine träge Umarmung. Eine reiche Fantasie und ein paar Minuten Tanzen mit einer kaum vertrauten Person reichen also angeblich aus, um zu vertrauen und Liebesbeziehung. Auch andere Disney-Prinzessinnen sind anfällig für das Instant-Love-Syndrom: Pocahontas aus dem gleichnamigen Zeichentrickfilm, Ariel aus „Die kleine Meerjungfrau“ und Jasmine aus „Aladdin“, die auf den ersten Blick in den Abgrund der Gefühle stürzen.

Einige von Disneys Liebesgeschichten erinnern an intime Zuhälterei à la „Dom-2“ – Liebe aufbauen oder aufgeben: In „Die kleine Meerjungfrau“ beispielsweise muss die Hauptfigur in drei Tagen eine Person dazu bringen, sich in sie zu verlieben. In „Die Schöne und das Biest“ muss der verzauberte Prinz etwas Ähnliches tun – um sich in kurzer Zeit die Liebe eines Mädchens zu sichern. Da ihm die Zeit ausgeht, den Zauber zu brechen, bringt er sie dringend dazu, sich auf jede erdenkliche Weise in ihn zu verlieben. Ähnliches passiert in „Die Prinzessin und der Frosch“ – um den Bann zu brechen, haben die Hauptfiguren nur eine Möglichkeit – sich ineinander zu verlieben und sich zu küssen.

Es ist interessant festzustellen, dass das Unternehmen beschließt, mit dem jahrelangen Klischee der „schnellen Liebe“ zu brechen und den Trend der wählerischen Liebe zu starten, nur um die Werte der „unkonventionellen Liebe“ zu fördern – die Rede ist von „Frozen“. im Jahr 2013 und „Maleficent“ im Jahr 2014. In beiden Fällen erweist sich die berüchtigte schnelle Liebe plötzlich als unbesiegbar (die „unwahren“ Paare Prinz Hans/Prinzessin Anne und Prinz Philip/Prinzessin Aurora), was für die Metapher des notwendig ist weiterer Erwerb der richtigen homosexuellen Liebe für sie (Elsa, Maleficent) durch die richtigen Charaktere (Anna, Aurora). (Disneys Förderung der Homosexualität wird gesondert ausführlicher besprochen).

Sexuelle Metaphern

Fragen zum Thema Sexualisierung in Disney-Produkten verstärken natürlich die regelmäßig vorkommenden sexuellen Metaphern. Im Film „Oz, der Große und Mächtige“ lassen sich beispielsweise sexuelle Untertöne in der Szene erkennen, in der Oz und Theodora die Nacht im Wald am Feuer verbringen, wo Theodora träge ihre Haare fallen lässt und ihre Begleiterin Casanova informiert: dass „niemand sie jemals zum Tanzen aufgefordert hat.“ Die Episode des Heldentanzes geht bedeutungsvoll in schwarze „Unschärfe“ über, und in der nächsten Morgenszene plant Theodora bereits „und sie lebten glücklich bis ans Ende ihrer Tage“ für sich und Oz. Oder im Zeichentrickfilm „Flugzeuge: Feuer und Wasser“ mit der Markierung 0+ (!) sagt der Flugzeugpilot Plyushka während eines festlichen Abends im Freizeitzentrum zur Hauptfigur Dusty, dem Hubschrauber: „Oh, genau das Richtige für einen.“ Erstes Date: kostenlose Getränke, freie Zimmer“, und später erzählen ihre Freunde, ein paar Wohnwagenfahrer, wie während ihrer Flitterwochen „alle Reifen abgenutzt waren“.

Manchmal wird die sexuelle Konnotation auf komplexere Weise „codiert“: Beispielsweise enthält der Zeichentrickfilm „Tangled“ eine Metapher für den Entzug der Jungfräulichkeit der Hauptfigur – ihre verlegene Präsentation ihres Wertes für einen Mann in einer intimen und romantischen Umgebung. was er unbedingt haben wollte und weshalb er sich mit dem Mädchen einließ. Gleichzeitig versuchte der Held zunächst, das Mädchen mit „Pick-up“-Methoden zu erobern, und sein Nachname wird aus dem Englischen als „Reiter“ übersetzt. In Disney-Produkten findet sich fast immer eine Form der Erotisierung. Selbst der mehr oder weniger positive Film „Cinderella“ aus dem Jahr 2015 enthält gnadenlos unnötige sexuelle Details: Aschenputtels sinnliche Sehnsüchte beim Tanzen mit dem Prinzen auf dem Ball, eine Aufnahme der Hand des Prinzen, die über Aschenputtels Taille gleitet, tiefe Ausschnitte, die ständig auf der Leinwand aufblitzen usw .

Unterschwellige Sexbotschaften

Und schließlich werden zu der Schlussfolgerung, dass Disneys sexuelle Ausrichtung in der Erziehung von Generationen kein Zufall ist, die sogenannten unterschwelligen Botschaften, die mit dem Thema Sex verbunden sind und über Jahrzehnte hinweg immer wieder in Disney-Produkten zu finden waren, deutlich hinzugefügt. Einige Beispiele sind kontrovers, andere recht beredt:

So erhalten wir: übermäßig erotisierte Darstellung der Charaktere und ihrer Beziehungen + Schädlichkeit von Liebeshandlungen („sich verlieben oder verlieren“, „schnelle“ traditionelle Liebe, „wählerischer“ Homosexueller) + sexuelle Metaphern/Subtexte + unterschwellige Sexbotschaften – alles Together Bright zeigt, dass Disney, das sich hinter seinen endlosen „Liebesgeschichten“ verbirgt, offensichtlich nicht versucht, seinen jungen Zuschauern die Vorstellungen von Liebe auf ernsthafte Weise zu vermitteln, wie es die ständige oberflächliche Disney-Moral „Liebe erobert alles“ positioniert, sondern, Tatsächlich lockt und programmiert es Kinder hinsichtlich der sexuellen Seite des Problems.

Durch eine Vielzahl von Disney-Liebesgeschichten und die darin angebotenen Verhaltensmodelle wird die frühe Sexualisierung gefördert – eine zugrunde liegende, verschleierte Einführung des Zuschauers in die Sexualität und sexuelle Beziehungen. Aufgrund der Tatsache, dass relevante Informationen nicht nur auf der bewussten Ebene (sexualisierte Charaktere und Handlungen), sondern auch auf der unterbewussten Ebene (Sexmetaphern + unterschwellige Botschaften) auftreten, werden Disney-Anhänger von diesem Thema „bombardiert“.

In 2/3 der getesteten Disney-Produkte (21 von 33) wurde eine Art Sexualisierung festgestellt:

• „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ M/F 1937
• „Cinderella“-Film 1950
• „Peter Pan“-Film 1953
• „Dornröschen“ l/f 1959.
• „Die kleine Meerjungfrau“ m/w 198eg.
• „Die Schöne und das Biest“ M/F 1991
• „Aladdin“-Film 1992
• „Der König der Löwen“ m/w 1994
• „Pocahontas“-Film 1995
• „Herkules“-Film 1997
• „Tarzan“ \l/f199eg.
• „Atlantis: The Lost World“ M/F 2001
• „Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle“ X/F 2003.
• „Die Prinzessin und der Frosch“ M/F 2009
• „Rapunzel“-Film 2010
• „Brave“ m/w 2012
• „Frozen“ m/w 2013
• „Maleficent“ x/F2014.
• „Cinderella“-Film 2015

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Durch die systematische Wahrnehmung des Themas Liebe in einer unkeuschen, erotisierten Form und einer großen Schicht sexueller, unterschwelliger Informationen, die für das Unterbewusstsein bestimmt sind, werden beim jungen Betrachter vorzeitig sexuelle Instinkte enthemmt und falsche Ansichten über Liebe und Beziehungen eingeflößt, wobei der Schwerpunkt auf der Sexualität liegt . Die Selbstidentifikation mit Sexualheldinnen und -helden führt zu einer entsprechenden Selbsteinschätzung durch das Prisma der Sexualität. Gleichzeitig wird das Kind/Jugendliche glauben, dass dies von ihm erwartet wird, da ihm dieses Verhaltensmuster als positiv, zustimmend und erfolgsbringend aufgezeigt wird. Durch eine solche (Anti-)Erziehung besteht die Gefahr, dass Sex in Zukunft unangemessen wird guter Platz im menschlichen Wertesystem. Ein Mensch, der schon in jungen Jahren süchtig nach sexuellen Interessen wird, wird von vornherein sozial „neutralisiert“, abgelenkt von unbedeutenden Phänomenen durch die Maßstäbe des menschlichen Lebens, die gleichzeitig eine starke Abhängigkeit hervorrufen. Die Kultivierung fleischlicher Freuden nimmt viel Zeit in Anspruch, macht den Menschen schwach, lässt sich leicht von außen programmieren und beraubt ihn des Zugangs zu seinem kreativen Potenzial.

Die Massenwirkung auf eine Gesellschaft, in der Sex hedonistisch zum Kult erhoben wird, ist ähnlich: Schwächung des kreativen Potenzials der Gesellschaft, Zeitverlust sowie Rückschritt der Institution Familie, da Keuschheit und Moral der Menschen für sie äußerst wichtig sind Existenz.

Von anderen getrennte Individuen
(Hyperindividualismus)

Sehr oft bietet Disney Helden als Vorbilder an, die radikal von der sie umgebenden Gesellschaft getrennt sind. Dies kann zumindest im Zusammenhang mit den folgenden Charakteren verfolgt werden: Pocahontas, Mulan und Herkules aus den gleichnamigen Zeichentrickfilmen, Ariel aus „Die kleine Meerjungfrau“, Lilo aus „Lilo und Stitch“, Belle aus „Die Schöne und das Biest“, Merida aus „Brave“. , Elizabeth Swan aus Fluch der Karibik: Der Fluch der schwarzen Perle, Jasmine aus Aladdin, Alice aus Alice im Wunderland und Remy die Ratte aus Ratatouille. Allen eint die individualistische Isolation von ihrer Umwelt. Sie werden als „nicht so“, „entgegengesetzt“, einige besser als „andere“ dargestellt. Im Gegensatz dazu wird die ursprüngliche Welt der Helden als grau, langweilig, uninteressant, mit unfairen oder langweiligen Normen, mit dummen und unfortgeschrittenen Menschen dargestellt, woraus die von den Drehbuchautoren vorbereitete Schlussfolgerung folgt: Superhelden müssen aus ihrer Heimat herauskommen Umfeld.

Es wird dargestellt, dass Pocahontas kein Interesse an ihrer Gemeinschaft hat und dass sie die besten Männer in ihrem Umfeld als langweilig empfindet. Die Tatsache, dass er als ihre Frau nominiert wird, wird als etwas Falsches und Unfaires dargestellt. Mulan hat kein Interesse an den Traditionen, die den Frauen ihrer Gesellschaft vorgeschrieben sind, und ihr wahrer Weg besteht darin, sie zu überwinden. Die kleine Meerjungfrau Ariel möchte unbedingt in die unbekannte Menschenwelt eintreten, und ihre Heimatwelt ist für sie uninteressant. Herkules, das hawaiianische Mädchen Lilo, die schöne Belle, die kulinarische Ratte Remy – sie passen eindeutig nicht in ihre ursprüngliche langweilige und „nicht fortschrittliche“ Welt. Auch Merida, Jasmine, Elizabeth Swan und Alice sind viel mehr daran interessiert, außerhalb ihrer Heimatwelt zu leben. Alle aufgeführten abtrünnigen Helden wollen nicht den Vorschriften ihrer Heimat folgen und flüchten letztlich vor ihren Gesellschaften oder gesellschaftlichen Prinzipien und Normen, die ihnen nicht gefallen, was sie laut Drehbuch zum Erfolg führt Glück.

Durch das Thema des abtrünnigen Individualismus werden angemessene Verhaltensmodelle im Leben gefördert. Dem Beispiel von Helden zu folgen, die von anderen getrennt sind, führt dazu, dass man sich selbst als eine Art großes und hyperindividualisiertes „Ich“ positioniert und seine Umgebung und die Normen der eigenen natürlichen Umgebung als etwas, das diesem Über-Ich „natürlich“ entgegensteht und von dem man ausgeht muss sich befreien, um Glück und Erfolg zu erreichen, wie es die Disney-Geschichten versprechen. Der Gesellschaft werden systemfeindliche Ansätze im schlechten Sinne eingeflößt. Du bist besser als andere, du bist hyperspeziell, anders, die Welt um dich herum ist langweilig, die Menschen in deiner Nähe sind dumm, die Normen und Regeln sind dumm und sie belasten dich. Gesellschaft, Regeln, Traditionen ablehnen – das steht im Gegensatz zum Besonderen, das auf einen zukommt. Hierbei handelt es sich nicht so sehr um die Programmierung eines revolutionären Geistes (dies würde die Pflege des Themas Freundschaft und Einheit erfordern, was bei Disney praktisch nicht der Fall ist), sondern eher um ein individualisiertes und atomisiertes menschliches Selbstbewusstsein. Das Gefühl, dass jeder herausgegriffen, besonders, der Beste ist, während die Umwelt und die Menschen um ihn herum grau, langweilig und natürlich im Gegensatz zu seiner eigenen brillanten Individualität sind, führt zur Bildung einer Gesellschaft entfremdeter Einzelgänger, denen nur ihre eigenen Interessen am Herzen liegen sind wichtig.

Mit seinen Produkten möchte Disney den Menschen ein Gefühl der Trennung von mehreren wichtigen menschlichen Verbindungen vermitteln: Wie bereits erwähnt, ist das Thema der Trennung von den Eltern weit verbreitet.

Ebenso wird das Thema Gesellschaft und die Menschen um uns herum – wie zum Beispiel die Elternschaft – alles negativ dargestellt.

Vulgarität

Ein wichtiger Punkt in Bezug auf Disney sind diverse Vulgaritäten, auf die das Unternehmen fast nie verzichtet (vulgäre Witze, niedrige „physiologische“ Ästhetik usw.)

Witze über Gesäß/riechende Füße/Sabber/Popel usw., Momente wie eine Figur, die sich einen BH über den Kopf zieht, Figuren, die völlig degeneriert aussehen (z. B. einige der Zwerge aus „Schneewittchen und die sieben Zwerge“ oder Olaf aus „Die Eiskönigin“) Herzen") - all dies ist dem Auge heute so vertraut geworden, dass es einfach ignoriert wird, als ob diese oder jene Vulgarität etwas völlig Akzeptables, Gewöhnliches, Normales wäre.

Aber wozu dienen all diese Punkte im Wesentlichen? Tragen sie irgendeine semantische Bedeutung? Haben sie eine Handlungsrolle? Vielleicht aus ästhetischer Sicht bedeutsam?

Noch eine Frage: Kann man im Märchen auf Vulgarität verzichten? Natürlich. Aber die Macher machen weiter und spicken die Bildschirme weiterhin mit dem einen oder anderen vulgären Moment für Kinder/Jugendliche.

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Vulgäre Momente, die regelmäßig im Bild aufblitzen, treffen den ästhetischen Geschmack eines Menschen und veranlassen seine Wahrnehmung dazu, etwas Niedriges, Unhöfliches und Geschmackloses zu akzeptieren. Dadurch baut sich ein Mensch, der gezwungen ist, Vulgarität auf dem Bildschirm ständig positiv wahrzunehmen, unwillkürlich ein entsprechendes ästhetisches Niveau auf. Wie viele andere schädliche Disney-Themen zielt auch dieses darauf ab, einen Menschen zu schwächen, ihn zurückzubilden, hier in Bezug auf den Sinn für Schönheit.

Verantwortungslosigkeit und Eskapismus

Ein seltenes, aber wiederkehrendes Thema bei Disney ist die Förderung eines verantwortungslosen Ansatzes als wirksam bei der Lösung von Problemen. Das Thema erscheint mindestens in den folgenden Produkten:

• „Aladdin“ m/F1992
• „Der König der Löwen“ m/F1994.
• „Ralph“ m/F2012
• „Oz der Große und Mächtige“ X/F 2013
• „Flugzeuge: Feuer und Wasser“ M/F 2014

Es wird dargestellt, dass eine Figur einen oder mehrere bestimmte Fehler aufweist. Aladdin lebt vom Diebstahl auf den Märkten der Stadt Agrabah; In „Wreck-It Ralph“ ist das Computermädchen Vanellope eine „defekte“, fehlerhafte Figur im Spiel – d. h. praktische Umsetzung des betrachteten Themas; Frauenschwarm Oscar Diggs lügt und nutzt Frauen aus; Helikopter Dusty aus „Planes: Fire and Water“ ist eigensinnig und hört nicht auf einen erfahrenen Mentor. In „Der König der Löwen“ ist das Schema etwas anders: Das Löwenbaby Simba, das eine unfaire und tragische Situation erlebt hat, kommt zum Tod seines Vaters und der Anschuldigung seines Onkels, er sei laut Drehbuch dafür verantwortlich eine sehr eskapistische Philosophie „Hakuna Matata“ (Probleme vergessen).

Infolgedessen erzielen alle oben genannten Helden gleichermaßen Erfolg durch das eskapistische Belassen ihrer Mängel oder problematischen Situationen, wie sie sind: Aladin entpuppt sich als eine Art auserwählter „Rohdiamant“ mit reiner Seele, absolut wie er ist seine diebischen Aktivitäten + Diebstahl helfen ihm am Ende auch, den Bösewicht Jafar zu besiegen (Aladdin stiehlt ihm in einer der Schlüsselszenen eine magische Lampe). Simba aus „Der König der Löwen“ triumphiert vor allem dank seiner Freunde Timon und Pumbaa, die ihm die Ideologie des „Scheißegal“ eingeimpft haben. Es ist ihre eigene Fehlerhaftigkeit, die Vanellope aus „Wreck-It Ralph“ dabei hilft, ein Computerrennen zu gewinnen („Glitchness“ lässt sie für den Bruchteil einer Sekunde aus dem Spiel verschwinden, was ihr hilft, das gefährliche Manöver ihrer Rivalin abzuwehren). Oscar siegt durch zahlreiche Täuschungen und die von ihm benutzten Frauen; darüber hinaus ist die gesamte Handlung des Films der Flucht des Helden aus den Problemen des Lebens in eine magische Welt gewidmet, die zu einem „Happy End“ führt. Dusty, der Helikopter, hat Erfolg, weil sein anarchischer Zug nicht korrigiert wird und er seinem Mentor in einem entscheidenden Moment ungehorsam ist.

Es sei darauf hingewiesen, dass alles, was beschrieben wird, nichts damit zu tun hat, dass unsere Mängel zum Sprungbrett zum Erfolg werden, da Erfolg durch die Korrektur und nicht durch Mängel erreicht wird. „Disney“ propagiert unrealistisch und unpädagogisch genau die Tatsache, dass Laster so gut sind, wie sie sind. Hakuna matata (lass deine Probleme hinter dir) und du bist ein Gewinner. Verantwortungslosigkeit, Betrug, Anarchie, Betrug, „Fehlerhaftigkeit“ usw.? "Alles ist perfekt! Du marschierst heldenhaft dem Erfolg entgegen!“ — Bewerben Sie die genannten Geschichten von Disney.

Lehrreiche Zeichentrickfilme und Filme sollen die Tugenden einer Person fördern, indem sie durch Handlung und Charaktere sowie eine angemessene Formulierung des Problems der Umerziehung von Lastern demonstrieren. Es muss unterscheidbar und verständlich sein. Die dargestellten Mängel oder problematischen Situationen der Charaktere müssen durch Fleiß, Reue usw. korrigiert und gelöst werden, um dem Publikum ein angemessenes Beispiel zu geben. Disney versucht die Menschen vom Gegenteil zu überzeugen: Verantwortungslosigkeit und ein eskapistischer Umgang mit Problemen und Mängeln seien angeblich der Weg zum Erfolg.

Dieses Thema hat auch viel damit zu tun, die Grenze zwischen Gut und Böse zu verwischen. Somit repräsentieren Aladdin und Oscar Diggs Disneys oft wiederholten „Gut-Böse“-Trend. Als Vorbilder für den Betrachter aufgestellt, belassen diese Helden das Böse in sich, das sie durch sorgfältig „verschleierte“ Handlungsstränge zum Glück führt.

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Der Zweck dieses Themas in Disney-Produkten besteht darin, den Betrachter davon zu überzeugen, dass es nicht nötig ist, an sich selbst und seinen Mängeln zu arbeiten, dass man alles Problematische in sich selbst lassen kann, wie es ist, und dass dies zum Erfolg führen wird. Dadurch wird die Mentalität vermittelt, dass die Welt trotzdem positiv darauf reagieren sollte, wenn mit einem etwas nicht stimmt. Wie viele andere schädliche Disney-Themen zielt auch dieses auf die Schwächung des menschlichen Potenzials und eine bewusst falsche Wahrnehmung der Realität ab, in der es einem immer gut geht und wenn etwas nicht stimmt, ist die Welt schuld, nicht Sie.

Unterstützung für Homosexualität

Das nächste schädliche Disney-Thema, das rege Verbreitung findet In letzter Zeit ist die Förderung der Normalität (Normalisierung) von Päderastie und Lesbianismus. Am deutlichsten gezeigt in den Produkten:

• „Feen: Das Geheimnis des Winterwaldes“ M/F 2012
• „Frozen“ m/w 2013
• „Maleficent“ x/F2014.

Die Handlungsstränge, die den Zuschauer auf eine positive Wahrnehmung von Homosexualität vorbereiten sollen, werden sorgfältig „poliert“ und mit verborgenen Bedeutungen aufgeladen. Die Metapher eines gleichgeschlechtlichen Paares steht im Mittelpunkt der Handlung, während die Drehbuchautoren, um öffentliche Kritik zu vermeiden, gesellschaftlich anerkannte gleichgeschlechtliche Beziehungen verwenden, die Nähe implizieren – Schwestern (Die Eiskönigin, Feen: Das Geheimnis des Winterwaldes). ) und adoptierte Mutter und Tochter (Maleficent).

In allen drei Produkten ist die zentrale gleichgeschlechtliche Beziehung übertrieben emotional aufgeladen und aus dem einen oder anderen Grund zunächst unmöglich, was notwendig ist, um eine Anspielung auf den Kampf des „unmöglichen“ Paares mit der öffentlichen Meinung zu schaffen.

Parallel dazu wird in „Frozen“ und „Maleficent“ ein obligatorischer, großer Schwerpunkt auf das Thema Liebe im Allgemeinen gelegt – so dass der Betrachter unbewusst versteht, dass es tatsächlich nicht darum geht Familienbande, die Disney, wie bereits erwähnt, seit Jahrzehnten bewusst ins Grab schickt (Kapitel über die Diskreditierung der Elternschaft). Es entsteht das Thema der Wahrheit/Unwahrheit der Liebe. Die Lösung des Handlungskonflikts ist wahre Liebe, die zunächst als traditionell angenommen wird (Anna und Hans, Anna und Kristoff in Frozen, Aurora und Prinz Philip in Maleficent), doch die traditionellen Optionen erweisen sich als falsch (Hans ist ein Betrüger). Kristoff steht in der Rettungsszene an seiner Seite sterbende Anna, Prinz Philip's Kuss weckt Aurora nicht aus ihrem Schlaf) und gleichgeschlechtliche Beziehungen (Anna und Elsa, Aurora und Malefiz), die einen dornigen Weg zu ihrer Existenz gehen mussten, erweisen sich glücklich als rettender Triumph und wahre Liebe.

Sowohl in „Frozen“ als auch in „Maleficent“ brechen traditionelle Paare parallel zusammen (das heißt, sie erweisen sich als unwahr), um die geförderten Ideen zu festigen – die Eltern von Elsa und Anna, Anna und Hans, Maleficent und Stefan ( (durch den die Heldin im Allgemeinen den Glauben an die Liebe verliert und ihn später dank Aurora, einer weiblichen Figur, wiederfindet), stirbt auch das Paar Stefan und die Königin.

In The Fairies: A Winter Forest Mystery können sie zunächst nicht zusammen sein, da die Liebe eines traditionellen Paares gescheitert ist und die beiden Welten getrennt wurden (eine Anspielung darauf, wie die konventionelle Gesellschaft die Möglichkeit der Liebe für alle zerstört).

Interessant ist auch, dass in „Frozen“ und „Fairies: The Mystery of the Winter Forest“, die im Wesentlichen in derselben Kopie erstellt wurden, dargestellt wird, dass die unfaire und erzwungene Trennung gleichgeschlechtlicher Charaktere zu Problemen für das GANZE führt Gesellschaft (Vereisung der Welten in beiden Cartoons), die die Gesellschaft dazu zwingt, sich auf die Wiederherstellung der zentralen gleichgeschlechtlichen Union (die Vereinigung der Welten der Feen – in „Fairies: Das Geheimnis des Winterwaldes“, die Akzeptanz durch Gesellschaft der „besonderen“ Elsa, die ihre Beziehung zu Anna wiederherstellt – in „Frozen“), und dies führt zu universellem Glück und der Fortsetzung eines ruhigen Lebens (die Rückkehr des Sommers). Mit anderen Worten: Damit wird der Zuschauer auf das Thema programmiert, dass die Leugnung „gleichgeschlechtlicher Partnerschaften wahrer Liebe“ gefährlich ist und ernsthafte Probleme für alle schaffen wird, was natürlich eine zutiefst trügerische Idee ist.

Es gibt auch ein homosexuelles Thema... im König der Löwen. Timon und Pumbaa, die als lokale Ausgestoßene identifiziert wurden, adoptieren tatsächlich das gefundene Löwenjunge Simba (ein Satz, der eher Gedanken an Adoption als an Freundschaft hervorruft: „Lasst uns ihn behalten“). Dann erziehen ihn die Helden behutsam zu einem guten Löwen. Gleichzeitig wird Timon von dem offen schwulen Schauspieler Nathan Lane geäußert, und der Titelsong im Cartoon-Soundtrack ist ein Lied von Elton John, ebenfalls schwul. Diese. Das Thema ist vollständig ausgearbeitet, obwohl die Geschichte im Gegensatz zu den drei oben genannten späteren Disney-Produkten nicht offen und vollständig diesem Thema gewidmet ist.

Es ist erwähnenswert, dass Disney neben der verschleierten Förderung der Loyalität gegenüber Päderastie und Lesbentum durch seine Produkte auch in großem Umfang offene Techniken einsetzt:

Öffentliche Unterstützung für LGBT-Menschen

Schwule Tage im Disneyland. Bereits 1991 wurde im Disneyland ein besonderer Tag für Schwule und Lesben eingeführt – der „Gay Day“. Heutzutage steht in allen Disneylands Lesben, die als besonderes Zeichen rot gekleidet sind, das Territorium von Kinderparks, Schwimmbädern und Restaurants zur Verfügung. Heutzutage finden besondere Partys und Wettbewerbe statt und berühmte Disney-Zeichentrickfiguren treten in unkonventionellen Bildern auf. Die Anwesenheit von Kindern an Gay-Tagen im Disneyland ist nicht nur nicht verboten, sondern wird auf jede erdenkliche Weise gefördert.

Technokratie

Und das letzte schädliche Thema, das Disney in der Neuzeit zu verbreiten begann, ist der Technokratismus (die Philosophie der Überlegenheit des Technischen gegenüber dem Übermenschlichen), zu dem auch der Transhumanismus (die Richtung der Veränderung der menschlichen Natur) gehört. technische Änderungen Mensch, Verschmelzung von Mensch und Maschine). Das Thema manifestiert sich mindestens in folgenden Produkten:

• „Wall-E“ M/F2008.
• „Flugzeuge: Feuer und Wasser“ M/F 2014
• „Stadt der Helden“-Film 2014

Das Wesen technokratischer Produkte beruht auf der Tatsache, dass die Überlegenheit der Technologie gegenüber der übermenschlichen Natur als grundlegende Moral hervorgehoben wird.

City of Heroes konzentriert sich auf die Unvollkommenheit des Menschen: seine Sterblichkeit (der lächerliche, „einfache“ Tod der Helden Tadashi und Abigail), seine Schwäche (die machtlose Polizei, die begrenzte Stärke von Hiros Team und die Unfähigkeit, dem Bösewicht zunächst Widerstand zu leisten) und seine emotionale Instabilität (der verzweifelte Wunsch nach Rache von Hiros Helden und Professor Callaghan). Auch in Wall-E wird alles Menschliche auf unattraktive Weise dargestellt – übergewichtige Menschen der Zukunft irren müßig im Weltraum umher, und Heimat, Planet Erde, ist längst zerstört und nicht mehr für Leben geeignet. Das Ende dieser Geschichten zeigt: Es gibt nur eines, was unvollkommenen, wertlosen Menschen helfen kann – und zwar, sich auf Roboter zu verlassen, die im Gegensatz dazu als heilige Wesen dargestellt werden, die um ein Vielfaches moralischer als Menschen und um ein Vielfaches stärker sind. Natürlich. Sowohl in City of Heroes als auch in Wall-E korrigieren Roboter moralisch das Weltbild schwacher Menschen und retten sie aus schwierigen Situationen.

In Airplanes: Fire and Water wird das technokratische Thema etwas anders dargestellt. Der Cartoon präsentiert eine Welt voller bezaubernder anthropomorpher Autos, in der die Reparatur des Getriebes der Hauptfigur, eines Hubschraubers, eine Schlüsselrolle auf dem Weg zu einem Happy End spielt. Und technische Eingriffe in den Körper als Beispiel für ein Kind, das sich mit der Heldenmaschine identifiziert, ist eine schädliche, technokratische Botschaft, die zu einer konsumistischen Haltung gegenüber dem Körper führt, bei der, anstatt sich um die eigene Gesundheit zu kümmern, die Idee eingeflößt wird Etwas im Körper kann einfach „repariert“ oder „ersetzt“ werden. Sowohl „Planes: Fire and Water“ als auch „City of Heroes“ zeichnen transhumanistische Vorstellungen vom Körper nach: Im ersten führt die Reparatur eines fehlerhaften „Körpers“ zu einem „Happy End“, im zweiten die technische Selbst- Verbesserung menschlicher Helden.

FOLGEN EINER SCHÄDLICHEN LEKTION

Produkte mit technokratischer Ausrichtung, die beispielsweise einen Roboter als Träger einer großen Moral darstellen, die der Mensch nicht besitzt, vermitteln entsprechende Sichtweisen auf die Welt. Zum besseren Verständnis der Besonderheiten dieses Themas werden im Folgenden Informationen über die Mängel der technokratischen Weltanschauung präsentiert (Material wird aus dem Buch von Mironov A.V. „Technokratismus ist ein Vektor der Globalisierung“ verwendet). Technokratismus ist eine besondere Denkweise und Weltanschauung, die auf dem Glauben an die Macht des Technischen über das Übermenschliche und dem Wunsch basiert, das menschliche Leben vollständig der Rationalisierung unterzuordnen.

Technokratismus ist keine gesunde Philosophie, da er durch eine Umkehrung von Ursache und Wirkung gekennzeichnet ist: Nicht der Mensch nutzt die von ihm geschaffene technische Realität für seine Zwecke, sondern Mensch und Gesellschaft müssen sich nach den Regeln der Technowelt entwickeln. sich seinen Anforderungen unterwerfen und zum Anhängsel des technischen Systems werden. Für die technokratische Weltanschauung ist es nicht die vorhandene Technologie, die ihrem menschlichen Schöpfer dient, sondern der unvollkommene Mensch – die perfekte Technologie, bis hin zu Versuchen, „eine Maschine zu werden“, die in Richtung des Transhumanismus verkörpert wurde (der Kombination von Mensch und Maschine).

Technokratische Methoden sind in ihrem Anwendungsbereich sehr begrenzt: Beispielsweise kann der Technokratismus, obwohl er es versucht, nicht wirklich rationalisierbare zwischenmenschliche Beziehungen, Kreativität, Religion, Kultur usw. berücksichtigen. Technokratisches Denken vernachlässigt die spirituellen Bedürfnisse des Menschen, unterscheidet nicht zwischen Lebenden und Toten, dem moralisch Erlaubten und dem technisch Möglichen. Ein vom Technokratismus infizierter Geist denkt nicht nach, ist nicht überrascht, reflektiert nicht, strebt nicht danach, die Welt zu verstehen, sondern möchte die Welt in seine Vorstellungen von ihr hineinquetschen.

Außerdem ist es unmöglich, Persönlichkeitsprobleme mit technischen Methoden zu lösen. Der Trend der Symbiose zwischen Mensch und Mechanik ist nicht aus einem gesunden Leben entstanden und wird auch nicht zu einem gesunden Leben führen, da er an den Symptomen und nicht an den Ursachen menschlicher Probleme arbeitet.

Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Technologie nichts anderes als ein dienendes Element unseres Lebens ist, aus dem wir kein Idol machen sollten. Andernfalls beginnt der Mensch, der Technik zu dienen, wenn er technische Gegenstände mit anthropischen Eigenschaften ausstattet, nach Intelligenz in ihnen sucht, nach Liebe für sie sucht und ihnen einen freien Willen verleiht.

Zusätzlich zu den neun oben aufgeführten schädlichen Themen enthalten die Produkte von Disney auch andere, jedoch seltener: Förderung des Verhaltensmodells eines Verräters („Pocahontas“), Förderung des Satanismus („Maleficent“, „Fairies: Legend of the Beast“) ), Positivität psychischer Störungen („Findet Nemo“ – die Figur Dory) und die Positivität des Okkulten („Dornröschen“, wo Erfolge und Siege nicht durch Arbeit, sondern durch Magie erreicht werden).

Der Fairness halber lohnt es sich, vor der Zusammenfassung einen kurzen Blick auf die wenigen zu werfen nützliche Lektionen von Disney, die neben der technischen Perfektion von Filmen und Cartoons meist alle beschriebenen schädlichen Motive hinter sich verbergen.

Kleine Vorteile

Heldenreise

Trotz der zweifelhaften Themen, die in vielen Disney-Geschichten präsent sind, ist jede von ihnen immer noch ganzheitlich als eine Art „Heldenreise“ aufgebaut, durch Dornen zu den Sternen, vom Problem zum Erfolg. Und diese Einstellung – sich wie ein Held zu verhalten, der den Weg zum Sieg gehen muss – ist natürlich ein gutes allgemeines Verhaltensmodell.

Liebe rettet

Ohne auf die Sexualisierung der Liebe in Disney-Produktionen einzugehen, kann die oberflächliche Darstellung dieses wichtigen Themas für den Zuschauer natürlich eine gute Rolle spielen. Der Glaube an die Liebe als Erlösung, wie er von Disney zumindest oberflächlich dargestellt wird, ist immer noch wertvoll.

Wie wichtig es ist, man selbst zu sein

Das in Disney-Produkten oft wiederholte Thema, sein wahres Selbst zu sein, ist ebenfalls sehr wichtig und wäre gut, wenn es nicht zum Hyperindividualismus verschärft würde, der im Gegensatz zur verblassten und falschen Welt um uns herum steht. Auf die eine oder andere Weise scheinen viele Disney-Figuren interessante Individuen zu sein, und das ist eine gute Lektion, um auch die eigene Einzigartigkeit zu schätzen. Ohne die Fähigkeit, sich selbst zu akzeptieren und sich selbst und seine Interessen nicht zu verraten, ist es sehr schwierig, den eigenen Lebensweg zu meistern.

Leider ist das aufgeführte positive Themen in Disney-Produkten, von denen zwei noch nicht einmal in Reinform präsentiert werden, überwiegen die zahlreichen negativen überhaupt nicht.

Endeffekt

Diese Studie wurde durchgeführt, um das Bildungspotenzial beliebter Disney-Produkte zu ermitteln und die Eltern darauf aufmerksam zu machen, wie wichtig es ist, die richtigen Bildungsmaterialien für Kinder auszuwählen. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass alle Informationen für Kinder pädagogisch wertvoll sind und nicht nur unterhaltsamer Natur sind.

Wie die Analyse zeigte, wirken Disney-Produkte oberflächlich betrachtet wie professionelle Magie – erstaunlich schönes Bild, wundervolle Lieder, faszinierende Geschichten usw., dank denen das Unternehmen seit langem die Sympathie des Publikums auf der ganzen Welt gewinnt. Vom Wesen, den zugrunde liegenden Bedeutungen und Ideen her sind Disney-Geschichten jedoch oft geradezu Anti-Pädagogik (oder Anti-Bildung) – sie vermitteln dem Zuschauer absichtlich falsche Wahrheiten und die Bildung destruktiver Verhaltensmodelle.

Um Disney-Produkte unabhängig zu bewerten, wird empfohlen, jede Geschichte auf das Vorhandensein von in der Broschüre beschriebenen Themen zu überprüfen, die für das Bewusstsein und die Entwicklung des Kindes schädlich sind:

1. Diskreditierung und Abwertung der Elternschaft (Verleugnung der Eltern durch den Helden, Tod seiner Eltern, Eltern in der Rolle von Bösewichten usw.),
2. Feminofaschismus (radikale Überlegenheit weiblicher Charaktere gegenüber männlichen, Ausstattung weiblicher Charaktere mit männlichen Eigenschaften),
3. Akzeptanz des Bösen (Arten des Bösen als positive Helden, Vermischung von Gut und Böse, Rechtfertigung des Bösen usw.),
4. Sexualisierung (übermäßig sexualisierte Charaktere, übermäßige Beziehungsphysiologie, Frivolität von Liebesgeschichten usw.),

1. Hyperindividualismus (die Konfrontation zwischen dem Helden und der Welt um ihn herum, wobei die Welt im Sinne des natürlichen Zustands der Dinge als ungerecht oder uninteressant dargestellt wird; Abkehr von sozialen Normen, was zum Erfolg führt),
2. Vulgarität (gemeine Witze über Physiologie usw.),
3. Verantwortungslosigkeit (Vermeidung des Problems als dessen erfolgreiche Lösung usw.),
4. Homosexualität (Metaphern für die Wahrheit homosexueller Liebe),
5. Technokratie (Überlegenheit der Technik vor dem Hintergrund menschlicher Wertlosigkeit etc.).

Klassifizierung von Anzeichen schädlicher Cartoons